На торги выставляются работы российских художников и скульпторов XIX-XXI вв.

Аукцион № 534 и «21-й век. Современное российское искусство»

Театр Ла Скала (Милан, Италия), постановка балета П. И. Чайковского «Щелкунчик», написанного по сказкам Гофмана, 1938 года, постановщик Маргарита Фроман

У правого края, ниже середины, графитным карандашом подпись инициалами и дата: AB // 1937

В верхней части листа авторские надписи на французском языке графитным карандашом:• в центре: Les Invités // 2 Jeunes filles | Гостьи // 2 юные девушки;• слева: «Le Casse Noisette» // N 22 // 2 costumes // pareils |«Щелкунчик» // N 22 // 2 костюма // одинаковые;• справа: следы стертых надписей; поверх них надпись: filles //  | девушки

В правой части листа, вокруг фигуры девушки, графитным карандашом авторские надписи — указания материалов и деталей костюма

У середины левого края листа булавкой приколот образец ткани для костюма

На обороте, по центру, графитным карандашом подпись и авторская надпись: Alexandre Benois // N 18 ; ниже надпись: 145/8 × 10

Провенанс:
• 24 марта 2015, аукцион Roseberys (Лондон), лот № 595, под названием Les Invités, from Le Casse Noisette, Rene Blum's Ballets Russes de Monte Carlo

Экспертное заключение № 1311 от 13.11.2023. Эксперт МКААД В. С. Силаев

Пожелтение бумаги, общие загрязнения

Работа оформлена в паспарту и раму со стеклом (60 × 48,8)

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Девушка. Эскиз костюма для постановки 1 акта балета П.И. Чайковского «Щелкунчик»

Слева внизу подпись: Burliuk

На подрамнике: слева вверху обрывок бумажной этикетки с полуутраченной надписью: …BEACH PUTNAM VAL; ниже бумажная этикетка: НИНЭ имени П. М. Третьякова // № 22427; справа вверху и слева внизу бумажные наклейки

Экспертное заключение НИНЭ имени П. М. Третьякова ОЖ 22427, № 13813-25 от 24 мая 2024. Эксперт Ю. В. Рыбакова

Незначительная деформация холста, незначительный кракелюр

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

На берегу. Патнэм-Вэлли

Справа внизу подпись: Ѳ. Бурхардтъ

На подрамнике, слева вверху, бумажная этикетка: НИНЭ имени П. М. Третьякова // № 22335

На обороте, по центру, следы, предположительно, сургуча

Экспертное заключение НИНЭ имени П. М. Третьякова ОЖ 22335, № 13838-25 от 29 мая 2024. Эксперт, искусствовед А. Б. Дергачева

Обветшание холста по краям и углам, незначительный кракелюр

*** 
Фёдор Карлович Бурхардт (1854 — ок. 1919 (?)) — русский художник, автор пейзажей, натюрмортов и жанровых сцен. Произведения его неоднократно публиковались в дореволюционной печати и на открытых письмах. 

Биографические сведения о Фёдоре Бурхардте ограничены. Художник родился в Санкт-Петербурге. В дальнейшем жил в Москве и Московской губернии. Доподлинно неизвестно, получил ли он систематическое художественное образование. Фёдор Бурхардт участвовал в выставках Московского общества любителей художеств (1889–1913, с перерывами), Санкт-Петербургского общества художников (1894–1912, с перерывами), «Северного кружка любителей изящных искусств» в Вологде (1918) и других.

Произведения Фёдора Бурхардта хранятся в собраниях Самарского областного художественного музея, Иркутского областного художественного музея им. В. П. Сукачёва, Нижнетагильского музея изобразительных искусств, Государственного музея искусств им. А. Кастеева в Алма-Ате, Химкинской картинной галереи, а также в отечественных и зарубежных частных собраниях.

В пейзаже Фёдор Бурхардт был близок к школе лирического пейзажа Исаака Левитана. Его работы отличаются гармоничной композицией, высокой реалистичностью и сдержанным колоритом с предпочтением неброских серебристо-серых, зеленоватых и охристых оттенков. Бурхардт часто включал в свои пейзажи изображения птиц — куропаток, глухарей, тетеревов и т.д. (Мария Онучина, AI). 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Деревья у реки

Справа вверху подпись: В Верещагинъ

Оборот скрыт

Экспертное заключение ГРМ № 1487/1 от 28.04.2004. Ведущий сотрудник отдела рисунка и акварели XVIII‒XX веков А. В. Максимова, старший научный сотрудник отдела рисунка и акварели XVIII‒XX веков И. Б. Верховская, старший научный сотрудник отдела технологических исследований М. В. Черкасова

Работа оформлена в паспарту и раму со стеклом (54,2 × 63)

*** 
В истории русской живописи знаменитых Верещагиных было минимум пятеро — членов одной семьи (из которой происходит наш сегодняшний автор) и однофамильцев. Василий Петрович Верещагин во время учебы в Императорской Академии художеств был удостоен двух золотых медалей, получил по окончании курса звание классного художника первой степени и право пенсионерской поездки за границу; после шести лет работы в Европе в качестве пенсионера ИАХ и по возвращении из-за границы ввиду «замечательных трудов» получил от ИАХ пенсионерское содержание еще на пять лет работы в России. Позже, минуя звание академика, был удостоен звания профессора и многие годы преподавал в ИАХ (Мария Онучина, AI). 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Натюрморт с книгой

Справа внизу подпись: К. Горбатовъ

На обороте, слева внизу, бумажная этикетка: НИНЭ имени П. М. Третьякова // 13703

Экспертное заключение НИНЭ имени П. М. Третьякова ОЖ 13703, № 8697-25 от 18 октября 2019. Эксперт И. В. Геращенко, эксперт Ю. В. Чайкина

Обветшание картона и незначительные нарушения красочного слоя по углам

Работа оформлена в раму (39 × 46,2)

*** 
Константин Иванович Горбатов — один из выдающихся русских живописцев первой трети XX века, обладавший как узнаваемым стилем, так и характерным кругом разрабатываемых сюжетов. Его творческая манера сформировалась во многом под влиянием мастеров Союза русских художников. Горбатов также активно пользовался импрессионистическими приемами, получившими большое распространение в отечественной живописи первой четверти ХХ века. Излюбленными мотивами его полотен были виды старинных русских городов, природа русского Севера, волжские пейзажи, а также тихие уголки провинциальных сел и деревень. Революционные события вынудили художника покинуть родину и провести остаток дней в эмиграции.

Первоначальное художественное образование Константин Горбатов получил в 1891–1895 в Классах живописи и рисования Ф. Е. Бурова в Самаре, затем учился в Рижском политехническом институте у Дж. Кларка и в Школе рисования и живописи В. О. Блюма (1896–1903). В 1903 поступил в Высшее художественное училище живописи, скульптуры и архитектуры при ИАХ, занимался сначала на архитектурном факультете, с 1904 — на живописном отделении в мастерской А. А. Киселева и Н. Н. Дубовского. В 1911–1913 — пенсионер ИАХ в Италии и Испании.

В 1922 году Горбатов отправился в заграничную командировку от Академии художеств, но в Россию уже не вернулся.

Первоначально он поселился в Италии (на Капри и в Венеции), где прожил с 1922 по 1926 год. В этот период художник много путешествовал по стране и много работал. Картины, выполненные Горбатовым в эти годы, отличает яркий и светлый колорит, декоративность, добротность исполнения и праздничность мировосприятия. Его главной творческой темой остается природа, органично соединенная с архитектурным мотивом. Сам художник считал, что «живопись прекрасна тогда, когда она передает жизнь не такой, как она есть, а какой она могла бы быть». 

Искусство Горбатова пользовалось успехом, о нем писали в местной прессе. К примеру, газета Il Messagero от 14 марта 1926 писала о художнике в связи с очередной выставкой следующее: «Но рядом наше сердце стучит от радости, потому что встречает то, что нам дорого: Неаполь, Капри, Амальфи, Венеция, Равелло. Побеги виноградной лозы, ветки апельсинов, террасы под солнцем над нашим морем. Красоты пейзажа и луч солнца смягчены художником, который остался верен натуре даже тогда, когда его горячая страстность вела к внешним преувеличениям. Это вызывает сочувствие, эффект сопереживания столь интенсивен, что создает впечатление, что реальность художника — это наша реальность».

В 1926 году семья художника обосновалась в Берлине. После переезда в Германию Горбатов постоянно приезжал на Капри, работая над итальянскими видами. Он много путешествовал: в 1928-м побывал в Куоккале у И. Е. Репина, в 1934–1935 годах совершил поездку в Палестину, в 1935-м посетил Лондон. Художник продолжил развивать и тему русского лирического пейзажа. Его полотна пользовались большим спросом у европейских коллекционеров. В особенности их очаровывала изысканная «старомодность» его произведений на русскую тему, проявившаяся в изображениях церквей и архитектуры древних городов. Персональные выставки живописца прошли в Берлине, Гамбурге, Мюнхене, Кёльне, Дрездене, Риме, Копенгагене, Гааге, Лондоне.

«Итальянский период» (1922–1939) творчества Константина Горбатова, начало которого исследователи связывают с переездом на Капри, отмечен более светлым и ярким колоритом, сложившимся под воздействием южного солнца и итальянской природы.

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Капри

Слева внизу процарапыванием подпись инициалами и дата: ЕГ87

На верхней планке подрамника, по центру авторская надпись, подпись и дата шариковой ручкой: Е. Григорьева 1987 г. 

Незначительный кракелюр в нижней части картины

Работа оформлена в раму (82,3 × 62,2)

*** 
Катя Григорьева сумела создать очень изменчивую, подвижную манеру, но всегда сохраняющую авторскую определенность. Тут нет непреложности не в чем: иногда почти чистые цвета ложатся рядом, а порой палитра тонет в белилах, иногда один цвет диктаторски подавляет другие или вдруг вполне академично все поддерживается полутонами. Порой композицию выстраивает цвет, а то — четкая и фактурная линия — всегда изящно-прихотливая. Вдруг все подавляет энергия мазка, и тогда видно, сколько сил и мощи во взаимоотношениях художника и холста, сколь драматичны эти связи (Ада Сафарова, ryabovexpo.ru).

Сама Екатерина Григорьева называла себя «восторженным экспрессионистом». Ее живопись отличается самобытностью и оригинальностью, привлекает живописной динамикой, экспрессией чувств. Картины Екатерины Григорьевой — это своеобразные живописные поэмы, полные лиризма, красоты и доброй энергии.

Многие работы художницы далеки от конкретности, они ассоциативны и многозначны. В ее творчестве преобладают свободные живописные композиции, а мир ее цветов — это фантастические симфонии, знак слияния с Природой, у которой она черпает силы и вдохновение.

Живопись Екатерины Григорьевой — это воплощенная на холсте мечта художника о красоте нашего сложного и противоречивого мира (ryabovexpo.ru). 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Без названия (Маки)

Справа внизу подпись: L. DMITRIEVSKY.

На обороте две бумажные этикетки производителя материала; в правом верхнем углу бумажная этикетка: НИНЭ имени П. М. Третьякова // № 13408

Экспертное заключение НИНЭ имени П. М. Третьякова ОЖ 13408, № 8519-25 от 24 июля 2019. Эксперт, кандидат искусствоведения Е. М. Пономаренко

Работа оформлена в раму (68,2 × 59,1)

***
Лидия Дмитриевская (1895–1967) — значимый художник русского зарубежья, ученица Александра Архипенко. В своём творчестве она прошла через увлечение немецким и русским экспрессионизмом, но ярче всего талант художницы раскрылся при работе в стилистике европейского ар-деко. Дмитриевская известна своими выразительными и декоративными портретами, ню, пейзажами и натюрмортами. В последних стилистика ар-деко проявляется, в частности, в сочетании укрупненных форм, локальных цветов и утрированного плоскостного решения лепестков.

В представленной на торгах живописной работе «Букет на фоне пейзажа», датируемой второй третью ХХ века, Лидия Дмитриевская разрабатывает один из своих излюбленных мотивов — цветочной композиции на фоне пейзажа. Художница часто писала букеты в вазах, состоящие как из одного вида цветов (тюльпанов, лилий, фиалок и т.д.), так и подобные этой композиции, в которых представлено всё разнообразие не только оттенков, но и видов цветов. 

В этом ярком, красочном букете объемный бутон пиона, светло-розовый и по-девичьи нежный, соседствует с огненно-оранжевыми, страстными лилиями, а красивая в своей простоте ромашка с утонченными, алыми настурциями. При этом Дмитриевской удалось достичь в этой цветочной композиции безусловной гармонии — подобно тому, как в характере одного человека мирно уживаются порой совершенно разные качества. Это цветочное разноцветье на первом плане дополняет сочный летний пейзаж с рекой и лесом, прописанный лишь в правой части полотна, но опущенный в его левой части (Мария Онучина, AI).

***
Лидия Дмитриевская (урожденная Бумагина) родилась в 1895 в Санкт-Петербурге. В юности училась в Москве. В 1921–1922 стажировалась в студии А. П. Архипенко в Берлине. Путешествовала по Италии, часто бывала на юге Франции и в Париже. Изучала древнерусскую и византийскую иконопись. Вышла замуж за советского дипломата-невозвращенца, публициста и историка Сергея Васильевича Дмитриевского (1893–1964), выразителя взглядов национал-коммунизма. Поселилась с мужем в Стокгольме; в 1957 супруги получили шведское гражданство (artrz.ru). 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Букет на фоне пейзажа

Слева вверху процарапыванием подпись: АЗ; слева внизу процарапыванием подпись и дата: АЗ 78; правее процарапыванием дата: 78

На подрамнике, слева вверху, бумажная наклейка с надписью шариковой ручкой: 306 // 1 (перевернута)

На фотографии работы надпись и подпись: Экспертиза ГТГ 23.01.95. // Зверев А. Т. // Георгий Победоносец. 78 // х. масло 70,5 × 55 //  (Силаев)

По центру горизонтальный шов, соединяющий две части холста

Работа оформлена в раму (76,3 × 60,3)

*** 
Творчество Анатолия Зверева (1931–1986) занимает особое место в советской андеграундной культуре. Его самобытная художественная манера отличается виртуозной импровизационной техникой быстрого рисунка, благодаря которой зритель имеет возможность наблюдать непрерывное рождение его экспрессивных образов из первозданного хаоса динамичных линий и цветовых пятен. Зверев синтезировал традиции мировой живописи и направлений искусства ХХ века — ташизма, абстракционизма, фовизма, выработал оригинальный узнаваемый стиль.

«Георгий Победоносец» (1978) входит в редкий живописный цикл произведений Зверева, посвященный религиозно-философской тематике, которая, как известно, никогда не доминировала в его творчестве. На полотнах этой серии нашли свое художественное осмысление библейские сюжеты и образы. 

Сюжетом работы стало чудо святого Георгия о змие — чудо, совершенное святым великомучеником Георгием Победоносцем после его смерти. «На родине святого, в городе Бейруте, было много язычников. А около города, близ Ливанских гор, находилось большое озеро, в котором жил огромный змей — какое-то древнее животное. Жители города панически боялись его и каждый день приносили ему в жертву самое дорогое — своих детей. Когда пришел черед царя, он отправил к озеру единственную дочь. На озере начался шторм. Горько плакала девушка, ожидая смертного часа. Неожиданно к ней подъехал воин на белом коне. В руках он держал копье. Девушка упрашивала незнакомца покинуть берег озера, чтобы не погибнуть. Но святой, увидев змея, осенил себя крестным знамением и со словами: “Во имя Отца и Сына и Святого Духа” устремился на него. Великомученик Георгий пронзил змея копьем, велел девушке связать его поясом, и, словно пса, приволокли они гадину в город. Счастливые жители сожгли змея. Более двадцати пяти тысяч человек, увидев силу Христову, крестились тогда, а на одной из центральных площадей была построена церковь во имя Пресвятой Богородицы и святого великомученика Георгия Победоносца. Со времени основания Москвы Георгий Победоносец считается ее покровителем. И Чудо святого Георгия о змие изображается на гербе Российской столицы» (azbyka.ru).

В работе узнается характерный художественный почерк мастера: отказ от предварительного рисунка, обобщенные экспрессивные формы, неразрывное единство образа и фона. Зверев изображает святого на белоснежном коне, с копьем, поражающим чудовище, закругленными гибкими мазками, лишь контурно обозначающими фигуры персонажей, поэтому фигуративная композиция балансирует на грани абстракции. Автор прибегает к своей излюбленной технике процарапывания красочного слоя, что обогащает фактуру полотна. Палитра работы строится на контрастном сопоставлении теплых и холодных оттенков. На абстрактном фоне, трактованном пастозными мазками в болотно-желтоватой цветовой гамме, выразительно выделяется фигура Георгия, интерпретированная в насыщенных «героических» алых оттенках. Автор оставляет размашистую витиеватую подпись «АЗ» и дату создания работы, которые становятся органичной и неотъемлемой частью композиции (Мария Беликова). 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Георгий Победоносец

Внизу у левого края фиолетовой темперой подпись: Кирилл Здан…

Оборот скрыт

Экспертное заключение ВХНРЦ им. академика И. Э. Грабаря № 1567 ЭК — 1446-04 от 28 октября 2004 г. Эксперты А.Р.Киселева, Э. М. Бурцева

Работа оформлена в паспарту и раму со стеклом (65 × 81)

*** 
Кирилл Михайлович Зданевич (1892–1969) — один из крупнейших мастеров грузинского и русского художественного авангарда. В своем творчестве сочетал черты кубизма, футуризма, неопримитивизма и народного искусства. Вместе со своим младшим братом — поэтом и художником Ильёй (Ильяздом) Зданевичем — Кирилл Зданевич был одной из главных движущих сил тифлисского авангарда: участвовал в выставках, дружил с футуристами, иллюстрировал стихи Маяковского, открыл миру художника Нико Пиросмани. 

Кирилл Зданевич родился в 1892 в селе Коджори близ Тифлиса, в семье преподавателя французского языка, выходца из Польши, и грузинской пианистки; старший брат поэта и художника Ильи Зданевича (Ильязда). Окончил 1-ю Тифлисскую гимназию (1911). В конце 1900-х — начале 1910-х посещал Школу живописи и скульптуры Кавказского общества поощрения изящных искусств в Тифлисе, где занимался под руководством Н. В. Склифосовского.

В 1912 переехал в Петербург и поступил в Высшее художественное училище живописи, скульптуры и архитектуры при ИАХ (курса не окончил). В те же годы сблизился со многими представителями художественного авангарда: М. В. Ле Дантю, М. Ф. Ларионовым, Н. С. Гончаровой и другими. Был близок обществу художников «Союз молодежи». В 1912 вместе с Ле Дантю путешествовал по Кавказу, познакомился с Нико Пиросманишвили; занимался популяризацией его творчества в Москве и Петербурге. Участвовал в выставках «Ослиный хвост» (1912), «Мишень» (1913), «№ 4» (1914) в Москве. В 1913 подписал манифест «Лучисты и будущники».

В 1912–1914 жил в Париже, занимался в ателье А. П. Архипенко. Сблизился с С. И. Шаршуном. В 1914 был призван на военную службу и вернулся в Россию. После демобилизации жил в Тифлисе (1917–1920, с 1922) и Константинополе (1920–1921); в 1920 посетил Париж. Писал портреты, пейзажи, натюрморты. Много работал в техниках гуаши, темперы, акварели. Занимался книжной иллюстрацией, монументальной живописью, сценографией (в Театре им. Шота Руставели; 1923–1924). Публиковал статьи о творчестве Нико Пиросманишвили.

Принимал активное участие в деятельности грузинских футуристов; член объединения «Синдикат футуристов», один из организаторов (вместе с братом Ильяздом, А. Е. Кручёных, И. Г. Терентьевым) футуристической группы «41о» (Сорок один градус). Занимался разработкой теорий «оркестровой живописи» и «всёчества».

Участвовал в выставке картин в Батуми (1922), выставке художественной секции «Айартуна» в Тифлисе (1925), юбилейной выставке искусства народов СССР в Москве (1927). Провел персональные выставки в Тифлисе — Тбилиси (1917, 1962).

В 1949 был арестован по обвинению в измене родине и приговорен к 15 годам исправительно-трудовых лагерей. Срок отбывал в Дубравлаге Мордовской АССР. В феврале 1957 был освобожден, в марте того же года — реабилитирован, вернулся в Тбилиси.

В последние годы жизни занимался книжным оформлением, театрально-декорационным искусством. Опубликовал монографию «Нико Пиросманишвили» (М., 1963). В 1963 был удостоен звания заслуженного деятеля искусств Грузинской ССР. В 1964 посетил Париж; создал цикл работ «Париж глазами художника».

Произведения художника находятся во многих музейных собраниях, в том числе в ГМИИ им. А. С. Пушкина и других.

На торгах представлен живописный «Летний пейзаж» Кирилла Зданевича, датируемый 1950–60-ми годами. Своеобразная архитектура и горы на горизонте указывают, что пейзаж написан в Грузии. В этой работе, созданной в поздний период творчества, художник уже отошел от авангардной манеры своих ранних работ. Уже пройдена борьба с художественным формализмом, позади девять лет исправительно-трудовых лагерей. Тем не менее в этой реалистической работе сохраняется присущая Зданевичу свободная манера письма, яркий колорит, упрощенность фигур и объектов. Как заметила искусствовед и корреспондент «Коммерсанта» Анна Толстова, для позднего творчества Кирилла Зданевича характерна своеобразная «свобода окраины»: то, что считалось бы непозволительным в Москве и Ленинграде того времени, было одобрено для восточных провинций и освящено именем Мартироса Сарьяна. «Летний пейзаж» проникнут атмосферой юга, романтической Грузии, о которой Константин Паустовский, близкий друг Кирилла Зданевича, писал: «Я уверен, если бы Андерсен побывал в Грузии, он бы написал сказку не о том, как кусок льда попадает в сердце, а как в сердце попадает грузинское солнце, завернутое в лист виноградной лозы...» (Мария Онучина, AI). 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота. 

Летний пейзаж

Оборот: Икона состоит из трех досок лиственной породы дерева, соединенных между собой двумя врезными несквозными шпонками. Верхняя шпонка новая, размером меньше паза, поставлена при реставрации (возможно, вклеена).

По поверхности сучки с выпадами древесины. По центру трещина доски несквозная. Вверху гвоздевые отверстия. Потертости древесины по периметру и на углах.

Лицевая сторона: По всей поверхности мелкие выкрошки красочного слоя, царапины. По нижнему полю утраты красочного слоя с левкасом до древесины.

Лики и руки прописаны при современной реставрации, предположительно по авторскому красочному слою. Тонированные вставки по нижнему полю.

Устное подтверждение Экспертного совета ARTinvestment.RU

Икона помещена в киот со стеклянной створкой (87,5 × 81,5 × 20,5)

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Праведный Симеон Верхотурский

Справа внизу подпись-монограмма: ПК

Оборот скрыт

Экспертное заключение б/н от 02.08.2017. Эксперт О. С. Глебова

Справа, в верхнем и нижнем углах, следы деформации бумаги (замятия), незначительные надрывы по краям листа

Работа оформлена в паспарту и раму со стеклом (61,3 × 71,5)

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Обнаженная на фоне ковра

Слева внизу, на изображении (на форме) подпись и дата: Б-К- // 1926

На обороте, внизу слева, графитным карандашом надпись: от В. В. Воинова 1928

Оборот листа закрыт покрывным листом (31 × 22,1) и вместе с ним прикреплен по верхнему краю к паспарту; слева внизу на покрывном листе печатный текст (линогравюра?): Кустодиев Б. М.

Работа оформлена в паспарту и раму со стеклом (43 × 35,7)

***
Всеволод Владимирович Воинов (1880–1945) — график, живописец, сценограф, искусствовед. Занимался станковой и прикладной графикой. Выполнял пейзажи, портреты, занимался книжной иллюстрацией, экслибрисом. Обращался к техникам линогравюры, ксилографии, офорта, литографии. Возглавлял секцию граверов во Всероссийском обществе поощрения художеств (1928–1929).

В 1919–1922 работал в Отделе рисунка и гравюры Государственного Эрмитажа, в 1922–1932 — в Отделе графики Государственного Русского музея, сначала хранителем, затем заведующим.

Автор ряда статей по истории русского искусства. Вел дневник бесед с Б. М. Кустодиевым (1921–1927); опубликовал первую монографию о Кустодиеве (Л., ГИЗ, 1925). 

Кустодиев называл В. В. Воинова «своим наставником в гравюре», неоднократно дарил ему свои листы. По-видимому, линогравюра «Купальщицы» (1926), представленная на аукционе, до 1928 года находилась в собрании В. В. Воинова и была подарена ему самим автором. 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Купальщицы. Из серии гравюр «Купальщицы»

Другое название (по Г. С. Чурак, Л. И. Гладковой): Пейзаж с мостиком

Оборот частично скрыт. По центру черной краской надпись: автор И. Левитан. Ниже бумажные этикетки: НИНЭ имени П. М. Третьякова // № 14722 и 3212 // Левитан // ГТГ // Экспертиза // Антиквар

Экспертное заключение НИНЭ имени П. М. Третьякова ОЖ 14722, № 9326-31 от 17 августа 2020. Эксперт, искусствовед Л. И. Захаренкова

Экспертное заключение НИНЭ имени П. М. Третьякова б/н, б/д — Приложение № 1 к Экспертному заключению ОЖ 14722. Результаты исследования пигментного состава и связующего живописи. Эксперт, кандидат химических наук И. Н. Шибанова

Экспертное заключение Государственной Третьяковской галереи ОЭ ГТГ 3212, № К 1869/16 от 22.06.2000. Зав. отделом живописи 2-й половины XIX — начала ХХ вв. Г. С. Чурак, зав. отделом научной экспертизы Л. И. Гладкова

Работа оформлена в паспарту и раму со стеклом (35 × 38,7)

*** 
Выдающийся живописец-пейзажист Исаак Ильич Левитан родился 18 (30) августа 1860 года на территории Западной окраины России, в посаде Кибарты близ Вержболово Сувалкской губернии, в бедной еврейской семье. Несмотря на скудость средств, воспитание детям давалось довольно неплохое, обучением детей занимался отец, железнодорожный служащий. В доме Левитанов царила благоприятная атмосфера, располагающая к духовному и интеллектуальному развитию детей.

Творчество Левитана неразрывно связано с литературой, как художественной, так и научной. Чтение повлияло на формирование его творческого метода и на развитие его живописной «поэзии». Левитан много читал, в том числе русскую поэтическую лирику, изучал достижения лучших русских и западных пейзажистов, выучил французский язык специально для того, чтобы прочитать монографию о Камиле Коро, чье влияние тоже прослеживается в некотором количестве пейзажей Левитана, потому как он часто копировал именно работы этого художника, изучая его художественный метод, технику, цветопередачу и работу с формой.

Исаак Левитан с особым вниманием подходил к изучению работ Климента Тимирязева, впоследствии его доброго знакомого, в статьях которого живописец находил чрезвычайно глубокие мысли, которые становились его ориентирами в творчестве. Тимирязев был не только великим исследователем процессов фотосинтеза, космической роли растения, но и поэтом в науке, в сугубо научных трудах посвящал вдохновенные строки прославлению солнечного света, растений как «посредников между небом и землей», ибо «зеленый лист… является фокусом мирового пространства, в который с одного конца притекает энергия солнца, а с другого берут начала все проявления жизни на земле. …Похищенный им луч солнца горит и в мерцающей лучине, и …приводит в движение и кисть художника, и перо поэта».

Левитан говорил, что для него пейзаж «не протокол, а объяснение природы живописными средствами». 

Александр Бенуа вспоминал: «Левитан имел прямо-таки африканский вид: оливковый цвет кожи, и густая черная борода, и черные волосы, и грустное выражение черных глаз — все говорило о юге… Всей своей натурой, своими спокойными, благородными жестами, тем, как он садился, как вставал и ходил, наконец, тем вкусом, с которым он одевался, он сразу производил впечатление человека лучшего общества. Этому впечатлению светскости способствовал и его несколько матовый голос, и его легкое картавление, отдаленно напоминавшее еврейский говор. При всем том, если Левитана никак нельзя было счесть за буку, то все же он еще менее, нежели Серов, был расположен к излияниям, к интимному контакту, он еще определеннее отстранял людей от себя, держал их на дистанции. В нем была некая, не лишенная, впрочем, грации важность (тоже восточного типа), и мне говорили, что он не оставлял ее даже в общении с близкими друзьями при самых откровенных беседах. Говорили, что именно эта черта сводила с ума женщин, и еще более сводило их с ума то, что всем было известно об его многочисленных победах, а за последние годы про его длительный роман с одной светской московской дамой, доставлявшей ему много мучений и приведшей его к попытке покончить с собой. В общем милый и сердечный человек, Левитан носил в себе печать чего-то фатального, и глядя на него, трудно было себе его представить сидящим на натуре, скромно и тихо ею умиляющимся, старающимся как можно точнее передать на полотне красоты русской незатейливой, но столь милой природы. И не вязалась эта наружность с тем, что было в его пейзажах здорового, свежего, задушевного и откровенного. Недостаток экспансивности в личных отношениях с людьми точно вознаграждался каким-то обострением чуткости к природе, к ее самым затаенным прелестям…» (Бенуа А. Н. Мои воспоминания: В 2 кн. — М.: Захаров, 2005. — Кн. 2. С. 1017–1018). 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

В парке

Единственный экземпляр

В нижней части скульптуры бирюзовой краской (?) надпись: К • 15; на основании скульптуры надпись: 24.

Выставка: «Скульптуры ставятся на века. Группа ЛеСС. Владимир Лемпорт, Вадим Сидур, Николай Силис», 30 июня — 27 августа 2023, галерея «Элизиум», Москва

Работа происходит из собрания семьи Н. А. Силиса — друга и многолетнего коллеги В. С. Лемпорта

Следы бытования.

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Адам и Ева

Слева внизу подпись инициалами и дата: АМ // 1883

На обороте, вверху слева, бумажная этикетка: НИНЭ имени П. М. Третьякова // № 22340

Экспертное заключение НИНЭ им. П. М. Третьякова ОЖ 22340, № 13821-25 от 27 мая 2024. Эксперт, искусствовед А. Б. Дергачева

Пожелтение лака, незначительный кракелюр, следы бытования

*** 
Арсений Иванович Мещерский (1834–1902) — выдающийся русский пейзажист, чьё творчество входит в общеевропейский контекст XIX века, продолжая и развивая традиции Дюссельдорфской школы живописи и эстетики известного швейцарского пейзажиста Александра Калама. 

Арсений Мещерский родился в Вышневолоцком уезде Тверской губернии в 1834 году. Вероятно, первые уроки рисования будущий художник получил в очень раннем возрасте: известно, что к 16 годам гимназист Мещерский обладал уверенными навыками рисовальщика. В 1854 году Арсений Мещерский был зачислен вольноприходящим учеником в Императорскую Академию художеств, состоял в классе исторической живописи у Ф. А. Бруни и Т. А. Неффа и в пейзажном классе у С. М. Воробьева.

В Академию Арсений Мещерский пришел уже почти сложившимся художником. Об этом свидетельствует хотя бы то, что всего через год после поступления в ИАХ он уже участвовал в академических выставках и получил вторую серебряную медаль, а через три года после поступления, в 1857 году, за пейзаж «Утро в окрестностях Фридрихсгама» был награжден большой серебряной медалью. Вскоре после этого он принял решение покинуть Академию и уехать за рубеж. При посредничестве некого покровителя, имя которого исследователям еще предстоит выяснить, Арсений Мещерский переехал в Швейцарию, где начал брать уроки у выдающегося представителя Дюссельдорфской школы Александра Калама.

Именно Александр Калам, один из ключевых европейских пейзажистов XIX — XX веков, стал главным учителем Мещерского. От него он взял любовь к эпичным горным пейзажам, ему обязан фотографически точной проработкой малейших деталей картин и мастерским использованием цвета и света для придания глубины видам природы.

Уроки Калама быстро дали свои плоды. Уже через год обучения Мещерский показал в ИАХ пейзаж «Вид Савойя», за который ему дали малую золотую медаль. Спустя еще год, в 1859 году, за «Швейцарский вид (Льды на Ландеке)» художник был удостоен большой золотой медали и звания классного художника 1-й степени. Его наградили правом на пенсионерскую поездку, которую он предпочел провести в той же Швейцарии, но на этот раз время от времени выезжал из Женевы в Одессу, Константинополь, путешествовал по городам Италии. За время своего первого крупного турне по городам Российской империи и Европы, художник не только создал целую серию видовых работ, вдохновленных культурой и природой разных стран, но и ближе познакомился с творчеством художников итальянского Ренессанса и Северного Возрождения, обогатив свой художественный опыт новыми сюжетами и приемами.

В 1864 году Арсений Мещерский вернулся в Россию; поселился в Петербурге, откуда совершал поездки на Кавказ, в Крым, Финляндию. С середины 1860-х годов зимние и горные пейзажи наряду с изображениями бескрайних полей становятся постоянными сюжетами его работ. В 1867 году 33-летний художник был приглашен сопровождать великого князя Алексея Александровича (сына Александра II) в кругосветном путешествии, результатом чего стало появление целой серии видов экзотических для русского глаза мест и удивительной точности морских пейзажей.

В 1870-е авторский стиль Мещерского формируется окончательно, от мастерских академических работ он переходит к менее натурному романтическому пейзажу (хотя по-прежнему считает себя «рисовальщиком природы» и «портретистом деревьев»). Художник много работает на заказ, зачастую заменяя пленэрные зарисовки работой в студии. Технически совершенные, композиционно безупречные пейзажи Арсения Мещерского большинством критиков оценивались очень высоко. Его манеру называли изящной, а произведения «нежащими глаз» и «высокопоэтичными». Были, правда, и критики, писавшие, что «слишком много умения иногда хуже, чем как если бы его совсем не было».

В 1879 году, по свидетельству современников, Мещерского сразила сильнейшая пневмония — художник находился на грани жизни и смерти несколько недель, а затем много лет страдал от приступов удушья и общей слабости организма. Слабое здоровье побудило его проводить больше времени дома и в средней полосе России. Кругосветные путешествия отныне сменились зимами, проведенными на берегах Крыма и юга Италии. Новые жизненные обстоятельства художник воспринял как стимул обратиться к тихим красотам окружающей его природы. Академическая эпичность и романтическая экспрессивность его работ сменилась почти камерной выразительностью реалистично изображенных мест. Новые пейзажи Мещерского были тепло приняты публикой. Их называли «замечательными как по жизненности, так и по артистической технике». 

Последние годы жизни Арсений Мещерский много преподавал и работал. В 1898–1899 годах он совершил свое последнее большое турне, посетив Турцию, Афон, острова Греции, Италию и Швейцарию и привезя оттуда множество натурных зарисовок. Результатом поездки стало ухудшение здоровья, и 13 ноября 1902 года Мещерский скончался от астмы в Петербурге (Мария Онучина, AI).

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Парусник в море

Внизу по центру подпись и дата: Вл. Немухин – 91

На обороте, вверху справа, авторская надпись, подпись и дата: (Композиция Бубновый // Валет) // N 2 // Вл Немухин // - 991

На лицевой стороне работы следы клея 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Композиция «Бубновый валет № 2»

Экспертное заключение № 95 от 08.02.2024. Эксперт В. С. Силаев

Работа окантована деревянными рейками (111,5 × 68,5)

*** 
Рисовать Борис Свешников начал еще в школе. Школьные его работы не сохранились, как и рисунки 1940-х годов, сделанные в Московском художественно-педагогическом училище и в первый год обучения в МИПИДИ.

С западноевропейской живописью юноша знакомился по книгам, а также в музеях изобразительных искусств на Волхонке и Нового западного искусства из собраний С. Щукина и И. Морозова. Трудно сказать, какое направление обрел бы полет его фантазии, если бы не свалившаяся на него неожиданно беда — арест в феврале 1946 года, его обвинили в участии в антисоветской террористической организации.

Как ему удалось не сломаться тогда, остается тайной. После года тюрьмы в свои 19 лет Свешников получил семь лет лагерей с последующей ссылкой. 

Выжить в лагере Свешникову помогли и родители. Он часто писал им, а они не только отправляли ему посылки (здоровье художника было быстро подорвано, болезни преследовали его в течение всей жизни), несмотря на строгий режим и всяческие препятствия, отец Свешникова отдавал лагерному начальству свою зарплату, чтобы хоть как-то облегчить участь сына. Кроме того, семья посылала ему кисти, краски, бумагу, репродукции работ Босха, Гойи, Гейнсборо, Моне, которые он просил.

Поддерживал художника и Н.Н.Тихонович, который помог в новом лагере для инвалидов Ветлосян пристроить Свешникова сторожем при деревообрабатывающем заводе. Так художник избежал общих работ. С «воли» он получал материалы для живописи и рисунка, что-то можно было достать и в лагерной живописной мастерской.

В лагере он сделал серию рисунков и живописных работ, которые он даже не надеялся переправить из заключения. Но благодаря еще одному бывшему заключенному — Л. Я. Сея, многие из них все же были перевезены в Москву. 

Картины, написанные в лагере, не столь многочисленны. Они написаны на небольших холстах, чаще — на наволочках и простынях корпусным цветом в темных коричневых, красных, серых оттенках, отдаленно напоминающих «черные» серии Гойи, работы Маньяско, поздних маньеристов. 

Небо, вода и растения обозначали в работах Свешникова те природные явления, к которым он питал особую нежность и доверие (Валерий Дудаков, antiqueland.ru).

«Сейчас, когда его не стало, мне кажется, что он был среди нас последний “мирискусник”, только не с “усадебным”, а с лагерным опытом. Потому-то его искусство воспринималось как нечто большее, чем утонченная игра со стилем, и не как фантасмагория, отечественная “гофманиана”, где видимое является порождением невидимого, в нем было еще что-то, что сильнее всяких страхов. Он всегда видел перед собой лицо Смерти — и в образе могильного червя, и в тонком профиле капризной красавицы, и в зеленоватой патине готических теней, и в кружевном хитоне ангела, и в пламенных помыслах Вселенной» (Владимир Немухин, в кн.: Марк Уральский. Немухинские монологи (Портрет художника в интерьере). — М.: Бонфи, 1999. С. 51).

«Композиция “Музыканты” интересна и уникальна тем, что это одна из редчайших ранних живописных работ, написанных Б. П. Свешниковым в первой половине 1950-х годов. В ней виден огромный потенциал, невероятный живописный дар, отточенная техника исполнения и глубокое знание европейского классического искусства, которое Б. П. Свешников изучал, посещая музей Изящных искусств. Б. П. Свешников пишет эту работу блестяще, на тончайших цветовых разработках, изысканно, воздушно и виртуозно в духе старых мастеров. Очевидно, что сюжет и композиция “Музыкантов” явно навеяна их картинами» (В. С. Силаев).

Отмечая музейное значение картины «Музыканты», В. С. Силаев пишет: «Особо ценной эту картину делает то, что в ее композицию и сюжет включен ранний автопортрет Б. П. Свешникова».

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Музыканты

Экспертное заключение № 1025 от 4.09.2023. Эксперт МКААД В. С. Силаев

На донце скульптуры малоразборчивая надпись

Аналогичная композиция (Из цикла «Женское начало». 1975. Бронза. 30 × 11 × 4) экспонировалась на передвижной выставке (Бохум, Кассель, Констанц, Тюбинген), организованной Музеем г. Бохума (Museum Bochum, ФРГ) в 1984 году, и воспроизведена в ее каталоге: Vadim Sidur. Skulpturen. Bochum, 1984. C. 133, 247 (ч/б воспр.). Кат. № 359

*** 
В творчестве Вадим Сидур — скульптор-нонконформист, живописец, график, поэт, прозаик и философ. В жизни — человек с удивительной судьбой. 

С 1942 по 1944 — воевал на фронтах Великой Отечественной войны. Стал кавалером орденов Отечественной войны 1-й и 2-й степени, награжден несколькими боевыми медалями. В 19-летнем возрасте в 1944 году командовал пулеметным взводом, под Кривым Рогом получил тяжелое челюстно-лицевое ранение, выжил чудом, демобилизован по инвалидности. 

Такие вот стартовые условия. Казалось бы, что может ждать впереди? А впереди, забегая, «Строгановка», карьера скульптора, художественное подполье, тяжелый инфаркт в 37 лет, потом знаменитый «Манеж-62», годы официального давления, а потом монументы, установленные в городах России, Германии, США, уход из жизни в 62-летнем возрасте и Музей Вадима Сидура в Москве (artinvestment.ru).

Пережитое на войне и после нее стало определяющим в творчестве художника. «Я считаю, что для меня как художника — это единственная возможность и самая действенная форма протеста. Я совершенно уверен, что никаким другим образом не могу выразить свои чувства более убедительно и сильно», — считал Сидур. Скульптор говорил: «Сотни, тысячи, миллионы людей погибли от насилия. Пули, виселицы, бомбы, газовые камеры, концлагеря, пытки, смертная казнь — это перечисление невозможно продолжать, ибо оно бесконечно. Кажется, должно же это когда-то прекратиться! Но человечество, как бы лишенное разума, ничему не научается... Меня постоянно угнетало и угнетает физическое ощущение бремени ответственности перед теми, кто погиб вчера, погибает сегодня и неизбежно погибнет завтра». 

Имя Вадима Сидура невозможно отделить от его эпохи, названной им «эпохой равновесия страха». Личность скульптора стоит в одном ряду с такими мастерами авангарда, как Альберто Джакометти, Генри Мур, Константин Бранкузи. На склоне лет художник заметил: «Чувствую себя одним из последних в ряду вымирающих классиков нашего уходящего тысячелетия» (artinvestment.ru).

В скульптуре Сидур прям и лаконичен, потому что говорит о главном — о женственности, материнстве, основном инстинкте, о любви. О войне и страданиях, на собственном страшном опыте, и потому — грубо, откровенно, без эвфемизмов. 

Вместе с тем в наследии Сидура сохранилось большое число композиций, играющих роль своеобразного эмоционального противовеса тем произведениям, в которых отразились страшные впечатления войны. Многие из них посвящены исследованию женских образов. Скульптор экспериментировал с пластической выразительностью форм и раскрывал новые грани этого архетипического символа. 

«Сидур всегда дает возможность узнать сюжет, но, когда начинаешь присматриваться, в его работах обнаруживается какая-то неоднозначность, они призывают зрителя к диалогу, — писал Карл Аймермахер, немецкий ученый-славист, друг Сидура и куратор его московского музея. — Некое отчуждение, преувеличенность жеста — все это дает каждому возможность интерпретировать их по-своему» (jewish.ru). 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Из цикла «Женское начало»

Слева внизу подпись и дата: Ѳ. Сычковъ 1903 г

На подрамнике, вверху слева, бумажная этикетка: НИНЭ имени П. М. Третьякова // № 16343

На тыльной стороне рамы, вверху слева, бумажная этикетка Dobiaschofsky Auktionen

На подрамнике и тыльной стороне рамы разрозненные надписи и бумажные наклейки 

Провенанс:
• 15 мая 2013, Dobiaschofsky Auktionen (Берн, Швейцария), лот 384 (под названием Junge Frau im weissen Kleid mit Korb)

Экспертное заключение НИНЭ имени П. М. Третьякова ОЖ 16343, № 10310-35 от 04 августа 2021. Эксперт Ю. В. Чайкина

Холст дублирован, незначительный кракелюр

Работа оформлена в раму (80 × 54,3); по всей раме дефекты багета, в левом углу трещина и утрата фрагмента багета

*** 
Федот Васильевич Сычков (1870–1958) — замечательный российский и советский художник, отразивший в своем творчестве яркую, праздничную сторону жизни русского и мордовского крестьянства. От картин Федота Сычкова, от его румяных крестьянок в цветастых платках, от зимних и летних сцен народных гуляний и катаний всегда веет искрящейся радостью и жизнелюбием. Качествами, которыми, по всей видимости, обладал и сам художник, несмотря на не всегда легкие жизненные обстоятельства. 

Полотну «Девушка с лукошком» (1903) эксперт отводит в творческом наследии мастера особое место. «Согласно дате, указанной в подписи, оно было создано в 1903 году. В этот год Фёдор Васильевич Сычков женился на Лидии Васильевне Анкудиновой (1882–1973). К этому времени относится ряд произведений, на которых художник запечатлел свою молодую супругу на лоне природы или в интерьере. Вероятно, исследуемое произведение относится к данному ряду портретов. В чертах лица изображенной на экспертируемом полотне девушки угадывается образ Лидии Васильевны. Исследуемое произведение наполнено радостным, мажорным чувством, которое подчеркивается залитым солнцем пейзажем» (Ю. В. Чайкина).

*** 
Федот Сычков родился в 1870 году в селе Кочелаево Пензенской губернии. Происходил из бедной крестьянской семьи. Отец умер, когда мальчику было 12 лет. Мать не в силах была прокормить семью, юному Федоту приходилось просить милостыню, а затем несколько лет работать батраком. Талант к рисованию проявился у мальчика рано, в местной земской школе его отметил учитель Петр Дюмаев. После школы Сычков пошел в иконописцы, подрабатывал написанием заказных портретов. 

Весть о талантливом художнике-самоучке дошла до петербургского генерала Ивана Андреевича Арапова, владельца имения неподалеку от Кочелаева. В 1892 году он заказал Сычкову большое многофигурное полотно «Закладка станции Арапово». Сам Сычков не присутствовал во время закладки этой железнодорожной станции. Картину он писал по фотографиям и рассказам очевидцев, старался изобразить всех основных действующих лиц, включая генерала Арапова, и даже добавил на полотно собственный автопортрет. Генерал был поражен качеством работы «кочелаевского Рафаэля», как он сам назвал Сычкова, и по приезду в Петербург показал картину директору Рисовальной школы Евгению Сабанееву. Так решилась судьба Федота Сычкова. Его пригласили в столицу учиться мастерству художника.

Рисовальную школу Сычков закончил за три года вместо шести, а затем поступил в Академию художеств. По совету своего кумира, Ильи Ефимовича Репина, Сычков записался в мастерскую батальной живописи к Николаю Дмитриевичу Кузнецову, которого затем сменил Павел Осипович Ковалевский. Сычков арендовал комнату на Васильевском острове, зарабатывал на жизнь написанием заказных портретов. Одна из его моделей — петербурженка Лидия Васильевна Анкудинова — стала его верной спутницей до конца жизни.

Молодые супруги Федот Сычков и Лидия Анкудинова в 1908 году отправились в увлекательное путешествие по Европе. Они посетили Германию, Австрию, Францию, задержались в Италии, где художник писал классические виды римских развалин. По возвращении Сычковы продолжили жить в Петербурге, приезжая в Кочелаево в летние месяцы. 

Федот Васильевич писал портреты, жанровые картины, пейзажи и натюрморты. Художнику сопутствовал успех. Он выставлял свои работы в Обществе поощрения художеств, в Обществе русских акварелистов, в Санкт-Петербургском обществе художников, на Весенних выставках Академии художеств, в экспозициях ТПХВ и так далее.

Еще живя в Петербурге, художник нашел тему, ставшую ведущей в его творчестве: Федот Сычков стремился раскрыть красоту и неповторимость деревенской жизни. «Я люблю изображать простых людей не только в труде, но и показывать их жизнерадостность, веселье, игры. Я думаю, что в этом неиссякаемом оптимизме простого русского человека сказывается его великая созидательная сила, твердая вера в счастливое будущее», — писал художник спустя годы.

Октябрьская революция стала серьезным испытанием для четы Сычковых. Петербургская мастерская художника была разграблена, большинство картин — уничтожены. Сбегая от царившего в Петербурге хаоса, Сычковы вернулись в Кочелаево, где первое время были заняты не творчеством, а выживанием — сами сеяли и огородничали и этим кормились. Вслед за Федотом Сычковым в Мордовию приехал и его друг по Академии Константин Вещилов. Вместе художники украшали город Наровчат к революционным праздникам, писали портреты Ленина, провели выставку местных художников и так далее. 

Однако заниматься собственным творчеством Сычкову было не всегда просто. Тема крестьянских праздников не находила отклика в обществе, проживавшем суровые, голодные времена. Местные сельские власти не понимали, чем таким художник заслуживает особенного отношения. Его, заслуженного и известного некогда в Петербурге живописца, в итоге посчитали кустарем-единоличником, кулаком. В 1930 году председатель кочелаевского сельсовета потребовал от Сычкова уплаты огромного налога в 400 рублей. В противном случае художнику грозила полная продажа имущества, включая все картины, и принудительная запись в колхоз. 

От раскулачивания и коллективизации спасло Федота Васильевича личное прошение, отправленное в областной центр Саранск. «За что мне такая напасть? Пожалуй, действительно я редкость в округе, других таких нет, но почему не хотят меня понять? Почему во мне видят ремесленника, который лишь зарабатывает деньги, и пользы, мол, от моей деятельности никакой? Лично я не нахожу это справедливым», — писал в этом обращении художник.

На фоне всего происходящего Сычков даже подумывал об эмиграции во Францию, куда его звал уже обосновавшийся там Константин Вещилов. Художники переписывались, Вещилов помогал другу продавать картины в Европе для дополнительного заработка. Но переехать уже немолодой Сычков так и не решился. 

А в 1937 году случилось событие, окончательно связавшее судьбу художника с Мордовией. На открытие местного Союза художников в город Саранск прибыл директор АХ Исаак Бродский. Он был поражен, что художник такого уровня, как Сычков, совершенно неизвестен местной публике. На проведенной тогда же республиканской выставке работы Федота Сычкова заняли центральное место в экспозиции. Художнику тут же дали звание заслуженного деятеля искусств Мордовской АССР, к которому впоследствии были добавлены звания заслуженного деятеля искусств РСФСР (в 1950) и народного художника Мордовской АССР (1955).

Федот Сычков продолжил писать свои радостные картины. Он никогда не изменял раз выбранной теме, оставаясь в стороне от излишне политизированных сюжетов. Федот Сычков прожил долгую жизнь и скончался в Саранске в 1958 году. 

Произведения Федота Сычкова хранятся во многих музейных собраниях, в том числе в Государственной Третьяковской галерее, Мордовском республиканском музее изобразительных искусств им. С. Д. Эрьзи в Саранске, Екатеринбургском музее изобразительных искусств и других (Мария Онучина, AI). 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Девушка с лукошком

Императорский фарфоровый завод

На тыльной стороне скульптуры: по центру подпись в тесте: А. Тимашевъ; слева под плечом неразборчивая подпись формовщика в тесте

Экспертное заключение НИНЭ имени П. М. Третьякова ОДП 22268, № 13787-28 от 20 мая 2024. Эксперт Л. А. Прейс

Утрата фрагмента левого уха, следы сколов на постаменте, общие загрязнения, потертости, следы бытования

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота. 

Бюст императрицы Марии Фёдоровны

«Мистерия-буфф» — спектакль по пьесе Владимира Маяковского. Премьера 1 ноября 1957 года. Московский академический театр Сатиры. Постановка Валентина Плучека, художник Александр Тышлер, композитор Родион Щедрин

Справа внизу подпись и дата: Александр // Тышлер 1957 г.

На обороте, в правом верхнем углу, графитным карандашом надпись: 5144 2

Экспертное заключение № 29 от 21.01.2013 (копия). Эксперт В. С. Силаев

На обороте мушиный засид 

Работа оформлена в паспарту и раму со стеклом (44,6 × 49)

*** 
Александр Тышлер (1898–1980) вошел в историю отечественного искусства как один из наиболее оригинальных и самобытных художников. За свою долгую и плодотворную творческую карьеру он успешно реализовал себя как живописец, график, сценограф и скульптор. В 1920-е годы Тышлер получил известность как участник объединения художников-станковистов (ОСТ), члены которого прославились своими смелыми экспериментаторскими произведениями, а с начала 1930-х годов много работал как художник театра, проявил и на этом поприще свой незаурядный талант и оформил множество спектаклей.

Акварель «Корабль» является эскизом театральной установки к спектаклю по знаменитой пьесе Владимира Маяковского «Мистерия-буфф», которая была поставлена в 1957 году в Московском академическом театре Сатиры (реж. В. Плучек). Работа над данной постановкой в качестве художника декораций является важной вехой в творчестве мастера. В произведении мгновенно узнается характерная творческая манера художника — свободный экспрессивный рисунок, красочная цветовая гамма, а также знакомые персонажи карнавального мира Тышлера, кочующие из одного его произведения в другое. Специалист по творчеству живописца так описывает декорации, придуманные Тышлером к спектаклю: «На сцене установлен земной шар с написанными на нем материками и морями. Он опоясан сбегающими спиралями лестниц, на Северном полюсе — балкон-трибуна. По мере вращения шара нам открываются все новые игровые площадки» (Сыркина Ф. Я. Александр Григорьевич Тышлер. М.: Советский художник. [1966], teatr-lib.ru).

«Корабль» — один из вариантов расположения декораций, в центре которых как раз находится упомянутый шар, окруженный спиралевидной лестницей, задающей композиции динамику. Вся эта конструкция с нарядными персонажами пьесы вызывает ассоциации с каруселью — популярным образом множества графических и живописных произведений Тышлера. Богатая палитра оттенков голубого, желтого, красного, оранжевого и зеленого усиливает эмоциональную заряженность работы. Абстрактный фон ритмизован нервными акварельными мазками, а также вихреобразными линиями, оставленными карандашом, усиливающими экспрессию рисунка (Мария Беликова).  

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Корабль. Эскиз театральной установки к спектаклю «Мистерия-буфф»

На обороте, вверху слева, подпись, дата и надпись: Н. Удальцова 46 г // Сухой дуб

Экспертное заключение ВХНРЦ им. академика И.Э. Грабаря № 1787 ЭК—2145-03 от 04.12.2003. Зав. отделом научной экспертизы А.Р. Киселева, эксперт Ю.В. Рыбакова

Работа оформлена в раму (79,1 × 97,3)

*** 
Надежда Удальцова (1886–1961) — одна из «амазонок» русского авангарда и ключевых фигур отечественной художественной жизни первой трети ХХ века. В творчестве художницы нашли отражение традиции русской живописной школы и лучшие достижения западноевропейского модернизма. В произведениях Удальцовой, отличающихся разнообразной стилистикой (постимпрессионизм сезаннистского толка, кубизм, кубофутуризм, супрематизм), ярко проявился экспериментаторский дух художницы. 

Холст «Сухой дуб» (1946) относится к позднему периоду творчества Удальцовой. Арест мужа, художника А. Древина, в 1938 году (и его расстрел, о котором она узнала лишь в 1957 году), массированная кампания по борьбе с формализмом, ограничения творческой свободы вынудили Удальцову вести замкнутый образ жизни. Во время Великой Отечественной войны она работала в Москве с бригадой художников, создавая портреты летчиков на аэродромах. Даже в эти нелегкие для нее годы Удальцова не бросала занятия живописью. Известно, что лето 1946 года она провела в Подмосковье на станции «55-й километр», где и был, вероятно, написан «Сухой дуб» (1946). Окрестности Москвы служили для художницы неиссякаемым источником вдохновения: «Я шла как по очарованному миру красок, и всюду была живопись: и в лесах, и на полях, и на склоне звенигородских бугров, и на просторе берегов Москвы-реки...» — писала Удальцова в 1940-е годы (antiqueland.ru).

Работа соответствует стилистике поздних произведений художницы, созданных на пленэре. Удальцова запечатлела раскидистый многовековой дуб на фоне сельского пейзажа. В работе чувствуется влияние импрессионистов — мастеров барбизонской школы живописи (Ж. Дюпре, Ж. Коро, Т. Руссо, Ш. Добиньи и др.), для творчества которых была характерна романтически-возвышенная интерпретация природных видов. Переход Удальцовой от авангардистских практик к более традиционной живописи был отмечен еще в конце 1920-х годов искусствоведом Н. Пуниным, писавшим, что в полотнах художницы обнаруживается «культура скрытого цвета, свойственная барбизонцам» (Жизнь русской кубистки: дневники, статьи, воспоминания / Н. Удальцова; — М., 1994. С. 71). 

Богатая живописная поверхность работы создана динамичными пастозными мазками, образующими плотный красочный слой. Удальцова не стремится к точному воспроизведению натуры, художнику интересно решение сложных живописно-пластических задач. Воздушная дымка, которой Удальцова «окутывает» все детали пейзажа, растворяет их контуры и передает свето-цветовые вибрации, соответствующие состоянию природы. Пространственные планы в композиции разделяются главным образом с помощью цветового наполнения. Особой колористической насыщенностью и богатой тональной разработкой отличается небесное пространство, трактованное в голубых, розовых, фиолетовых, лиловых и желтых оттенках (Мария Беликова).  

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Сухой дуб

Тираж 250 экземпляров. Экземпляр № 225

Слева внизу, под изображением, графитным карандашом авторская надпись: 225/250; справа внизу, под изображением, графитным карандашом подпись; в левом верхнем углу листа водяной знак: ARCHES // FRANCE ∞; внизу по центру бесцветное тиснение олимпийских колец

Слева внизу незначительное замятие листа, не затрагивающее изображения

*** 
Серия «Олимпийское столетие» (Olympic Centennial Suite) создана по заказу Международного Олимпийского комитета в ознаменование столетнего юбилея со дня основания Международного Олимпийского комитета в 1894 году.

Серия Olympic Centennial объединяет 50 работ художников из разных стран, представляющих самые разные современные художественные тенденции.

Для отбора работ МОК привлек двух известных французских арт-критиков Жерара Ксюригера и Франсиса Парена. Более двух лет понадобилось на составление серии, которая должна была представить всего в 50 работах все многообразие творческих поисков последних пяти десятилетий, от фигуратива до абстракции, от гиперреализма до минимализма, от новой фигуративной школы до абстрактного экспрессионизма, а также геометризма, концептуального искусства и боди-арта. Было решено, что каждый из выбранных авторов должен создать двухмерную работу. Многие из этих художников, понимая значение послания, заложенного в олимпийском движении, отдали дань уважения его духу, оставаясь при этом верными своему авторскому стилю. 

МОК отпечатал каждую из 50 работ серии тиражом 250 экземпляров. Работы пронумерованы и подписаны авторами. 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Младенец. Из проекта Международного Олимпийского комитета «Олимпийское столетие»

Справа внизу подпись, авторская надпись и дата:

Справа внизу подпись, авторская надпись и дата: LTchistovsky // Paris // 193

На обороте: в левом верхнем углу обрывок старой бумажной этикетки производителя оргалита; вверху по центру графитным карандашом надпись: L. Tchistovsky; по центру процарапыванием неразборчивая надпись; вверху слева бумажная этикетка: НИНЭ имени П. М. Третьякова // № 20480 

Экспертное заключение НИНЭ имени П. М. Третьякова ОЖ 20480, № 12868-25 от 19 сентября 2023. Эксперт Ю. В. Чайкина

Работа оформлена в раму (93,4 × 127,1)

*** 
Лев Смарагдович Чистовский (1902–1969) — художник русского зарубежья, проживший большую часть жизни во Франции, мастер работ в жанре ню, а также цветочных натюрмортов, яркий представитель салонного неоакадемизма. Супруг художницы Ирины Борисовны Клестовой (1907–1988).

Лев Чистовский родился в 1902 году в Пскове. В 1920–1924 годах учился во ВХУТЕМАСе у В. Е. Савинского и А. Р. Эберлинга. В 1924 году поступил в Ленинградскую Академию искусств, но, не окончив её, в 1925 году эмигрировал в Европу. 

В 1925–1926 годах изучал живопись в Римской академии изящных искусств, а также во Флоренции. Будучи в Италии, Чистовский познакомился со своей будущей супругой — Ириной Борисовной Клестовой. Вдохновленные общением с известным искусствоведом Павлом Муратовым, молодые художники решили развивать в своем творчестве традиции Старых мастеров. 

В 1926 году пара переехала в Париж. Чистовский и Клестова поселились на Монпарнасе, их мастерскую часто посещали соседи — Андре Бретон, Тамара де Лемпицка. В 1931 году Лев Чистовский принимал участие в выставке художественной секции «Объединения русских, окончивших высшие учебные заведения за рубежом», в 1933 году — в выставке картин художников Монмартра и Монпарнаса в галерее «34» на Елисейских полях. Участвовал в салонах Независимых (1936–1969), Весенних салонах (1947, 1948), салоне «Свободное искусство» (1947), Медонском салоне. Его картины выставлялись в галереях Франции, Великобритании и США.

С 1930-х годов Чистовский и Клестова поселились в южных Пиренеях, в городке Сеневьер на юго-западе Франции, недалеко от Вильфранш-де-Руэрг. Там в собственном доме художники выращивали розы, ирисы и орхидеи, с которых писали натюрморты. При этом в композициях Чистовского преобладали орхидеи, а в натюрмортах Клестовой — розы.

Лев Чистовский умер 23 августа 1969 года в Сеневьере, похоронен там же. 

Три его работы находятся в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге, картина «Купальщица» до продажи в частную коллекцию долгое время хранилась в Государственной Третьяковской галерее в Москве, ещё несколько картин — в музее города Вильфранш-де-Руэрг. Много произведений находится в частных собраниях.

Некоторые картины Льва Чистовского можно рассматривать как декларацию салонного интимизма, прозвучавшую в те времена, когда основной вектор развития Парижской живописной школы имел иную направленность. Искусствовед Г. К. Лукомский назвал Льва Чистовского истинным приверженцем классического искусства. Его произведения всегда имели ценителей среди частных коллекционеров и галеристов — британских, американских и других.

На торгах AI представлен яркий пример работы Льва Чистовского в жанре натюрморта — «Орхидеи», датируемый экспертами второй половиной 1930-х годов. Художник достигает эффекта иллюзорности, чувственной достоверности изображения за счет сглаженной, натуралистичной манеры письма и скрупулезной проработки деталей. Композиция натюрморта лаконична. На однотонном фоне изображены только цветы в простой фарфоровой вазе. Чистовский и Клестова часто помещали свои цветочные букеты в изделия севрской фарфоровой мануфактуры. С невероятной тщательностью прорабатывает художник цветы орхидей. Изящные изгибы их лепестков нежны и чувственны. Работа написана в характерном для автора колорите с преобладанием фиолетовых, сиреневых, розовых, белых и синих оттенков (Мария Онучина, AI). 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Орхидеи

Тираж: 300 экземпляров, нумерованных арабскими цифрами, 75 экземпляров, нумерованных римскими цифрами, 25 авторских экземпляров (AP), 25 экземпляров, не предназначенных для продажи (HC), 4 листа оттисков для печатника (PP). Экземпляр № 143

Справа внизу, под изображением, графитным карандашом подпись: Erté; слева внизу, под изображением, графитным карандашом надпись: 143/300

В нижнем левом углу листа бесцветные штампы издателя и типографии: C&V // LTD; Chromacorp INC, New York

Издатель: галерея Chalk & Vermilion (Гринвич, Коннектикут, США)

Отпечатано: Chromacorp INC, New York

Работа оформлена в паспарту (104,4 × 81)

*** 
Эрте (Роман Петрович Тыртов, 1892–1990) — всемирно известный художник, иллюстратор, сценограф, модельер и скульптор русского происхождения, один из основателей художественного направления ар-деко. 

Мечтая стать дизайнером, Роман Тыртов навсегда уехал из Российской империи в Париж в 1912 году, когда ему еще не было 20 лет. Псевдоним «Эрте», сложившийся из транскрипции первых букв имени и фамилии, Роман Тыртов взял, «чтобы не позорить семью»: юноша происходил из старинного русского дворянского рода, известного с XVI века, и решил стать художником вопреки желанию родственников — сплошь потомственных военных. Именно под этим псевдонимом Тыртов работал в Париже и Голливуде и добился мировой славы. 

Художественный талант Эрте был многогранен. Он был модельером одежды, сценографом, иллюстратором, дизайнером предметов интерьера, скульптором и графиком. Эрте представил миру моды революционную модель платья с ассиметричным декольте, ему же — автору фантастических по красоте и изяществу женских костюмов — приписывают изобретение стиля унисекс. Эрте создавал костюмы для Маты Хари и Анны Павловой, певицы Ирен Бордони и танцовщицы Габи Дезли. Как иллюстратор Роман Тыртов за период с 1915 по 1937 год создал около 250 обложек и 2500 рисунков и набросков для журнала Harper’s Bazaar, а также активно сотрудничал с журналами Vogue, Cosmopolitan, The Sketch и другими.

Всё, что делал Эрте, хранило отпечаток его неповторимого стиля, для которого характерны изящество, декоративизм, графичность и орнаментальность. Колоссальное творческое наследие Романа Тыртова сформировало облик эпохи ар-деко. В той или иной форме художник сохранял верность этому стилю на протяжении всей своей творческой биографии, растянувшейся почти на весь ХХ век. К примеру, в возрасте 75 лет Эрте решил попробовать себя в тиражной графике и выпустил серии литографий и шелкографий по мотивам своих ранних работ, чтобы, как он сам выразился, позволить «прикоснуться к моим работам гораздо большей аудитории, чем на выставках» (Мария Онучина, AI).

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Nocturne (Ноктюрн)

Экспертное заключение б/н от 01.08.2004. Эксперт: старший научный сотрудник, устроитель выставки В. И. Яковлева в Государственной Третьяковской галерее В. С. Силаев

На обороте фотографии работы надпись и подпись: Экспертиза ГТГ 1.VIII 04. // Яковлев В. И. // Натюрморт. 1970-е г. // к. гуашь 40,5 × 46,2 // Работа музейного значения // Авторство подтверждается. // Эксперт: ст. н. с.  // В. Силаев

В правом верхнем углу след от сгиба картона, незначительное нарушение красочного слоя

Работа оформлена в раму (54 × 60,2)

*** 
Цветы — один из самых любимых сюжетов Яковлева. «Написанные им цветы трудно назвать натюрмортами, скорее, быть может, портретами цветов или их образами-символами», — писал о Яковлеве арт-критик Сергей Кусков (art-critic-kuskov.com).

«В истории отечественного современного искусства творчество Владимира Яковлева предстает своеобразным мерилом колористического мастерства и индивидуальной экспрессии. Его творческий поиск совпадал с тенденциями современного европейского искусства (в особенности немецких “новых диких”), а естественность художественной манеры отчасти обусловлена болезненной инфантильностью и почти полной потерей зрения на протяжении многих лет. Начав с абстрактных работ в технике ташизма, к концу 1950-х годов в живописи Владимира Яковлева появляются цветы и портреты; никогда не с натуры, всегда — отражение внутренних образов и переживаний. Цветы впоследствии стали “визитной карточкой” художника во всех смыслах: не только самая узнаваемая серия работ, но и глубокий отпечаток сугубо личного — почти символический портрет» (Сергей Попов, искусствовед, pop/off/art).

«Художник, интуитивно-непосредственный, в творчестве которого главенствуют чувства и эмоции, — таким предстает Владимир Яковлев, чье искусство трудно определить в строгих категориях направления или стиля. Скорее всего, в нем можно увидеть очень самобытного отечественного художника-экспрессиониста.

Заметим, что порою при первом беглом и достаточно поверхностном знакомстве с творчеством Яковлева возникает искушение (на основе некоторых наивно-инфантильных интонаций его искусства и выразительных “неправильностей” его рисования) увидеть в нем приметы примитивизма. Но такая точка зрения нам представляется ошибочной. При всей, быть может, наивной душевной открытости личностного склада Яковлева это отнюдь не “наивный”, а раннезрелый, эстетически и профессионально искушенный мастер. Все его деформации для знающего взгляда выдают мастерство рисовальщика, владение композицией и тонко развитую культуру живописца, к тому же, как известно, осведомленного в истории искусства, в том числе по тем временам актуального.

Яковлев… творил на едином дыхании, по ту сторону рассудочной рефлексии и осознанно привлекаемых культурных реминисценций. В искусстве Яковлева (если отвлечься от утонченности его живописного мастерства, как и от тревожного драматизма, характерного для его мироощущения) можно было бы усмотреть проявление почти детской наивности-открытости.

Однако, учитывая укорененность Яковлева в большой художественной культуре, его осведомленность в современном искусстве, трагические обстоятельства его жизни, уместнее говорить не о детскости или инфантилизме (свойственных наивному искусству), а скорее о каком-то первозданно-свежем, чистом, освобожденном от всего наносного мировосприятии.

Кажется, что Яковлев вышел к некоей высшей Простоте как особой форме изощренного артистизма, художественной маэстрии» (Сергей Кусков, art-critic-kuskov.com). 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота. 

Натюрморт

В правом нижнем углу подпись: Н. Бритова

На обороте, слева вверху, авторская надпись и дата: Britova Natalia // «Une rue de Paris» 2005 // 55 × 46, huile // Бритова Наталья // «Улица в Париже» 2005 // 55 × 46, х.м.

Работа происходит из собрания семьи художника

Работа оформлена в раму (70,5 × 61,5)

*** 
От автора: Для меня важно найти настроение в каждом мотиве. Казалось бы, в пейзаже все давно известно — поля, лес, облака. Но подобно тому, как в музыке, имеющей всего семь нот, рождаются прекрасные мелодии, так и в пейзаже из каждодневных, будничных картин художник складывает свое живописное повествование о родной земле (Наталья Бритова).

Творчество Натальи Кимовны Бритовой (1961) испытало ощутимое влияние уникального культурного контекста владимирской земли. Дочь Кима Бритова, Наталья Бритова с детства находилась в самом сердце Владимирской школы живописи, формировала свой художественный вкус, наблюдая за работой Владимира Юкина, Валерия Кокурина и конечно своего отца. Сложившаяся в результате оригинальная художественная манера Натальи Бритовой органично продолжает традиции Владимирской школы, в которой художница выступает как равноправный партнер своего отца и его коллег. 

Наталья Бритова пишет пейзажи родных мест — виды провинциальных городов, деревень и природу. Её работам присущи искренность и отсутствие вычурности, псевдоновизны. Пластический язык её живописи соответствует темпераменту Натальи. Её манера — пастозная, широкая, смелая, без излишнего стремления к детализации. Яркий и звучный колорит усиливает эмоциональность пейзажей Бритовой. «Композиции мастера крепко и ладно сидят в форматах холста, утверждая материальность и вещественность окружающего мира. Видимо, эти качества она унаследовала от отца, выдающегося художника, чьи произведения имеют особую основательность и эмоциональную плотность» (Надежда Севастьянова, ВСМЗ).

*** 
Наталья Бритова — член Союза художников России (1990), заслуженный художник России (2014), дочь выдающегося владимирского живописца, народного художника Кима Бритова (1925–2010). Родилась во Владимире. Окончила Московское художественное училище памяти 1905 года (1980), а также МГАХИ им. В. И. Сурикова, факультет станковой живописи (1988). Живописные работы Бритовой регулярно экспонируются как на российских, так и на международных выставочных площадках. Произведения находятся во Владимиро-Суздальском музее-заповеднике, Могилёвском областном художественном музее, Витебском областном художественном музее, Вятском областном художественном музее, а также в многочисленных частных коллекциях России и за рубежом. 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

﴾XXI век﴿  Улица в Париже

Единственный экземпляр

В нижней части скульптуры подпись: НВяткина

Работа происходит из собрания семьи художника

*** 
Наталия Вяткина — художник остро мыслящий и глубинно чувствующий. В ее работах выражается внутренняя идея образа, богатство личных авторских ощущений, образов и фантазий. В скульптурных композициях утверждаются и подчеркиваются экспрессия поз, сложная смысловая траектория общей динамики, скрытого действа, энергетическая напряженность пропорций, ритмический строй и изящество силуэта, благородная красота линий и форм. Как сообщающиеся сосуды, существуют ее скульптура и живописно-графические композиции. В пластике ощущается чеканная контурность хорошего рисовальщика, а в акварелях, гуашах, рисунках видна органичная и безупречная логика форм (Никита Иванов, rah.ru)

Скульптор активно продолжает традицию модернизма в современном искусстве. Она — наследница Наума Габо и Александра Архипенко, Жака Липшица и Осипа Цадкина, отчасти Вадима Сидура. При этом Вяткина сохраняет в своем искусстве приверженность классической традиции, что позволяет ей говорить на незаурядном, глубоко метафорическом языке пластики. Ей близки произведения классической скульптуры Греции, произведения Майоля.

Камерная скульптура Вяткиной очень привлекательна для зрителя: разработка цвета, пластики, фактуры, технологический эксперимент — все это содержит в себе подчас одна работа. Ее скульптуре присущи отсутствие мелочности, гармония в сочетании с эстетикой. При этом они наполнены монументальностью независимо от размера.

Успех скульптурного таланта Вяткиной заключается в многообразии используемых мотивов, сюжетов, форм и даже размеров. Её скульптура всегда остается сомасштабной человеку. Она одушевляет пространство, позволяет устроить свой личный театр скульптуры в предлагаемом пространстве.

Скульптор всегда тонко связывают видимое — с мыслимым, текущее — с прошлым, опыт искусства нашей эпохи — с далекой классикой. Все это создает своего рода перепад времен, который и определяет сложную диалектику работ и их вневременной характер. Четко выстроенный индивидуализм собственного стиля основан на взаимодействии «органических форм», полновесности пластических масс, гармонии и покоя. В нем есть масса образно-психологических оттенков: и беспощадный самоанализ, и авторская мечта о совершенстве, и ощущение недосказанности (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор авторских выставок Московского государственного объединенного художественного историко-архитектурного и природно-ландшафтного музея-заповедника «Коломенское»).

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

﴾XXI век﴿ Виолончелистка

На обороте, внизу справа, авторская подпись и дата: Н // Н. Жерновская // 2020

Провенанс:
• собрание семьи художника;
• частное собрание, Москва (2020 — наст. вр.) 

Незначительное нарушение красочного слоя в средней части работы (трещина)

*** 
От автора: Когда я начала заниматься фотографией, меня сразу интересовало, как можно изменить и усовершенствовать фотоизображение. Я пользовалась химическим способом протравливания, раскрашивала фотографии анилином и акварелью. Потом Георгий Гурьянов показал мне, как можно использовать живописные лаки, акварельные и пастельные карандаши и работы уже настолько перестали напоминать фотографии, что как-то сам собой произошёл переход к живописи. Живописью я занималась с детства, потом на какое-то время забросила совсем и вернулась в начале нулевых.

Авиация, летчики, парашютисты — это одна из любимых тем, над которой я сейчас работаю и ищу идеальную композицию для каждого сюжета, поэтому в процессе возникают разные версии (Наталия Жерновская).

Живопись Наталии Жерновской продолжает и развивает эстетику её знаменитых фотосессий. Ее живописная манера отличается контрастностью и светоносностью, что делает её картины исключительно красивыми и очень глубокими по смыслу. Эстетика солнечной античности и интеллектуального неоклассицизма в современную эпоху имеет прекрасное воплощение в живописных произведениях Наталии Жерновской (Елизавета Плавинская, искусствовед, критик).

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

﴾XXI век﴿ Тень

Единственный экземпляр

Работа происходит из собрания семьи художника

*** 
Наталья Гурьевна Захарова (1957) происходит из талантливой династии художников, графиков и скульпторов Захаровых — Соколовых. Её отец — знаменитый советский график Гурий Филиппович Захаров (1926–1994), а мать — скульптор Татьяна Михайловна Соколова (1930–2010). Дочь Натальи Захаровой — Анастасия Николаевна Захарова (1979) — также стала художницей.

Отучившись в Московском Полиграфическом институте, Наталья Гурьевна Захарова на долгие годы посвятила себя созданию станковых графических произведений, принимавших участие во многих всесоюзных и международных выставках. После 1982 года Наталья 20 лет занималась живописью. А в 2002 году пришла к иконописи и деревянной религиозной скульптуре, которыми занимается и сегодня. 

Совместно с Т. М. Соколовой Наталья Захарова в 1998–1999 участвовала в работе по воссозданию горельефов Храма Христа Спасителя в Москве («Иосиф Волоцкий» и «Стефан Пермский», бронза).

По оценке искусствоведа Екатерины Шмаковой, творчество Натальи Захаровой очень традиционалистское, но при этом оно не является прямым подражанием. Бесконечно черпая вдохновение в православной иконе и расписной деревянной скульптуре, Захарова создает неповторимые авторские произведения — эстетически уточненные, стильные, опирающиеся на проверенный веками образ. 

Одной из характерных особенностей авторской манеры Натальи Захаровой является абсолютная законченность образов. «Дописанность, дорисованность, т.е. сделанность до максимального заполнения холста, доски или объемной фигуры, — вот фирменное отличие ее стиля. Зрителю тут ни убавить, ни прибавить. Захарова договаривает свои изобразительные речи до конца. Никакой теории “нонфинито”, оставляющей пространство для зрительский домыслов», — пишет о творчестве Захаровой искусствовед Вильям Мейланд (gallerynazarov.ru).

Вместо рассказа о технике исполнения скульптуры ее автор предлагает зрителю задуматься над их сюжетом. К примеру, ангел с поднятой вверх трубой несет в себе смысл призыва, он своим горном призывает к сражению с собой и с мирскими пороками. Ангел, с трубой, направленной вниз, трубит о начале Страшного суда, тогда как коленопреклонённый Ангел склоняет голову, моля Всевышнего об оберегаемой им душе, и т.д. 

«Современное поколение живет в стремительно сменяющемся мире. Мы существуем на стыке времен, и значит, на сломе традиции. Именно она остается необходимым стержнем целостной художественной культуры, точкой опоры для любых позднейших изменений. Большой художник не имеет возможности традицию не учитывать, и в то же время оставаться в традиции, считая ее незыблемым законом и сводом готовых правил, означало бы застой. Быть верным себе, собственному призванию — задача нелегкая, но подвластная Наталье Захаровой» (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).

В скульптуре «Ангел сидящий с копьем», выставленной на аукционе, Наталья Захарова синтезирует лучшие традиции русской расписной деревянной скульптуры. Для православной деревянной скульптуры характерна подобная условная трактовка объемов, уплощенность и использование в моделировке живописных иконописных приемов. Древнерусские деревянные скульптуры и горельефы даже в документах назывались не скульптурами, а иконами «на рези» или просто иконами, что в настоящее время затрудняет их выявление. 

Автор использует в росписи сдержанные, благородные оттенки цвета и позолоту. Подобный колорит придает большей торжественности образу (Мария Онучина, AI).  

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

﴾XXI век﴿ Ангел сидящий с копьем

Справа внизу подпись

На обороте, справа внизу авторская надпись, дата и подпись: Иванцов С. В. // «Осень» 2023 г. 200 – 85 см х. м. // 

Работа происходит из собрания семьи художника

*** 
Сергей Валерьевич Иванцов (1956) — современный художник реалистического направления, пейзажист, жанрист, портретист. Занимается станковой живописью, работает в области панно и настенной живописи. 

Сергей Иванцов родился в Минске. Начал писать масляными красками в возрасте 8 лет. Окончил минскую Художественную школу № 1 и Минское Художественное училище им. Глебова. В 1985 году поступил в Белорусскую Академию Искусств. 

В 1989 году перевелся в Академию Художеств в Ленинграде, которую окончил в степени магистра живописи в 1993 году. С 1996 года проходил аспирантуру в мастерских известного белорусского живописца М. А. Савицкого (1922–2010).

С 1996 года Сергей Иванцов регулярно участвует в выставках в России и за рубежом. В Москве и Санкт-Петербурге в период с 1996 по 2004 год прошло много персональных выставок художника. Постоянные экспозиции работ Иванцова представлены в галереях «Багира» (Москва), «Экспрессия» (Москва), «Галерея Национального искусства» (СПб), «Галерея Михайлова» (СПб).

Работы находятся в частных коллекциях в России и за рубежом.

Сергей Иванцов живет и работает в Санкт-Петербурге и Москве.

На торгах AI представлено живописное полотно Сергея Иванцова «Осень. Летний сад» (2023). Этот классический пейзаж осеннего Санкт-Петербурга исполнен в любимом художником панорамном формате, позволяющем лучше передать перспективу уходящей вглубь сада аллеи. Колорит работы яркий, насыщенный. Почти всё живописное пространство заполнено россыпью золотых и рыжих осенних листьев. Ярким контрастом к ней выступает голубое небо, отражающееся в лужах на парковой дорожке. Композицию оживляют несколько скульптур на первом плане и стаффажная фигура девушки в алом шарфе, идущей под зонтиком в глубине аллеи. Сергей Иванцов создает меланхоличный и романтический, истинно петербургский образ осеннего парка (Мария Онучина, AI).  

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

﴾XXI век﴿ Осень. Летний сад

Слева внизу подпись-монограмма

На обороте авторская надпись, дата и подпись: Marina KoldoBskaya // Granate // 2016 // 85 × 75 cm // acrylic // 

Работа происходит из собрания семьи художника

*** 
От автора: В моих картинах все равно самому себе. Если кто-то что-то хочет увидеть дополнительно, углубиться — это его право. Это не постмодернизм. Это не ребус и кроссворд, который требует расшифровки. Это прямое визуальное ощущение. Я свою работу закончила, а дальше работа зрителя.

Я хочу дойти до самой сути. Цивилизацией выработаны этикеты, существуют многочисленные табу, умолчания, вещи, о которых, считается, говорить неприлично или неприятно. Например, кошка ест мышку. Но это жизнь. И может быть, главное в жизни. Человек похож на кочан капусты. Мы живем в 21 веке, но культурные слои, в которых существовали наши родители и прародители, никуда не исчезли. Они наслоились друг на друга, как листы капусты. Они остались в нашей культурной памяти, просто скрыты. И если снимать листик за листиком, то можно дойти до нашей кочерыжки, до ядра, понять — что за существо человек (…) Но что важно именно ему — каждому зрителю придется решать самому, ведь у каждого своя кочерыжка (Марина Колдобская).

Несколько энергичных линий, несколько ярких пятен, решенный несколькими широкими мазками фон. Несколько плакатных цветов.

Черный-белый-красный, синий-золотой — геральдическая лаконичность палитры.Один… три… много… — архаическая элементарность счисления.

Назвать картины Колдобской примитивистскими невозможно — в этой выверенной простоте внимательный зритель просматривает жесткость дизайнерского знака, строгость графических формул русского авангарда, агрессию тоталитарного плаката и магический ритм племенных орнаментов (marinakoldobskaya.net).

Марина Колдобская — современный российский художник, живет и работает в Санкт-Петербурге. Окончила ЛВХПУ им. В. И. Мухиной по специальности «дизайн» (1985). Как независимый художник начала выставляться в годы «перестройки», в середине 1980-х. В начале 1990-х была членом первой в постсоветской России женской арт-группы «Я люблю тебя, Жизнь!», сосредоточившей свою деятельность на артистических аспектах повседневности. Группа устраивала пикники, вечеринки, инсталляции на квартирах и в городской среде. В середине 1990-х Марина Колдобская организовала женскую группу «Любимые люди», которая использовала традиции народного творчества в современном искусстве.

В середине 1990-x — 2000-х Марина Колдобская работала как арт-журналист и арт-критик, была директором Музея Нонконформистского искусства (1999–2001) и Санкт-Петербургского филиала ГЦСИ (2003 - 2011). Колдобская выступила куратором множества выставочных проектов, среди которых «Петербургский нео-экспрессионизм», выставочно-образовательная программа «Актуальное искусство в Эрмитаже», ежегодный фестиваль медиа-искусства КИБЕРФЕСТ и другие.

Собственные художественные проекты Марины Колдобской обнаруживают неизменный интерес к современной мифологии и идеологии, фольклорному искусству, поп-культуре и масс-медиа.

Работы художницы находятся в собраниях Эрмитажа, Русского музея, Музея политической истории России, Музея искусства Санкт-Петербурга, Нового музея (Санкт-Петербург), Музея нонконформистского искусства, ЦСИ современного искусства им. С.Курехина, фонда CSAR (Венеция, Италия), Музея Angerlehner (Талхейм бай Вельс, Австрия), Музея Kuoysei No Sato (Фукуока), многочисленных галереях, корпоративных и частных коллекциях по всему миру.

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

﴾XXI век﴿ Гранат. Из серии «Плоды»

Слева внизу подпись: Svetlana

На обороте, слева внизу, подпись, авторский знак, авторская надпись и дата: Svetlana  (Plotko S.I.) // Labyrinth. Out-of-body // experience. 2022. // Oil on canvas. 100.3 × 100.2

Работа происходит из собрания семьи художника

*** 
Светлана Ивановна Плотко — современный художник, искусствовед, филолог, доцент музееведения, автор многочисленных публикаций по истории и теории искусства. Родилась в Ярославле в 1961 году. Работает под псевдонимом Svetlana. Выставляется с 1991 года. Первая персональная выставка состоялась в 1991 в Ярославском художественном музее. В 2009 состоялась персональная выставка «Интерпретации: живопись, графика, тексты» в Московском музее современного искусства (ММСИ, Петровка, 25). В 2014 участвовала в коллективной выставке картин в Agora Gallery (Нью-Йорк). Работы находятся в коллекции Ярославского художественного музея (живопись, графика) и в коллекции ММСИ.

Абстракции Светланы Плотко, по её собственным словам, не являются результатом авторского замысла, а возникают самопроизвольно. Образы приходят к ней сами, и порой на полное осмысление значения созданных работ у автора уходят годы или даже десятки лет, как произошло с одной из первых картин Светланы «Пространство точки: Леонардо да Винчи и Мона Лиза» (1989). Эта работа положила начало первой большой серии «Символические абстракции», в основе которой лежит интерес к символам, стремление выразить идею, эмоцию минимальными средствами. В рамках цикла художница по-своему выражает и интерпретирует такие сложные и многозначные символы, как точка и граница, мандала, лабиринт, лента Мебиуса и другие. В «Символических абстракциях» автор вступает в диалог с Леонардо да Винчи, Льюисом Кэрроллом, Казимиром Малевичем и создает общее для таких разных авторов символическое пространство. 

Представленный на торгах холст Светланы Плотко «Лабиринт. Выход из тела» (2022) также можно отнести к вышеупомянутым «Символическим абстракциям». Симметричная фигура из четырех округлых форм-лабиринтов вписана в круг. По мнению художницы, круг — это платформа для всего ряда символов, создающая пространство символического единства. 

В едином символическом пространстве представленной работы нашлось место не только лабиринтам, но и другим знакам. К примеру, фигура в центре может быть трактована как два наложенных друг на друга глаза, которые затем расходятся в четыре отдельных изображения того же символа у внешнего края большого круга. Глаз — распространенный символ Бога. И тогда вторая часть авторского названия «Выход из тела» приобретает определенный смысл — выхода божественной сущности из тела и зарождения новых сущностей (малых кругов) по краям большого круга. Впрочем трактовка подобного сложного символического высказывания в отсутствие авторской интерпретации всегда субъективна и зависит от ассоциативного видения каждого конкретного зрителя и его культурного багажа. При всей сложности трактовки несомненным остается выраженная гармония и декоративность абстракций Svetlana. Поскольку, как говорит сама художница, «красивое содержание самопорождает красивую форму» (Мария Онучина, AI). 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

﴾XXI век﴿ Лабиринт. Выход из тела

Справа внизу подпись и дата: Радюк — 97

На обороте, справа вверху, надпись и дата: Радюк С // 1965 // Белая ночь // 1997 // х/м. 70 × 70 

Работа окантована деревянными рейками (76 × 76)

*** 
От автора: Стиль определяет тема, а многочисленные приемы — способ ее раскрытия (Сергей Радюк, facebook.com).

Сергей Радюк считает, что мало быть мастером в чем-то одном, поэтому постоянно экспериментирует. Например, создает картины, изображающие вкус вина. Это чистая абстракция. Или пробует различные технологии в коллажах. Не забывает традиционную живопись, но делает это в разных стилях — импрессионизма, классическом, модернистском. Работает над сюжетными картинами, предпочитая библейскую тему. Такие полотна требуют особой тщательности, поэтому над некоторыми трудится годами. Много времени проводит в творческих командировках по всему миру (cultinfo.ru).

Сергей Радюк родился в 1965 году в Белоозерске (Белоруссия). Окончил Минское художественное училище (1986). Член Союза художников России (1992).

Картины художника находятся в музеях России (в том числе, в ГТГ, Музее русского импрессионизма, Сочинском художественном музее, ЧерМО, ВОКГ, Тотемском музее), Белоруссии, Люксембурга, Южной Кореи, Вьетнама, а также в частных коллекциях 43 стран мира (в коллекции Патриарха Московского и Всея Руси Кирилла, Великого Герцога Люксембурга, короля Камбоджи, в собраниях известных коллекционеров Германии, Люксембурга, Франции, Канады, Вьетнама, Китая, Кореи, Норвегии).

В 2004 году прошла персональная выставка в Европарламенте в Страсбурге (red-bridge.info). 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

﴾XXI век﴿ Белая ночь

Внизу, в центральной части работы, авторская монограмма

На обороте, справа вверху, авторская надпись и дата: Л. Раков (L. Rakov) 2019 // «Вальс». х. м. 100 × 140

Справа по центру незначительное повреждение холста

Работа происходит из собрания семьи художника

*** 
«Художник Раков Леонид свободен от всяких догм и “измов”, он создает свои колористические композиции с исключительной дисциплиной и тактом. Каждый цвет в нужном количестве оказывается на своем месте, образуя какое-то волшебное свечение и единое гармоничное целое. Работы последних лет обладают завидной энергетикой и молодым задором, хотя автор далеко не юноша. Выполненные в плоскостной, декоративной манере, они в то же время рождают иллюзию погружения в некие таинственные пространства» (Михаил Аввакумов, член-корреспондент Российской академии художеств, профессор МГАХИ им. В.И. Сурикова, gallerysmart.ru).

Леонид Раков (1930–2022) — советский и российский художник-график, плакатист, живописец. Окончил Московское Высшее художественно-промышленное училище (бывшее Строгановское) в 1958 году. Постоянный участник всесоюзных, российских и международных выставок и биеннале современного искусства. В 1960–70-е годы много занимался агитационно-массовым искусством, создавал плакаты, посвященные актуальной политической повестке дня. Тиражные и оригинальные плакаты Ракова пополнили собрания многих государственных музеев и частных коллекций. 

В живописных работах, составляющих заметную часть творческого наследия художника, видны отсылки к кубизму, конструктивизму, ар-деко, геометрической абстракции. Вместе с Алексеем Сперанским и Глебом Скубачевским Раков организовал арт-группу «Треугольник» — «уникальный феномен, собравший абстракционистов разных поколений, родившихся в 30-е, 60-е, 90-е годы, между которыми выстроилась связь учитель — ученик» (news.rambler.ru). 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

﴾XXI век﴿ Вальс

Справа внизу подпись и дата: СЁ // МИН // 10 // 2022

На обороте авторские надписи, дата и подпись: слева вверху: Simon Somin // 2022 / Fence // acrylic on canvas // 140 × 80 сm; вверху справа: Семин С. В // Забор // 10 2022 // 

Работа происходит из собрания семьи художника

*** 
Художник Семён Сёмин родился в 1981 году в Москве. Учился в Московском государственном гуманитарном университете им. Шолохова, в Российском государственном художественно-промышленном университете им. С. Г. Строганова, Московском художественном профессиональном лицее № 303.

Вдохновение автор, работающий и под собственной фамилией и под псевдонимом «Сомин», черпает в современном постиндустриальном пейзаже. В работе над картинами использует как наброски от руки, так и новые технологии. Техника, как правило, акрил и масляная пастель, но спектр дополнительных материалов огромен: масляные краски, материалы для нанесения граффити, строительные краски и т.д. Сёмин профессионально перерабатывает объекты на своих картинах, выделяя и акцентируя внимание зрителя на главных, на его взгляд, смыслообразующих элементах. 

Произведения Семёна Сёмина отличает смелая работа с цветом и нестандартные композиционные приёмы. Из мастеров прошлого художника вдохновляют Михаил Рогинский, Давид Штеренберг и Френсис Бекон. Сёмин считает, что без этих мастеров его работы имели бы другую структуру и содержание.

В представленной на торгах живописной работе «Забор» (2022) Сёмин поэтизирует неприметный уголок где-то на стройке и превращает урбанистический пейзаж в произведение искусства. И вот уже хаотично разрисованный граффити забор, украшенный гирляндой красных сигнальных фонарей, кажется нам стеной музейного пространства. Этот декоративизм и красота достигаются за счет тщательно продуманной, выверенной композиции, в которой каждый элемент, каждая линия связана и поддержана другими элементами и линиями. Этот же приём использован и в колорите работы, в котором красное ограждение балкона перекликается с красными фонарями и основанием забора, а все основные цвета картины представлены не только большими локальными пятнами стен и ограждений, но и разноцветными росчерками на чёрной поверхности забора — протагониста всего произведения (Мария Онучина, AI). 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

﴾XXI век﴿ Забор

 Авторский тираж 8 экземпляров, экземпляр № АР 3/8 (AP — Artist Proof, авторский экземпляр)

На правой передней ноге фигуры быка клеймо-подпись; на нижней части туловища быка, около правой передней ноги, клеймо-сигнатура: А.Р.3/8

Сертификат подлинности от автора № 201 от 23 марта 2024

*** 
Наталья Александровна Ходюк (1972) — современный российский художник и скульптор родом из Воронежа. Окончила Воронежскую художественную школу, затем Воронежское художественное училище и Санкт-Петербургский государственный академический институт живописи, скульптуры и архитектуры им. Репина (отделение станковой графики, мастерская В.А. Ветрогонского). С 1993 года Наталья Ходюк регулярно участвует в региональных, республиканских и общероссийских выставочных проектах. В родном Воронеже и Санкт-Петербурге прошло уже более 8 персональных выставок художницы (ряд из них – совместные выставки с мужем, художником Александром Ходюком). С 2000 года Наталья Александровна является членом Союза художников России. С 2014 года в течение шести лет Наталья Ходюк вела курс в Санкт-Петербургской государственной художественно-промышленной академии имени А.Л. Штиглица, разработанный совместно с художником, скульптором и педагогом Михаилом Михайловичем Шемякиным. Произведения Натальи Ходюк хранятся в российских музеях, а также в галереях и частных собраниях в России и за рубежом. 

Наталья Ходюк работает в станковой живописи, оригинальной и тиражной графике, скульптуре. Автор создает произведения в широком диапазоне жанров и тем: от пейзажей древнерусских городов с их мощными кремлями и белокаменными храмами до фантазийных сцен из жизни средневековых рыцарей и дам; от небольших декоративных натюрмортов в узнаваемой авторской манере до больших полотен на аллегорические и библейские сюжеты; от ироничных скульптур пышнотелых «чудо-женщин» до статуэток восточных воинов.

По словам художницы, в ее работах нет бурных эмоций и ярых страстей; все спокойно, живет своей размеренной жизнью, но в каждой есть глубокий смысл, каждая картина направлена на то, чтобы остановить зрителя, чтобы он начал размышлять, задумываться, старался вырваться из своей обычной среды (riavrn.ru)

Первые скульптуры Наталья Ходюк делала из керамики, но впоследствии отдала предпочтение благородной бронзе. В ее трехмерных работах часто обыгрываются мифологические, исторические сюжеты, символы, автор стремится осознать связи творчества с миром архетипов и его духовных законов. 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

﴾XXI век﴿ Похищение Европы

Слева внизу монограмма

На обороте, вверху по центру, авторская надпись и дата: ШМАГИН В.Н. // р. 1951 г. // СВ Москва — Питер // орг. м. 80,5 × 60,5 // 2008 г.

Работа происходит из собрания семьи художника

Работа оформлена в раму (82,7 × 62,8)

*** 
«Иконами» третьего тысячелетия назвала картины Вячеслава Николаевича Шмагина (1951) итальянский искусствовед Патриция Ферретти. Творчество этого современного российского автора, полифоничное и не ограниченное каким-то единым стилевым направлением, несёт в себе отпечаток глубокой духовности, «предстоятельной молитвенной сосредоточенности». 

По мнению художника, любые природные явления и человеческие события сопровождаются невидимым шествием горних образов, одаривших все вокруг непреходящим смыслом. Тем содержанием, которое объединяет самые, казалось бы, несоединимые фрагменты земного существования. Отсюда это богатство художественных средств и образных интерпретаций в искусстве художника, — пишет о творчестве Шмагина критик Никита Махов (shmagin.ru).

Вячеслав Шмагин, чьё формирование происходило в 1970–80-е годы в диссидентской среде московского Горкома графиков и ленинградских Товарищества Экспериментального Изобразительного Искусства и группы «Пятая четверть», нашел способ соотнести язык православной, византийской иконы с языком абстракции, с эстетикой примитивизма, с сюрреалистической игрой подсознания и с языком символов. Один из постоянных мотивов в работах Шмагина — контурные очертания «ликов», которые то обрамляют иконными «клеймами» основное изображение, то служат формой, вбирающей в себя множественные рисунки, то остаются единственными действующими лицами, как в представленной на торгах работе.

В картине «CВ “Москва — Питер”» (2008) Вячеслав Шмагин сводит композицию к минималистичной двойной «иконной» раме, заключающей в себе два небольших ликообразных силуэта. Упрощая сюжет, художник тем самым выводит на первый план значение цвета и фактуры полотна. По мнению Шмагина, цвет должен хранить духовную традицию искусства, раскрывать внутреннюю онтологию произведения. Плоскостное изображение приобретает объем и глубину за счёт широкого применения техники дриппинга — покрытия красочной поверхности разноцветными каплями краски. Это наделяет картину высокой степенью декоративизма, орнаментальностью и в то же время насыщает её воздухом, неким метафизическим свечением, вибрациями высших сфер (Мария Онучина, AI).

***
Вячеслав Шмагин родился в 1951 году в городе Кимры Тверской области. Живет и работает в городе Дубна Московской области. 

Профессиональное образование художник получил в Московском художественном училище памяти 1905 года. С 1975 по 1990 год работал преподавателем в дубненской художественной школе. В настоящее время является руководителем студии современной живописи ДК «Октябрь».

С 1970-х до начала 1990-х годов постоянно участвовал в выставках неофициального искусства Горкома графиков на Малой Грузинской улице в Москве. С 1983 года становится членом Товарищества Экспериментального Изобразительного Искусства и участником группы «Пятая четверть» в Ленинграде.

С начала 1990-х годов по настоящее время художник принимает участие в выставках нонконформистского искусства фонда «Свободная культура» в Санкт-Петербурге.

С 2004 года активно сотрудничает с галереей «Вернисаж 1+20» и творческим объединением DavidGroup в Москве. Является членом Творческого Союза художников России и международной Федерации художников.

Вячеслав Шмагин провел более 30 персональных выставок в России и за рубежом. Работы художника находятся в частных коллекциях в России, Швеции, Франции, США, Великобритании, Италии, Германии и Голландии. Произведения Шмагина представлены в собраниях отечественных и зарубежных музеев и галерей, в том числе, в Музее современного русского искусства (Нью-Йорк), Коллекции Александра Глезера (Москва), Музее нонконформистского искусства (Санкт-Петербург), Московском музее современного искусства и многих других (shmagin.ru). 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

﴾XXI век﴿ СВ «Москва — Питер»

Справа внизу подпись инициалами и дата: ЕЩ 2005

На обороте, слева по центру, фломастером авторская надпись и дата: Щепетова // Елена // 2005 // 75 × 105 // Заборы в поле 

Работа происходит из собрания семьи художника

Справа внизу незначительный надрыв листа

*** 
Творчество московской художницы Елены Александровны Щепетовой (1951) — это почти всегда тема странствий, удивительное понимание ею пространства и гения места, в котором она находится. Маршруты студенческих практик геологического факультета Московского института нефтехимической и газовой промышленности приводили Елену Щепетову в Западную Сибирь и Коми, оренбургские степи и Кавказ; эти замечательные места позволили будущей художнице наблюдать и впитывать бесконечное разнообразие форм, цветов и контрастов пейзажа.

В многочисленных путешествиях сформировалась особая авторская манера художницы, для которой характерно гармоничное сочетание гибкости и энергии линеарного решения композиции и красоты живописной гаммы. Произведения Щепетовой ритмичны по контуру и нежны по цвету. Работая в технике пастели, художница добивается изящных переходов между тонами и характерной воздушности, светоносности колорита. Работы Щепетовой раскрывают во всей полноте тему цвета и света, мерцания и преломления, контрастов светлых и темных участков. Небо и земля в них сливаются в долгожданной идиллии, в цветовом и световом взаимодополнении, подчеркнутом единым пластическим строем каждого листа.

При этом произведения Елены Щепетовой не отображают с документальной точностью реальные виды гор, степей, пустынь или моря. Скорее, они передают ощущение смиренного восхищения человека, находящегося наедине с величием природы. По словам искусствоведа Владимира Прохорова, это медитативное любование природной формой перерастает фигуративные рамки. Содержательная сторона отходит на второй план. Художник начинает решать задачи, близкие позициям абстрактного искусства, порой обобщая увиденное почти до состояния знака (Мария Онучина, AI).

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  