На торги выставляются работы российских художников и скульпторов XIX-XXI вв.

Первые имена

В левом нижнем углу подпись и дата: Айвазовскiй // 1863.

На подрамнике: слева вверху, бумажная этикетка: ФГБУК «ВХНРЦ // им. ак. // И. Э. Грабаря» // ЭК 342/21; правее надпись красным карандашом: 34 2295

Экспертное заключение ВХНРЦ имени академика И.Э. Грабаря № 1. ЭК-342-21 от 20 января 2022. Эксперт Н.С. Игнатова, зам. председателя экспертного совета, эксперт А. Р. Киселева

Незначительный кракелюр

Работа оформлена в раму (90 × 108)

*** 
В рамках аукциона «Первые имена» AI предлагает вашему вниманию выдающуюся работу Ивана Константиновича Айвазовского — «Крымский пейзаж», датируемый 1863 годом. Эксперты полагают, что на представленной картине изображен вид в окрестностях Ялты со стороны Крымских гор. Айвазовский часто работал в этих местах. Подобный тип пейзажа с высокими соснами, скалами, отдельными каменными валунами и склонами, круто спускающимися к морю, в целом типичен для этого района Крыма.

Пейзаж Айвазовского полон драматизма, буря буквально витает в воздухе. Художник создает выразительные контрасты света и тени, использует сложные цветовые переходы в оттенках от сине-зеленого и темно-серого до холодного голубого и светло-бежевого. Мы видим, как поглощают землю тяжелые свинцовые облака, освещаемые где-то в глубине первыми всполохами молний. Рваные кромки туч перекликаются с кудрявой листвой и хвоей леса. Кроны растущих по горным склонам деревьев сливаются в подобие бурлящей, пенистой массы, в какой-то момент полностью растворяющейся в грозовом облаке. Море мы видим вдалеке, но и там неспокойно — широкая белая полоса прибоя говорит о поднимающемся шторме.

Стаффажные фигуры конных путников выглядят крошечными на фоне огромной каменной глыбы, мимо которой они проезжают. Этот прием подчеркивает одиночество и уязвимость человека перед лицом стихии. В эту минуту всадников на первом плане и корабли в морской гавани на дальнем плане освещают последние проблески солнца, но уже через мгновение они могут быть поглощены следующей за ними по пятам бурей (Мария Онучина, AI). 

***
Иван Константинович Айвазовский (1817–1900) — знаменитый русский живописец, один из величайших мировых маринистов всех времен.

Иван Айвазовский родился в 1817 году в Феодосии в семье мелкого торговца-армянина. Рисовать он начал с раннего детства, обучался у местного архитектора. В 1831 году мальчик был принят в Таврическую гимназию, а в период с 1833 по 1837 год учился в петербургской Академии Художеств у пейзажиста М. Н. Воробьева и французского мариниста Ф. Таннера. Таннер обучил Айвазовского основным приемам изображения воды.

Почти в самом начале учебы в Академии, осенью 1833 года, Айвазовский представил на академическую выставку пять морских пейзажей, которые получили положительные отклики в прессе. В 1835 году за этюд «Воздух над морем» ему была присуждена серебряная медаль второго достоинства. В 1837 году за две новые работы («Штиль на Финском заливе» и «Большой рейд в Кронштадте») Айвазовский был награжден Большой золотой медалью и получил звание художника. Тогда же ему было предложено написать несколько пейзажей Крыма, в частности крымских городов. Эта поездка во многом определила будущее художника: он познакомился с П. С. Нахимовым, М. П. Лазаревым и В. А. Корниловым и начал интересоваться морской батальной живописью. Весной 1838 года художник вернулся в Феодосию, где устроил себе мастерскую. Писал он тогда главным образом с натуры.

В 1840 году Айвазовский в числе других пенсионеров Академии художеств отправился в Рим для продолжения образования и усовершенствования техники пейзажной живописи. Он изучал классическое искусство в музеях Рима, Венеции, Флоренции, Неаполя, посетил Германию, Швейцарию, Голландию, Францию, Англию, Испанию, Португалию. В короткое время Айвазовский стал одним из самых знаменитых европейских живописцев. У него прошли выставки во многих городах мира, в частности известная выставка в Париже в 1843 году. Успех ему принесли романтические морские пейзажи «Буря», «Хаос», «Неаполитанская ночь» и другие. Айвазовский первым из иностранных художников был награжден орденом Почетного легиона — такое сильное впечатление произвела на французов его выставка в Лувре. А картину «Хаос» — одну из двух, написанных Айвазовским в нетипичном для него мистическом жанре, — приобрел Ватикан, и папа Григорий XVI наградил художника за нее золотой медалью.

В 1844 году Иван Айвазовский вернулся на родину признанным мастером, академиком Римской, Парижской и Амстердамской академий художеств.

В 1845 году Айвазовский стал академиком, в 1847-м — профессором, в 1887-м — почетным членом Академии Художеств. Будучи причисленным к Главному морскому штабу в качестве «живописца сего штаба», художник вместе с экспедицией русского мореплавателя и географа Ф. П. Литке побывал в Турции, Греции, Малой Азии. Не раз ездил Айвазовский и на Кавказ, в Египет, Ниццу, Флоренцию, а в конце жизни (в 1898) даже в Америку.

Живопись Айвазовского 1840–50-х отмечена сильным воздействием романтических традиций Карла Брюллова, сказавшихся не только на живописном мастерстве, но и на самом понимании искусства и на мировосприятии Айвазовского. Подобно Карлу Брюллову, он стремился к созданию грандиозных красочных полотен, могущих прославить русское искусство. С Брюлловым Айвазовского роднило блестящее живописное мастерство, виртуозная техника, быстрота и смелость исполнения.

Кроме пейзажей, Айвазовский писал немало исторических батальных картин, повествующих о победных сражениях русского флота. Его манера ярко проявилась в полотне «Чесменский бой» (1848), посвященном выдающемуся морскому сражению 1770 года, — одной из ранних батальных картин мастера.

Айвазовский был последним представителем романтического направления в русской живописи. Духом эпической героики пронизаны такие романтические произведения второй половины 1840-х — 1850-х, как «Буря на Черном море» (1845), «Георгиевский монастырь» (1846), «Вход в Севастопольскую бухту» (1851).

Еще ярче романтические черты проявились в картине «Девятый вал» (1850). Айвазовский нашел точные средства для изображения величия, мощи и красоты морской стихии. Несмотря на драматизм сюжета, картина не оставляет мрачного впечатления — наоборот, она полна света и воздуха и вся пронизана лучами солнца, придающими ей оптимистический характер. Этому в значительной степени способствует колорит картины: самые яркие краски палитры, широкая гамма оттенков желтого, оранжевого, розового и лилового цветов в небе в сочетании с зеленым, синим и фиолетовым — в воде.

В 1865 году Айвазовский открыл в Феодосии первую художественную школу. В 1867-м художник начал писать большой цикл картин, посвященных восстанию жителей острова Крит, находившегося в вассальном владении турецкого султана.

В 1871 году Айвазовский по своему проекту и на свои средства начал строительство здания археологического музея, организовал первую публичную библиотеку. В 1880 году он основал в Феодосии картинную галерею. При его участии были спроектированы и построены здания концертного зала, дачи известного публициста и редактора газеты «Новое время» А. С. Суворина. По проекту художника были построены морской торговый порт и железная дорога.

Айвазовский первым, еще до организации Товарищества Передвижных Художественных Выставок, начал устраивать свои выставки в крупных губернских городах. При его жизни состоялось более 120 выставок не только в России, но и во многих странах. Ряд выставок прошли во Франции: в 1857, 1879, 1887, 1890.

Со временем повышенная яркость цветовой гаммы постепенно сменяется в картинах Айвазовского стремлением к тональному единству. В лучших поздних работах («Черное море», 1881), сдержанных по цвету, Айвазовский пользуется тонкими градациями светотени для более точной и естественной передачи морской шири, движения воды и света. В конце жизни Айвазовский написал довольно много картин в серой гамме. Некоторые из них — совсем небольшие — написаны в течение одного-двух часов и отмечены очарованием вдохновенных импровизаций.

В 1898 году Айвазовский написал картину «Среди волн», которая стала вершиной его творчества.

Умер Иван Константинович Айвазовский в Феодосии в 1900 году.

В общей сложности художник оставил около шести тысяч картин, множество рисунков и акварелей. Произведения Ивана Айвазовского хранятся во многих отечественных и зарубежных музеях, включая Государственный Русский музей, Третьяковскую галерею, Феодосийскую картинную галерею имени И. К. Айвазовского, Национальную картинную галерею Армении, Картинную галерею дворца Долмабахче (Стамбул), Центральный военно-морской музей и другие. Большой корпус работ хранится в российских и иностранных частных коллекциях. Иван Айвазовский — один из самых востребованных художников на российских и мировых аукционах (artinvestment.ru).  

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Крымский пейзаж

Справа внизу подпись: А.

На обороте по центру авторская надпись и дата: Айвазовскiй // 1894

На подрамнике, справа вверху, бумажная этикетка: НИНЭ им. П. М. Третьякова // № 21276 (частично скрыта под подворотом холста)

Экспертное заключение НИНЭ имени П. М. Третьякова ОЖ 21276, № 13177-36 от 18 декабря 2023. Эксперт, искусствовед Н. С. Игнатова, эксперт, искусствовед А. Б. Дергачева

Кромки холста подведены, незначительный кракелюр

Работа оформлена в раму со стеклом (43,7 × 51,5)

*** 
Изящный камерный пейзаж «У берегов Ялты» был написан Иваном Константиновичем Айвазовским в 1894 году. Этот пейзажный мотив был одним из любимых у художника, много работавшего в окрестностях Ялты. Он многократно варьировал этот вид со стороны моря на город и закрывающие его от северных ветров горы Могаби и Ай-Петри. Айвазовский исполнял его как в большом, так и в камерном формате. Подобные произведения отличает романтический образ стихии в сочетании с тщательным, детализированным изображением ландшафта, кораблей и ялтинских домиков, внимательное отношение к передаче атмосферных явлений и состояния природы. 

Представленный на торгах пейзаж «У берегов Ялты», вероятно, был написан в зимние месяцы. Художник покрывает склоны гор короткими белесыми мазками, создающими ощущение снежного покрова. Этим белым участкам на горах вторят редкие облака в голубом небе, белые стены домиков и набегающие на берег пенистые волны. Работа создает ощущение свежего морозного дня, прозрачного воздуха. Стаффажные фигуры прогуливающихся у воды людей, намеченные всего несколькими мазками, оживляют пейзаж. Айвазовский использует сближенные серо-голубые и охристые оттенки палитры. Подобный колорит в целом характер для поздних работ художника (Мария Онучина, AI). 

***
Иван Константинович Айвазовский (1817–1900) — знаменитый русский живописец, один из величайших мировых маринистов всех времен.

Иван Айвазовский родился в 1817 году в Феодосии в семье мелкого торговца-армянина. Рисовать он начал с раннего детства, обучался у местного архитектора. В 1831 году мальчик был принят в Таврическую гимназию, а в период с 1833 по 1837 год учился в петербургской Академии Художеств у пейзажиста М. Н. Воробьева и французского мариниста Ф. Таннера. Таннер обучил Айвазовского основным приемам изображения воды.

Почти в самом начале учебы в Академии, осенью 1833 года, Айвазовский представил на академическую выставку пять морских пейзажей, которые получили положительные отклики в прессе. В 1835 году за этюд «Воздух над морем» ему была присуждена серебряная медаль второго достоинства. В 1837 году за две новые работы («Штиль на Финском заливе» и «Большой рейд в Кронштадте») Айвазовский был награжден Большой золотой медалью и получил звание художника. Тогда же ему было предложено написать несколько пейзажей Крыма, в частности крымских городов. Эта поездка во многом определила будущее художника: он познакомился с П. С. Нахимовым, М. П. Лазаревым и В. А. Корниловым и начал интересоваться морской батальной живописью. Весной 1838 года художник вернулся в Феодосию, где устроил себе мастерскую. Писал он тогда главным образом с натуры.

В 1840 году Айвазовский в числе других пенсионеров Академии художеств отправился в Рим для продолжения образования и усовершенствования техники пейзажной живописи. Он изучал классическое искусство в музеях Рима, Венеции, Флоренции, Неаполя, посетил Германию, Швейцарию, Голландию, Францию, Англию, Испанию, Португалию. В короткое время Айвазовский стал одним из самых знаменитых европейских живописцев. У него прошли выставки во многих городах мира, в частности известная выставка в Париже в 1843 году. Успех ему принесли романтические морские пейзажи «Буря», «Хаос», «Неаполитанская ночь» и другие. Айвазовский первым из иностранных художников был награжден орденом Почетного легиона — такое сильное впечатление произвела на французов его выставка в Лувре. А картину «Хаос» — одну из двух, написанных Айвазовским в нетипичном для него мистическом жанре, — приобрел Ватикан, и папа Григорий XVI наградил художника за нее золотой медалью.

В 1844 году Иван Айвазовский вернулся на родину признанным мастером, академиком Римской, Парижской и Амстердамской академий художеств.

В 1845 году Айвазовский стал академиком, в 1847-м — профессором, в 1887-м — почетным членом Академии Художеств. Будучи причисленным к Главному морскому штабу в качестве «живописца сего штаба», художник вместе с экспедицией русского мореплавателя и географа Ф. П. Литке побывал в Турции, Греции, Малой Азии. Не раз ездил Айвазовский и на Кавказ, в Египет, Ниццу, Флоренцию, а в конце жизни (в 1898) даже в Америку.

Живопись Айвазовского 1840–50-х отмечена сильным воздействием романтических традиций Карла Брюллова, сказавшихся не только на живописном мастерстве, но и на самом понимании искусства и на мировосприятии Айвазовского. Подобно Карлу Брюллову, он стремился к созданию грандиозных красочных полотен, могущих прославить русское искусство. С Брюлловым Айвазовского роднило блестящее живописное мастерство, виртуозная техника, быстрота и смелость исполнения.

Кроме пейзажей, Айвазовский писал немало исторических батальных картин, повествующих о победных сражениях русского флота. Его манера ярко проявилась в полотне «Чесменский бой» (1848), посвященном выдающемуся морскому сражению 1770 года, — одной из ранних батальных картин мастера.

Айвазовский был последним представителем романтического направления в русской живописи. Духом эпической героики пронизаны такие романтические произведения второй половины 1840-х — 1850-х, как «Буря на Черном море» (1845), «Георгиевский монастырь» (1846), «Вход в Севастопольскую бухту» (1851).

Еще ярче романтические черты проявились в картине «Девятый вал» (1850). Айвазовский нашел точные средства для изображения величия, мощи и красоты морской стихии. Несмотря на драматизм сюжета, картина не оставляет мрачного впечатления — наоборот, она полна света и воздуха и вся пронизана лучами солнца, придающими ей оптимистический характер. Этому в значительной степени способствует колорит картины: самые яркие краски палитры, широкая гамма оттенков желтого, оранжевого, розового и лилового цветов в небе в сочетании с зеленым, синим и фиолетовым — в воде.

В 1865 году Айвазовский открыл в Феодосии первую художественную школу. В 1867-м художник начал писать большой цикл картин, посвященных восстанию жителей острова Крит, находившегося в вассальном владении турецкого султана.

В 1871 году Айвазовский по своему проекту и на свои средства начал строительство здания археологического музея, организовал первую публичную библиотеку. В 1880 году он основал в Феодосии картинную галерею. При его участии были спроектированы и построены здания концертного зала, дачи известного публициста и редактора газеты «Новое время» А. С. Суворина. По проекту художника были построены морской торговый порт и железная дорога.

Айвазовский первым, еще до организации Товарищества Передвижных Художественных Выставок, начал устраивать свои выставки в крупных губернских городах. При его жизни состоялось более 120 выставок не только в России, но и во многих странах. Ряд выставок прошли во Франции: в 1857, 1879, 1887, 1890.

Со временем повышенная яркость цветовой гаммы постепенно сменяется в картинах Айвазовского стремлением к тональному единству. В лучших поздних работах («Черное море», 1881), сдержанных по цвету, Айвазовский пользуется тонкими градациями светотени для более точной и естественной передачи морской шири, движения воды и света. В конце жизни Айвазовский написал довольно много картин в серой гамме. Некоторые из них — совсем небольшие — написаны в течение одного-двух часов и отмечены очарованием вдохновенных импровизаций.

В 1898 году Айвазовский написал картину «Среди волн», которая стала вершиной его творчества.

Умер Иван Константинович Айвазовский в Феодосии в 1900 году.

В общей сложности художник оставил около шести тысяч картин, множество рисунков и акварелей. Произведения Ивана Айвазовского хранятся во многих отечественных и зарубежных музеях, включая Государственный Русский музей, Третьяковскую галерею, Феодосийскую картинную галерею имени И. К. Айвазовского, Национальную картинную галерею Армении, Картинную галерею дворца Долмабахче (Стамбул), Центральный военно-морской музей и другие. Большой корпус работ хранится в российских и иностранных частных коллекциях. Иван Айвазовский — один из самых востребованных художников на российских и мировых аукционах (artinvestment.ru). 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

У берегов Ялты

На подрамнике: в правом верхнем углу обрывок бумажной этикетки (оторванная часть отдельно): Центральный дом литераторов им. А.  // «Молодые художники Рос // ХХ столетия» // Автор Ю АННЕНКОВ // Название БОГОМАТЕРЬ ВСЕХ СК // Размер 79 × 51 // Собстность В. ДУДАКОВА; левее бумажная этикетка: НИНЭ имени П. М. Третьякова // № 8893

Экспертное заключение НИНЭ имени П. М. Третьякова ОЖ 8893, № 5533-46 от 27 июня 2016. Эксперт Ю.В. Рыбакова

Экспертное заключение [НИНЭ имени П. М. Третьякова] б/н, б/д — Приложение № 1 к Экспертному заключению ОЖ 8993. Результаты исследования пигментного состава и связующего живописи. Эксперт, кандидат химических наук И. Н. Шибанова

Экспертное заключение кандидата искусствоведения А.Д. Сарабьянова б/н от 18.11.2013

[Подтверждение провенанса] В. А. Дудакова б/н от 29.10.2013

Провенанс:
• собрание Елены Борисовны Гальпериной (Анненковой), первой жены художника;
• приобретена Г. Ю. Ивакиным у сестры Е. Б. Анненковой Олимпиады Борисовны Гринштейн;
• собрание коллекционера Г.Ю. Ивакина, Киев;
• приобретена у Г. Ю. Ивакина в 1970-х Валерием Александровичем Дудаковым;
• собрание искусствоведа, коллекционера В. А. Дудакова, Москва;
• частное собрание, Москва

Деформация холста, обветшание холста по краям

Работа окантована деревянными рейками (78,8 × 52). Левая и нижняя рейки утрачены  

Богоматерь всех скорбящих

Справа внизу подпись: G. Artemoff

На обороте: справа внизу, под подрамником, надпись: Salle 1; слева вверху надпись: 23 19

На обороте рамы, справа внизу, бумажная аукционная этикетка 

Экспертное заключение НИНЭ им. П. М. Третьякова ОЖ 13830, № 8683-35 от 17.10.2019. Эксперт Ю. В. Рыбакова

Публикация: Paul Ruffiè. Georges Artemoff. 1892–1965. Catalogue raisonné. Toulouse : Èditions Privat. 2018. С. 175. Кат. № 231 (с названием «Мифологическая сцена» и датой 1930–1935)

Незначительные надрывы холста справа внизу (с оборота заклеен холщовой заплатой) и в левом верхнем углу. Следы реставрации

Работа оформлена в раму (157 × 241)

*** 
Георгий Калистратович Артёмов происходил из казаков, из семьи военного врача, атамана станицы Урюпинская. Учился в Донском кадетском корпусе императора Александра III в Новочеркасске (1899–1905), Рисовальных классах в Ростове-на-Дону (1907–1908) у А. С. Чинёнова. В 1910 приехал в Москву; сблизился с художником С. Н. Пименовым. Посещал занятия в мастерской К. А. Коровина в МУЖВЗ (1910–1913).

В декабре 1911 устроил в Ростове-на-Дону первую персональную выставку, на которой представил около 50 работ, преимущественно портреты и натюрморты. 

В 1913 приехал в Париж, где познакомился с О. Цадкиным, А. Модильяни, Х. Сутиным и другими представителями художественной среды.

В начале Первой мировой войны Артёмов записался добровольцем в 1-й Иностранный полк; был тяжело ранен в Шампани, награжден военным крестом и направлен на длительное лечение в Савойю. В конце 1917 вернулся в Новочеркасск, участвовал в Гражданской войне на стороне зеленых и белых и в 1920 с частями Белой армии был эвакуирован в Константинополь, а в 1923-м переехал в Париж.

Во Франции Артёмов работал, экспонировался и сделал неплохую карьеру; он стал органичной частью парижской художественной среды, тесно общался с представителями русского зарубежья и воплотил в своем творчестве характерные черты французского искусства межвоенной эпохи, отмеченной в первую очередь расцветом стиля ар-деко. Работал как скульптор и живописец. Создавал скульптуры, барельефы и горельефы из дерева африканских пород. Главные темы в скульптуре и живописи — женские фигуры, животные, портреты, натюрморты.

Датируя холст «Мифологическая сцена» первой половиной 1930-х годов, эксперт отмечает, что «в это время трансформируется и создается индивидуальный творческий стиль художника, который будет присущ Артёмову в зрелые годы творчества. Мастер часто обращается к созданию композиций на античные темы, которые отличаются торжественной монументальностью фигур и в то же время легкостью и прозрачностью фона. Подобные работы характеризуются мелкими пуантилистическими мазками, изящными графическими контурами, нежной колористической гаммой».

Работа упомянута и воспроизведена в каталоге-резоне Георгия Артёмова под названием «Мифологическая сцена» и датой создания «1930–1935».

Называя автора работы «ярким представителем Парижской школы», эксперт отмечает ее коллекционное и музейное значение. 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Мифологическая сцена

В правом нижнем углу подпись: B-R // W

На обороте, справа внизу, на французском языке, удостоверяющий штамп и подпись вдовы художника: AUTHENTIFICATION // Je cerlilie que ce tableau // est une oeuvre de mon Mari // Wladimir Baranoff-Rossiné // P.Baranoff

На верхней планке подрамника: по центру выставочная бумажная этикетка галереи Rutland (London): 29 Bruton Street London W1 // Eхhibition Baranoff-Rossine // Catalogue No: 43 // Ref: No 243 T; правее круглая бумажная наклейка с рукописной надписью: Q // 233; правее надпись белым мелом: 10; правее неразборчивая надпись, частично скрытая под рамой; слева фрагменты утраченных бумажных этикеток

Провенанс:
• Stockholms Auktionsverk, Стокгольм, Швеция. 15–16 декабря 2004, лот 168D;
• частное собрание (Москва)

Выставка: Vladimir Baranoff-Rossiné. 1888–1944: Retrospective exhibition. 1970, Rutland Gallery, Лондон

Публикация: Vladimir Baranoff-Rossiné. 1888–1942. Rétrospective. Rutland Gallery. London, 1970. Catalogue № 43 

Незначительная деформация холста

Работа окантована деревянными рейками и оформлена в раму (78,5 × 101)

*** 
Шулим-Вольф Баранов, Владимир Давидович Баранов, Даниэль Россине, наконец, Владимир Давидович Баранов-Россине. 1888–1944. Человек удивительной и трагической судьбы. 

Он происходил из обеспеченной мещанской семьи. Учился в ОХУ (1903–1908) у Г. А. Ладыженского и К. К. Костанди, где его соучениками были Н. И. Альтман и А. Е. Кручёных. По окончании училища в мае 1908 получил звание учителя рисования и черчения в средних учебных заведениях. Около 1906 познакомился с братьями В. Д. и Д. Д. Бурлюками, которые привлекли его к участию в организованной ими выставке «Стефанос» в Москве (1907/1908). Позже стал неизменным экспонентом более радикальных «авангардных» выставок 1909–1910, связанных с группой Н. И. Кульбина. 

В 1908–1909 учился в петербургской АХ (в сентябре 1909 получил справку на право проживания в Петербурге), но был отчислен за непосещение в декабре 1909. Вскоре через Стокгольм, Киль и Мюнхен отправился в Париж и оказался там осенью 1910. С октября 1910 под псевдонимом Даниэль Россине или Россине стал неизменным экспонентом Осеннего салона (1910–1913), Салона Независимых (1911–1914). Если работы 1911–1912 прошли для критики незаметно, то с 1913–1914 имя «Россине» уже упоминают в выставочных отчетах и хрониках Гийом Аполлинер и Андре Сальмон.

В 1912–1913 был обитателем «Улья», соседствовал с М. Шагалом, О. Цадкиным, А. Архипенко, Х. Сутиным, А. Модильянии и другими, сдружился с Н. Альтманом. Под псевдонимом Россине (а потом и удвоив фамилию) выставлял в салонах свои футуристические и супрематические композиции, а также скульптуры — например, в Салоне Независимых представил «Симфонию № 2» из металлических труб, проволоки и пружин (1914, не сохранилась). В скульптуре едва ли не более всего проявилось новаторство Баранова-Россине: еще в 1910-х годах он чуть ли не первым разрабатывал крашеные и самодвижущиеся скульптуры, о которых остались документальные свидетельства. Скульптура — мало изученный пласт его творчества и настолько редка, что долгое время работы считались утраченными. 

Участвовал в деятельности академии Марии Васильевой и Русской академии, неоднократно бывал на вечерах, устраиваемых баронессой Эттинген и Сержем Фера, где собирались представители русского и французского авангарда, в том числе Александра Экстер, Наталия Гончарова и Михаил Ларионов, Леопольд Сюрваж, Макс Жакоб и другие.

В июле 1912 встречался с Хансом Арпом (свидетельство об этом Арп оставил в своих воспоминаниях). Но еще более важным было знакомство (начало 1910-х), а затем и дружба с супругами Делоне. Баранов-Россине увлекся орфизмом (симультанизмом) Робера Делоне, что ощутимо повлияло на ряд его произведений.

В те же годы заинтересовался идеей музыкального и цветового синтеза посредством использования основных спектральных цветов, познакомился с А. Н. Скрябиным и написал его портрет, на котором композитор оставил автограф: «Музыканту красок — Скрябин».

С началом Первой мировой войны вернулся в Россию, побывал на родине в Тавриде, посетил Петроград и в конце лета 1915 переехал в Норвегию, где остался до 1917. Здесь окончательно оформился стиль художника. Он спроектировал «оптофоническое» пианино и провел на нем первые концерты в Христиании и Стокгольме. В норвежской столице состоялась и первая персональная выставка (1916).

Во время февральской революции возвратился в Россию, уже в ноябре 1917 принял участие в «Выставке современной живописи и рисунка» в Художественном бюро Н. В. Добычиной в Петрограде. Участвовал в украшении города к первой годовщине Октября (в соавторстве с Б. М. Кустодиевым и К. С. Петровым-Водкиным). Создал в 1918 панно «Красноармеец-барабанщик», «Марширующие красноармейцы» и «365 революционных дней» для праздничного оформления площади Восстания в Петрограде в честь 1-й годовщины революции, а также большое полотно с символическим названием «Репрессия» (не сохранились). С ноября 1918 по апрель 1919 руководил живописной мастерской в Петроградских ГСХУМ. 

Весной 1919 переехал в Москву и продолжил преподавательскую работу сначала во II ГСХМ, затем во Вхутемасе руководил мастерской по изучению «Дисциплины одновременных форм и цвета» на Основном отделении живописного факультета, деканом которого был в 1920–1921. В 1919 работал в Коллегии по делам искусств при Отделе ИЗО Наркомпроса.

Тяга к технологичности проявилась не только в изобразительном искусстве: Баранов, как ренессансный художник, был увлечен изобретательством. Причем все его открытия связаны с природой света и цвета.

Еще в начале 1910-х под влиянием идей А. Н. Скрябина он заинтересовался проблемой синтеза музыки и цвета, но только через десять лет сконструировал клавир — усовершенствованный «оптофон» — аппарат, являющийся комбинацией оснащенного дуговой лампой прожектора и системы клавиш, которые позволяют проецировать на экран-«хромотрон» более 3600 оттенков всех цветов спектра. Первые «Оптофонические цвето-зрительные концерты» с использованием такого клавира провел в театре В. Э. Мейерхольда (1923) и в Большом театре (1924); сам исполнял «Партию света» в аранжировке симфонического оркестра под руководством В. Сука.

В 1925, когда началось очередное закручивание гаек, не без труда выехал из СССР во Францию. Он возлагал большие надежды на оптофон и запатентовал свое изобретение. Дал концерты в Париже, Риге и Берлине, а в 1927 основал в Париже первую оптофоническую академию и продолжил свои аудиовизуальные исследования.

В 1930-е изобрел и другие агрегаты, такие как «хромофотомер» (или «фотохронометр», для проверки качества драгоценных камней) и «мультиперко» (для производства и очистки химических растворов, стерилизации газированных жидкостей; запатентован в 1934), а также «пуантилистический камуфляж» (для маскировки войск; запатентован в 1939, совместный коммерческий проект с Робером Делоне).

В области скульптуры и живописи в этот период создавал цикл абстрактных композиций, прочно связанных с музыкальными ассоциациями. В этих композициях использовались принцип «ленты Мёбиуса», полихромия и материалы разного рода и фактуры. Интересовался любыми новейшими живописными течениями, в частности сюрреализмом. Регулярно экспонировался в Салоне Независимых.

Владимир Гусев, директор Русского музея, пишет: «… в истории его творчества отразились если не все, то очень многие направления в развитии российского авангарда. Он не был поверхностным подражателем, но отличался чрезвычайной восприимчивостью ко всему новому, стремлением не повторить — но познать, освоить и попытаться превзойти». 

Эксперты отмечают, что в своих парижских поисках художник испробовал почти все авангардные течения, включая кубизм, кубофутуризм, абстракцию и сюрреализм. А еще раньше прошел путь академического пейзажа и почти неминуемого для художника тех лет постимпрессионизма. Своего «изма» Баранов-Россине не изобрел, но в рамках оформлявшихся течений его работы очевидно выделялись своей самобытностью. Михаил Герман в книге «Парижская школа» пишет: «…ему выпало на долю стать тонким и точным интерпретатором основных ее [Парижской школы] тенденций, не столько повторяя, сколько исследуя и “репрезентируя” происходящие в искусстве процессы. Он имел довольно индивидуальности, но самая индивидуальность его служила раскрытию и общих явлений. К тому же он был достаточно европейцем и достаточно русским, органично ощущая себя в этой двойственности. … Ему нравилось практически все, но он не метался, скорее радовался наступающему разнообразию возможностей. И кто знает, что было в нем главным — мастерство стилизатора, артистизм эпигона или, скорее всего, мудрость аналитика и историка собственного времени».

С началом Второй мировой войны он с семьей остался в Париже. «Я люблю Париж и ничего не боюсь», — сказал он своей знакомой, встретившей его в почтовом отделении. 9 ноября 1943 года художник был арестован гестапо и 20 января 1944 года депортирован в Германию. 25 января 1944 года Владимир Баранов-Россине погиб в Освенциме.

В письме Соне Делоне из Норвегии он писал: «Я очень занят как всегда бывал, и как всегда живу только живописью. Я делаю то, что хочу. Моя борьба состоит исключительно в том, чтобы бороться с теми невозможностями, которые мешают исполнению того, что я хочу. Для меня живопись — жизнь». 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота. 

Скандинавский пейзаж

На обороте, справа вверху, бумажная этикетка: ЦХЭ им. И. Е. Репина // Э-644/21_71

На тыльной стороне рамы: вверху слева неразборчивый круглый штамп; вверху по центру обрывок старой этикетки со следами надписи латиницей; вверху справа следы надписи графитным карандашом

Экспертное заключение ЦХЭ имени И. Е. Репина Э-644/21_71, № 3207-1-23 от 22 декабря 2023. Эксперт, искусствовед Н. С. Игнатова, эксперт, искусствовед Л. А. Кузьмичева, зав. отделом экспертизы, технолог В. А. Пятков

Работа оформлена в раму (37,5 × 47,6) 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Крымское побережье

Другие названия: Московский дворик (по А. А. Никольскому), Провинциальный город (по Л. И. Гладковой, А. П. Гусаровой)

Слева внизу подпись: Ап. Васнецовъ

На подрамнике: слева вверху бумажная этикетка: ЦХЭ им. И. Е. Репина // Э-463/19_3; справа вверху бумажная этикетка: ОЭ ГТГ № 8389 // Васнецов А. // XXXX; правее выставочная этикетка Тверской областной картинной галереи и МКААД: Тверь. Май‒август 2022 // ПЕРЕДВИЖНИКИ //Русское искусство // XIX — начала XX веков

Экспертное заключение Ассоциации искусствоведов (АИС) б/н от 18 ноября 2022, Москва. Эксперт, искусствовед, член АИС А. А. Никольский Экспертное заключение ЦХЭ им. И. Е. Репина Э-463/19_3, № 1742-1-21 от 21 января 2021. Эксперт, искусствовед И. В. Геращенко, эксперт, искусствовед Е. В. Гордеева

Экспертное заключение Государственной Третьяковской галереи ОЭ ГТГ 8389, № К 1612/9 от 26.05.2005. Зав. отделом научной экспертизы Л. И. Гладкова, ст. научный сотрудник отдела живописи второй половины XIX — начала ХХ в.в. А. П. Гусарова 

Выставка: Передвижники. Русское искусство XIX — начала ХХ веков. 19 мая — 28 августа 2022. Тверская областная картинная галерея, Тверь

Работа оформлена в раму (83,7 × 93,7)

*** 
Аполлинарий Михайлович Васнецов (1856–1933) — выдающийся русский живописец, мастер пейзажа и исторических картин, младший брат художника Виктора Михайловича Васнецова. 

Аполлинарий Васнецов не имел профессионального художественного образования, однако это не помешало ему достичь вершин живописного мастерства, стать не только признанным художником, академиком и действительным членом Академии художеств, но и одним из значимых действующих лиц художественной жизни России конца XIX — начала XX века. Аполлинарий Васнецов семнадцать лет преподавал в пейзажном классе МУЖВЗ, был одним из основателей и, впоследствии, руководителей Союза русских художников. 

Судьба художника, его творческая и общественная карьера примерно с 20 лет и до конца жизни была неразрывно связана с Москвой, куда уроженец Вятской губернии Аполлинарий Васнецов переехал вслед за братом Виктором в 1878 году. Аполлинарий Михайлович был пленен духом старой Москвы. Совершая дальние странствия на Урал, в Крым, на Кавказ и в Европу, он неизменно возвращался в Москву, к её древним подворьям и тихим переулкам. 

Аполлинарий Васнецов был страстно увлечен историей города. Живописец изучал археологию, был членом Комиссии по охране древних памятников при Московском археологическом обществе. В 1903 году он был избран членом-корреспондентом, а затем и действительным членом Московского археологического общества (1906). В 1900-е годы Аполлинарий Васнецов даже обратился к архитектурному проектированию, разработал несколько архитектурных идей для гражданских и церковных построек. К примеру, создал проект жилого дома П. Н. Перцова (1907, не был реализован) и участвовал в конкурсе на здание Училища живописи, ваяния и зодчества. В 1912 году Васнецов стал членом Комиссии по изучению старой Москвы. С 1918 по 1929 год служил в должности председателя этой комиссии. 

На протяжении десятилетий Аполлинарий Васнецов писал как исторические картины, реконструирующие облик допетровской деревянной Москвы, так и многочисленные натурные зарисовки — пейзажи московских парков, двориков, усадеб и храмов. Представленный на аукционе «Первые имена» пейзаж кисти Аполлинария Васнецова относится как раз к подобным натурным зарисовкам.

Работа «Московский дворик летом» датируется концом 1910-х — 1920-ми годами. После Октябрьской революции 1917 года Аполлинарий Васнецов уже практически не покидал Москвы. В этот период им было создано много этюдов с натуры, на которых художник запечатлел близкие его сердцу уголки города. Эти работы отличаются особой камерностью и теплотой, мастерской передачей световоздушного пространства, ясностью колорита. Как писал Аполлинарий Васнецов в 1928 году в письме другу, художнику Николаю Хохрякову, «пока еще с натуры можешь писать, кисть еще слушается, и даже как будто лучше видишь краски — легче усваиваешь общую форму».

В пейзаже «Московский дворик летом» сложно узнать конкретную улицу и дом, большую часть картины занимает пышная зелень деревьев, скрывающая архитектурные элементы зданий. Данный прием в целом характерен для работ Васнецова этого периода. На первый план здесь выходит не точное место, но собирательный образ летней Москвы, утопающей в зелени бесчисленных парков, скверов, бульваров. Для его передачи художник использует яркий насыщенный колорит с преобладанием зеленого цвета, с включением лиловых, серых и охристых оттенков. 

Аполлинарий Васнецов пишет пышную листву деревьев отрывистыми пастозными мазками. Землю передает продолговатыми горизонтальными мазками, уделяя особое внимание пробивающимся сквозь ветви деревьев солнечным пятнам. На протяжении всей своей художественной карьеры Аполлинарий Васнецов неустанно совершенствовал своё мастерство в передаче нюансов солнечного освещения.

По предположению экспертов, этот пейзаж мог быть выполнен в районе квартиры художника в Фурманном переулке. Известна картина «Московский дворик зимой» (1920-е, Музей-квартира А.М. Васнецова), на которой можно увидеть похожие дома и деревья.

Пейзаж «Московский дворик летом», как характерное произведение Аполлинария Михайловича Васнецова, имеет несомненное художественное, антикварно-коллекционное и музейное значение (Мария Онучина, AI).

Читайте также на AI: «Художник недели: Аполлинарий Васнецов». 

Московский дворик летом

Слева внизу подпись и дата: И. ВЕЛЬЦЪ. 1911.

На тыльной стороне рамы, вверху справа, плохо читаемая надпись: 1979 Вельцъ // ; вверху слева старая бумажная этикетка Мастерской позолотных столярно-резных работ, рам, иконостасов, мебели и комнатных украшений в Санкт-Петербурге: Мастеръ // Семенъ Абросимовичъ // Абросимовъ. // съ сыномъ.

Экспертное заключение Научно-исследовательского независимого центра экспертиз имени А. Бенуа (Санкт-Петербург) № В845/12 от 13 декабря 2021. Заведующая сектором искусствоведческих исследований, доктор искусствоведения Е. В. Нестерова, эксперт-технолог, сотрудник отдела аналитической химии А. В. Крусанов

Работа оформлена в старинную раму (106 × 149,7) 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Летний пейзаж

Слева внизу подпись и дата: Serge Vinogradoff. // 1931.

На подрамнике: в левом верхнем углу бумажная этикетка: ЦХЭ им. И. Е. Репина // Э-119/16_10; справа вверху две бумажные наклейки

На тыльной стороне рамы: внизу слева бумажная этикетка с печатным текстом: Belongs to: // Siss Hartnett, // 33 A Telgraph road, // Pymble 2073 // ; правее бумажная этикетка: ЦХЭ им. И. Е. Репина // Э-119/16_10

Экспертное заключение ЦХЭ им. И. Е. Репина Э-119/16_10, № 0241-1-16 от 29 июня 2016. Эксперт И. В. Геращенко

Кромки холста подведены

Работа оформлена в раму (90 × 77,2)

*** 
Виртуозный живописец и блестящий рисовальщик Сергей Арсеньевич Виноградов принадлежит к числу наиболее значительных мастеров русского искусства рубежа XIX–XX столетий. 

Сергей Виноградов родился 4 июля 1870 в семье сельского священника посада Большие Соли Костромской губернии. Окончил приходскую школу, затем Костромскую гимназию, где увлекся рисованием и решил посвятить свою жизнь искусству. В 1880 переехал в Москву, поступил в МУЖВиЗ, учился у Е. С. Сорокина, В. Д. Поленова, И. М. Прянишникова, В. Е. Маковского. В 1885 и 1886 за живописный этюд и рисунок с натуры награжден малыми серебряными медалями. В 1888 за картину «Барышник-лошадник» («Корчма на шляху») получил большую серебряную медаль и звание классного художника. В 1889 продолжил обучение в ИАХ в Петербурге у Б. П. Виллевальде и К. Б. Венига, но вскоре из-за болезни бросил учебу и возвратился в Москву.

В 1884–1890 посещал рисовальные вечера в доме Поленова. С 1889 принимал участие в выставках Московского общества любителей художеств, годом позже за картину «Обед работников» был удостоен 3-й премии Общества. С самых первых выставок пейзажи, жанровые картины, рисунки Виноградова были высоко оценены критикой и стали предметом собирательства. Среди первых приобретателей произведений художника были такие крупные коллекционеры русского искусства, как П. М. Третьяков, И. С. Остроухов, П. И. Харитоненко, И. А. Морозов, М. А. Морозов и другие.

В 1891–1896 жил в Харькове, преподавал рисунок в ремесленном училище. В 1892 вступил в ТПХВ, экспонировал свои произведения на выставках Товарищества вплоть до 1901. В 1896 переехал в Москву. Работал в области книжной графики, оформлял книги в издательстве А. Д. Ступина. С 1897 преподавал в Строгановском художественно-промышленном училище. 

Много путешествовал по России, неоднократно совершал поездки по Волге и Северу. В 1902 вместе с М. А. Морозовым отправился в Европу. В 1915–1917 жил и работал на даче К. А. Коровина в Гурзуфе.

В 1901 выступил в числе инициаторов «Выставки 36 художников» в залах Строгановского училища в Москве. В 1901–1903 и 1906 участвовал в выставках «Мира искусства». В 1903 стал одним из учредителей Союза русских художников. В 1904 экспонировал свои произведения на Международной выставке в Дюссельдорфе, в 1905–1906 — в выставках русского искусства в Париже и Берлине, организованных С. П. Дягилевым. В 1909 за картину «Лето» был награжден золотой медалью на Международной художественной выставке в Мюнхене.

В 1912 избран академиком, в 1916 — действительным членом ИАХ в Петербурге. 

Активно занимался общественной деятельностью, входил в Орловское общество изящных искусств (с 1911), Общество Рязанского городского художественно-исторического музея им. И. П. Пожалостина, Московский литературно-художественный кружок.

После революции 1917 входил в состав комиссии по оформлению московского Кремля к празднованию первой годовщины Октября. В 1923–1924 возглавлял организационный комитет передвижной выставки русского искусства в США и Канаде. Сопровождал выставку в США, в Советскую Россию не вернулся. По приглашению Н. П. Богданова-Бельского переехал в Латвию, где поселился в Риге и прожил в ней до конца жизни. В 1925 организовал персональную выставку в Риге. Некоторое время преподавал в мастерской Богданова-Бельского, затем основал собственную школу-студию. В 1930 в Риге состоялась выставка учеников Виноградова.

В 1929 выпустил в Риге альбом акварелей и рисунков «Псково-Печерский монастырь». Принимал участие в выставках Культурного фонда Латвии (1935 и 1937), а также художественного общества «Эстетика» (1935 и 1938). Посылал свои произведения на выставки русского искусства в Европе, в частности в Копенгаген (1927), Прагу (1928), Лондон (1935), Белград (1936). Персональные выставки мастера состоялись в Риге в 1935, 1936–1937. 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Букет полевых цветов

Слева внизу подпись и дата: С. Виноградовъ 93

На обороте: вверху по центру авторская надпись: № 3 Изъ церкви — 15; в правом верхнем углу обрывок старой бумажной этикетки: ТОРГОВЛЯ // .Р.ЛИНДЕНБЕРГЪ // ВЪ ХАРЬКОВѢ //  11 р 75; в левом верхнем углу плохо читаемая надпись: 36 – 44; у левого края, ниже середины, надпись: N 496 / 1554; в левом нижнем углу надпись: 44/39 (перевернута); в правом нижнем углу бумажная этикетка: НИНЭ имени П. М. Третьякова // № 20696

Экспертное заключение НИНЭ имени П. М. Третьякова ОЖ 20696, № 12842-35 от 28 сентября 2023. Эксперт Ю.В. Чайкина

Работа оформлена в раму со стеклом (72,5 × 60,8)

*** 
Виртуозный живописец и блестящий рисовальщик Сергей Арсеньевич Виноградов принадлежит к числу наиболее значительных мастеров русского искусства рубежа XIX–XX столетий. 

Сергей Виноградов родился 4 июля 1870 в семье сельского священника посада Большие Соли Костромской губернии. Окончил приходскую школу, затем Костромскую гимназию, где увлекся рисованием и решил посвятить свою жизнь искусству. В 1880 переехал в Москву, поступил в МУЖВиЗ, учился у Е. С. Сорокина, В. Д. Поленова, И. М. Прянишникова, В. Е. Маковского. В 1885 и 1886 за живописный этюд и рисунок с натуры награжден малыми серебряными медалями. В 1888 за картину «Барышник-лошадник» («Корчма на шляху») получил большую серебряную медаль и звание классного художника. В 1889 продолжил обучение в ИАХ в Петербурге у Б. П. Виллевальде и К. Б. Венига, но вскоре из-за болезни бросил учебу и возвратился в Москву.

В 1884–1890 посещал рисовальные вечера в доме Поленова. С 1889 принимал участие в выставках Московского общества любителей художеств, годом позже за картину «Обед работников» был удостоен 3-й премии Общества. С самых первых выставок пейзажи, жанровые картины, рисунки Виноградова были высоко оценены критикой и стали предметом собирательства. Среди первых приобретателей произведений художника были такие крупные коллекционеры русского искусства, как П. М. Третьяков, И. С. Остроухов, П. И. Харитоненко, И. А. Морозов, М. А. Морозов и другие.

В 1891–1896 жил в Харькове, преподавал рисунок в ремесленном училище. В 1892 вступил в ТПХВ, экспонировал свои произведения на выставках Товарищества вплоть до 1901. В 1896 переехал в Москву. Работал в области книжной графики, оформлял книги в издательстве А. Д. Ступина. С 1897 преподавал в Строгановском художественно-промышленном училище. 

Много путешествовал по России, неоднократно совершал поездки по Волге и Северу. В 1902 вместе с М. А. Морозовым отправился в Европу. В 1915–1917 жил и работал на даче К. А. Коровина в Гурзуфе.

В 1901 выступил в числе инициаторов «Выставки 36 художников» в залах Строгановского училища в Москве. В 1901–1903 и 1906 участвовал в выставках «Мира искусства». В 1903 стал одним из учредителей Союза русских художников. В 1904 экспонировал свои произведения на Международной выставке в Дюссельдорфе, в 1905–1906 — в выставках русского искусства в Париже и Берлине, организованных С. П. Дягилевым. В 1909 за картину «Лето» был награжден золотой медалью на Международной художественной выставке в Мюнхене.

В 1912 избран академиком, в 1916 — действительным членом ИАХ в Петербурге. 

Активно занимался общественной деятельностью, входил в Орловское общество изящных искусств (с 1911), Общество Рязанского городского художественно-исторического музея им. И. П. Пожалостина, Московский литературно-художественный кружок.

После революции 1917 входил в состав комиссии по оформлению московского Кремля к празднованию первой годовщины Октября. В 1923–1924 возглавлял организационный комитет передвижной выставки русского искусства в США и Канаде. Сопровождал выставку в США, в Советскую Россию не вернулся. По приглашению Н. П. Богданова-Бельского переехал в Латвию, где поселился в Риге и прожил в ней до конца жизни. В 1925 организовал персональную выставку в Риге. Некоторое время преподавал в мастерской Богданова-Бельского, затем основал собственную школу-студию. В 1930 в Риге состоялась выставка учеников Виноградова.

В 1929 выпустил в Риге альбом акварелей и рисунков «Псково-Печерский монастырь». Принимал участие в выставках Культурного фонда Латвии (1935 и 1937), а также художественного общества «Эстетика» (1935 и 1938). Посылал свои произведения на выставки русского искусства в Европе, в частности в Копенгаген (1927), Прагу (1928), Лондон (1935), Белград (1936). Персональные выставки мастера состоялись в Риге в 1935, 1936–1937. 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Из церкви

Справа внизу подпись: N. g.

На подрамнике: в левом верхнем углу бумажная этикетка: ЦХЭ им. И. Е. Репина // Э-1/14_372; слева посередине бумажная аукционная этикетка, ниже надпись: 46/60; справа внизу бумажная аукционная наклейка; справа вверху обрывок бумажной наклейки

Экспертное заключение ЦХЭ им. И. Е. Репина Э-1/14_372, № 3051-1-23 от 07 октября 2023. Эксперт, искусствовед Ю.В. Рыбакова

Провенанс (по Sotheby’s):
• частное собрание (Франция);
• частное собрание;
• Sotheby’s, Лондон, 19 апреля 2023, лот 57;
• частное собрание (Москва)

Работа оформлена в раму (61,5 × 76,5)

*** 
Наталия Сергеевна Гончарова (1881–1962) — всемирно известная русская художница первой половины ХХ столетия, одна из наиболее значительных фигур русского авангарда, первая «амазонка авангарда». Работала в живописи, графике, прикладном искусстве, книжной иллюстрации, театральном оформительстве, дизайне одежды. Работала во всех стилях от импрессионизма, фовизма, неопримитивизма до кубизма, лучизма, футуризма и даже реализма. Супруга художника Михаила Ларионова. 

Натюрморт был одним из любимых жанров Наталии Гончаровой на протяжении всей её творческой карьеры. Её ранние натюрморты во многом созвучны художественным поискам ведущих французских художников того времени — Матисса, Сезанна, Гогена и Ван Гога. Но для Гончаровой их приемы были лишь формальной основой, которую она напитывала собственными источниками — эстетикой русского лубка, иконы, деревянной игрушки и скифских каменных идолов. Она включала произведения языческого, древнерусского и народного искусства в свои натюрморты, демонстрируя близость своего мироощущения православным и архаическим верованиям. Героями её предметных композиций могли быть животные — кошки, птицы, собаки, белки. И тогда формально эти работы уже нельзя отнести к «мертвой натуре».

Во французский период творчества (художница вместе с супругом Михаилом Ларионовым поселилась в Париже в 1919 году и прожила во французской столице до конца своих дней) натюрморты Гончаровой изменились. Примерно с конца 1920-х годов Гончарова часто писала цветочные композиции с хризантемами, магнолиями, пионами, розами, лилиями, ветками вишни, опавшими листьями, дополняя эти натюрморты вазами, рюмками, мисками и кувшинами. В этих работах художница отходила от авангардной манеры ранних произведений и вместе с тем сохраняла присущие ей выверенность композиции, графическую точность, выразительность колорита и мастерское выстраивание живописной поверхности.

«Натюрморт с листьями и кувшином», представленный на аукционе «Первые имена», датируется экспертами второй половиной 1930-х — началом 1950-х годов. Гончарова выстраивает на столе композицию из сухих листьев и шишек магнолии, кувшина и кубка. Магнолия стала, пожалуй, самым любимым растением Гончаровой после переезда во Францию. Художница писала её во всех видах — цветущую на дереве, срезанную или, как в нашем натюрморте, только её сухие листья и шишки. Магнолии часто составляли фон для ее испанок. В 1939 году художница даже организовала выставку «Испанки и магнолии». 

К слову, после путешествия в Испанию цветовая гамма Гончаровой изменилась: характерное для раннего периода обилие красных, синих, желтых и зеленых оттенков сменило разнообразие охристых, черных, серых, жемчужно-белых, бордово-розовых тонов. В подобном сдержанном и в то же время насыщенном, выразительном колорите написан и «Натюрморт с листьями и кувшином». 

При всей реалистичности манеры в этом натюрморте сохраняется присущая более ранней Гончаровой декоративная условность, стилизованность. Тщательно прописывая сухие листья, шишки, посуду и стол, художница в то же время не стремится к полной законченности образа. Так, локальным темно-розовым пятном, лишенным осязаемого объема, остается свисающий со стола шарф или лента. Расположенная за столом стена также дана плоскостно, но при этом Гончарова не забывает закрасить её участки серыми, бордовыми и белыми пятнами, не несущими другой смысловой нагрузки кроме достижения необходимого цветового баланса композиции. Это внутреннее ощущение красоты, гармоничности образа никогда не покидало Наталию Гончарову, в каком бы стилевом направлении она ни работала (Мария Онучина, AI). 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Натюрморт с листьями и кувшином

Справа внизу подпись: N. g.

На обороте, вверху по центру, надпись: N. GONTCHAROVA

На тыльной стороне рамы, в правом нижнем углу, бумажная наклейка: Ref = 19671

Экспертное заключение НИНЭ имени П. М. Третьякова ОЖ 16081, № 10073-25 от 20 мая 2021. Эксперт Ю. В. Рыбакова

Провенанс:
• Sothebys, Лондон, 1 декабря 2020, лот 164 (под названием Still Life with Chrysanthemums)

Работа оформлена в раму (35,8 × 45,6) 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Натюрморт с розовыми цветами

Слева внизу подпись и дата: К. Горбатовъ 1923.

На подрамнике, вверху слева, бумажная этикетка: НИНЭ имени П. М. Третьякова // № 21223

Экспертное заключение НИНЭ имени П. М. Третьякова ОЖ 21223, № 13193-35 от 19 декабря 2023. Эксперт Ю. В. Чайкина

Работа оформлена в раму (83,8 × 103,5)

*** 
Константин Иванович Горбатов (1878–1945) — один из выдающихся русских живописцев первой трети XX века, обладавший как узнаваемым стилем, так и характерным кругом разрабатываемых сюжетов. Его творческая манера сложилась во многом под влиянием мастеров Союза русских художников, в недрах которого сформировался русский вариант импрессионизма, во многом опиравшийся на лирический пейзаж А. К. Саврасова и И. И. Левитана. Горбатов активно пользовался импрессионистическими приемами: хорошо узнаваемый «мозаичный» мазок Горбатова безусловно вписывается в постимпрессионистическое направление московской школы живописи. 

Однако другой, не менее важной и всегда хорошо «читаемой» в творчестве художника основой являются романтизм и академизм, определившие склонность к идеализации натуры и декоративность произведений, характерные для его творчества. Увлечение Горбатова архитектурой обусловило сюжетную сторону работ живописца — архитектура постоянно присутствовала в его полотнах и нередко становилась «главным героем» картины. Излюбленными мотивами полотен Константина Горбатова были виды старинных русских городов, природа русского Севера, волжские пейзажи, тихие уголки провинциальных сел и деревень, исторические и сказочные сюжеты, а после переезда в Европу — виды Капри и Венеции. 

Революционные события вынудили художника покинуть родину и провести остаток дней в эмиграции. В 1922 году Горбатов отправился в заграничную командировку от Академии художеств, но в Россию уже не вернулся. Первоначально он поселился в Италии (на Капри и в Венеции), где прожил с 1922 по 1926 год. В 1926 году семья художника обосновалась в Берлине, где Горбатов жил и работал до конца своих дней.

Проживая за границей, Константин Горбатов писал местные пейзажи, среди которых любимыми были виды солнечной Италии. При этом художник никогда не забывал своей родины, раз за разом возвращаясь в своем воображении в тихие русские провинциальные городки. По памяти он писал их виды, домысливая, повторяя, перерабатывая любимые мотивы. И нужно сказать, что подобные работы пользовались большой популярностью у европейских покупателей. В особенности их очаровывала изысканная «старомодность» его произведений на русскую тему, проявлявшаяся в изображениях церквей и архитектуры древних городов.

Именно к подобным «русским» работам, созданным уже в эмиграции, относится пейзаж Константина Горбатова «Древний город», представленный на торгах «Первые имена». Эта живописная работа датируется 1923 годом — периодом, когда Горбатов жил в Италии. 

Константин Горбатов создает почти сказочный, романтический образ древнего русского города. Высокий склон реки застроен разноцветными и разномастными деревянными и каменными постройками — домами и лодочными сараями, храмами и колокольнями. На дальнем плане на большом доме угадывается пожарная каланча. Её вытянутый силуэт перекликается с другими архитектурными доминантами — розовой и белой колокольнями, а её желтый цвет — с золотом куполов и охрой берез на первом плане. Пейзаж Горбатова изобилует подобными колористическими перекличками. Для художника характерны такие цветовые контрасты, усиливающие эмоциональную насыщенность создаваемого образа. Живым, пластичным мазком написаны небо и прозрачная река, в которой отражаются и дома, и мост, и плывущие по небу облака. Горбатов дополняет эту гармоничную и очень декоративную композицию лодками, людьми на мосту, кромкой золотого леса на горизонте. 

В работе «Древний город» (1923) собрано всё то, за что так любят и ценят творчество Константина Горбатова. Как прекрасный образец пейзажной живописи художника на русскую тему, это произведение имеет несомненное коллекционное и музейное значение (Мария Онучина, artinvestment.ru)  

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота. 

Древний город

В левом нижнем углу водяной знак

На обороте:
• в левом верхнем углу бумажная этикетка: АКАДЕМИЯ ХУДОЖЕСТВ СССР // НАУЧНО-ИССЛЕДОВАТЕЛЬСКИЙ МУЗЕЙ // Выставка: произведений // И. Э. Грабаря 1971 г. // Автор, наименование: Деревня Осередок на Северной // Двине // Собрание: Ляпуновой Е. В.; 
• слева внизу бумажная этикетка: Отдел по делам музеев и охране // памятников искусства и старины // при Народном комиссариате по // просвещению. // автор Грабарь, Игорь // название Деревня Осередок на С Двине // владелец А. Н. Ляпунов // част. N__ инв. N 7792; 
• справа внизу бумажная этикетка с надписью чернилами: 052684

Экспертное заключение НИНЭ имени П. М. Третьякова ОЖ 20135, № 12610-35 от 28 июня 2023. Эксперт Ю. В. Чайкина

Картина внесена в списки основных произведений художника в книгах: И. Э. Грабарь. Моя жизнь. Автомонография. М.-Л., 1937. С. 338 (как принадлежащая Е. В. Ляпуновой); О. И. Подобедова. Игорь Эммануилович Грабарь. М., 1964. С. 330 (Ю. В. Чайкина)

Выставки:
• Выставка произведений заслуженного деятеля искусства Игоря Эммануиловича Грабаря. 45 лет художественной и научной деятельности. 1936, Москва;
• Игорь Эммануилович Грабарь. Народный художник СССР, действительный член Академии наук и Академии художеств СССР, лауреат Государственной премии СССР. Выставка посвящается художественной, научной и общественной деятельности. 1971. Научно-исследовательский музей Академии художеств СССР, Москва;
• 49-й Российский Антикварный Салон, 22–26 ноября 2023, Гостиный двор, Москва

Работа оформлена в раму со стеклом (86,5 × 100,5)

*** 
Игорь Эммануилович Грабарь — один из наиболее значительных русских живописцев первой половины ХХ века, выдающийся общественный деятель и историк искусства. Он был одним из первых последователей импрессионизма в России, в дальнейшем на протяжении всего творчества придерживался импрессионистических принципов. Художник писал картины непосредственно с натуры, без подготовительного этюда и рисунка, уделял большое внимание передаче свето-воздушной среды, изменчивости состояний природы. Колорит его произведений, как правило, светлый и свежий. Художник редко смешивал краски на палитре, добиваясь необходимого оптического эффекта наложением на холст отдельных мазков чистого цвета, благодаря чему создавалось впечатление вибрации воздуха. Наибольший интерес в художественном наследии мастера представляют пейзажи и натюрморты. Он обращался также к портрету, работал в области книжной и журнальной графики.

Изобразительный мотив пейзажа «Деревня Осередок на Северной Двине», характер композиции, насыщенность цветового решения, особый живописный строй, сочетающий плотную пастозную манеру письма в проработке травы, дороги, домиков с легкими свободными мазками в написании неба — все это присуще пейзажным работам Грабаря начала 1920-х годов. В эти годы в живописи мастера происходят важные изменения. Художник отказывается от прежней импрессионистической манеры письма, начинает ценить «простую» красоту. Палитра его картин заметно темнеет, манера письма становится пастознее, фактура более разнообразна и «материальна».

В 1919–1920 Грабарь инициировал экспедиции с целью изучения и реставрации древнерусских памятников. Работа «Деревня Осередок на Северной Двине» была написана в начале осени 1920 года во время его экспедиции по Северной Двине. «Северная экспедиция музейного отдела Наркомпроса была предпринята вскоре после освобождения Архангельска, с целью выяснения ущерба, нанесенного интервентами памятникам древнерусского зодчества и живописи. Экспедиционная поездка заняла около полутора месяца — с конца августа по 11 октября…Большая часть маршрута осуществлена была на специальном пароходе. Удалось обследовать дельту Северной Двины с заездом в Николо-Карельский монастырь и Нёноску, окрестности Архангельска и берега Северной Двины, кончая Сольвычегодском» (И. Э. Грабарь). Во время поездки Игорь Эммануилович написал «серию этюдов, среди которых были неплохие», — как писал он в воспоминаниях.

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Деревня Осерёдок на Северной Двине

Слева внизу подпись: Б. Григорьев; справа внизу дата: 915

На обороте, по центру, графитным карандашом надпись, подпись инициалами и дата: Парижанки» // Б.Г. 915 г.

На монтировочном картоне: 
• в левом верхнем углу бумажная этикетка: Центральный Дом литераторов // им. А. А. Фадеева // Клуб коллекционеров // при Советском Фонде культуры // В ы с т а в к а // «ХУДОЖНИКИ РОССИИ ЗА РУБЕЖОМ» // (XIX — начало ХХ веков) // Из частных коллекций // Автор: Б. Григорьев // Название: Няньки в Булонском // лесу 1915 // Собственность: В. Дудакова;
• правее бумажная этикетка*: ДВА СФК // Автор Григорьев Б. Д. // Название Няньки в Булонском лесу // Техника Бум. гуашь // Выставка Русский авангард // Владелец Дудаков, Кашуро;
• правее бумажная этикетка*: ДВА СФК // Автор Григорьев Б. Д. // Название «Няньки в Булонском // лесу» // Техника К. гуашь, 1915, 54 × 76 // Выставка «Русск. авангард» — ИСП. // Владелец В. А. Дудакова //М. К. Кашуро;
• в правом нижнем углу пластиковая этикетка*: NIÑERAS EN EL BOSQUE DE BOULOGNE.1915 // GRIGORIEV BORIS DMITRIEVICH (1886–1939) // Cartón, aguada 54 × 76 cm // Colessión de V.A.Dudakov y M.K.Kashuro

* — этикетки связаны с экспонированием работы на выставке Vanguardismo ruso de colecciones privadas (1900–1935), 1991, Валенсия, Испания

Выставки:
• Russian Art Exhibition, 8 марта — 20 апреля 1924, здание Grand Central Palace, Нью-Йорк, США;
• Художники России за рубежом (XIX — начало ХХ веков). Из частных коллекций. . Центральный Дом литераторов им. А. А. Фадеева. Клуб коллекционеров при Советском Фонде культуры, Москва;
• Борис Григорьев. К 50-летию памяти художника. Живопись и графика, из музеев и частных собраний. 1989, Псковский государственный объединенный историко-архитектурный и художественный музей-заповедник, Псков;
• Vanguardismo ruso de colecciones privadas (1900–1935), май — июнь 1991, Museo de la Ciudad (Palacio Marqués de Campo), Валенсия, Испания;
• Охотники за искусством. 21 апреля — 29 августа 2021, Музей русского импрессионизма, Москва

Публикации:
• Борис Григорьев : каталог выставки : к 50-летию памяти художника, живопись и графика, из музеев и частных собраний / Управление культуры Псковского Облисполкома, Псковский государственный объединенный историко-архитектурный и художественный музей-заповедник, Псковское отделение Советского фонда культуры ; автор-исполнитель Р. Н. Антипова. — Псков : [б. и.], 1989. С. 30 (б/илл.);
• Vanguardismo ruso de colecciones privadas, 1900-1935 : [exposición celebrada en] Palacio del Marqués del Campo, Museo de la Ciudad, Valencia, mayo - junio 1991 / [textos de Orlando Franco, Dmitrij Sarabiánov y Valeri Dudakov ; traducción de Victoria Hayward].— [Valencia] : Galería XXI , D.L. 1991. С. 154 (без илл);
• В. Дудаков, М. Кашуро = V. Dudakov, M. Kashuro : каталог / сост.: К. Дудаков-Кашуро, Г. Казарян. — Санкт-Петербург : Золотой век ; Москва : АртПриор, 2006 (Русское искусство. Частное собрание = Russian art. Private collection). С. 55. Кат. 21 (воспр. в цвете);
• Римма Антипова. Каталог Псковской выставки Бориса Григорьева, 1989 / Псковский государственный объединенный историко-архитектурный и художественный музей-заповедник, при поддержке AVC Charity Foundation. — [Москва] : изд-во «Астрея-центр», 2015. С. 87 (воспр. в цвете);
• Охотники за искусством : [музей русского импрессионизма, 21 апреля — 29 августа 2021 : каталог выставки] / [авторы статей Владимир Березовский [и др.]]. — Москва : Музей русского импрессионизма, cop. 2021. С. 107 (воспр. в цвете)

Провенанс: 
• собрание А. Л. Мясникова;• собрание В. А. Дудакова и М. К. Кашуро

По краям листа обветшание картона и бумаги

Работа оформлена в раму со стеклом (62,5 × 83,5)

*** 
Борис Дмитриевич Григорьев (1886–1939) — выдающийся русский художник, чей неповторимый авторский стиль никогда полностью не вписывался ни в одно из существовавших в русском искусстве объединений или направлений. Его манера построена на удивительном сочетании модернистского и классического искусства, на любви к экспрессии, упрощенным формам, яркому цвету, динамичной композиции и в то же время на тяге к реалистичному, фигуративному отображению натуры, которое сам художник называл «импрессионистическим» видением мира. 

После эмиграции в 1919 году о Борисе Григорьеве на его родине забыли на долгие десятилетия, его первая выставка прошла в СССР лишь в конце 1980-х. И в то же самое время Григорьев, живший в основном во Франции, стал одним из самых известных русских художников за рубежом, много выставлялся и путешествовал. Как писал он в 1926 году своему другу, поэту-футуристу Василию Каменскому: «Сейчас я первый мастер на свете… Я не извиняюсь за эти фразы. Надо знать самому, кто ты, иначе не будешь знать, что и делать. Да и жизнь моя святая от труда сверх и чувства сверх, и 40 лет моих это доказывают. Я не боюсь любого конкурса, любого заказа, любой темы, любой величины и любой скорости». 

Сегодня подобные высказывания Григорьева выносятся в эпиграфы больших выставок художника, проводимых в крупнейших российских государственных и частных музеях. Самой последней была ретроспектива более 200 работ мастера в петербургском Музее Фаберже. Имя Бориса Григорьева уже несколько десятилетий громко звучит на международных и отечественных аукционах искусства. AI Аукцион представляет в рамках своих больших весенних торгов «Первые имена» выдающееся произведение Бориса Григорьева — «Няньки в Булонском лесу». 

Основой для большой гуаши, датируемой 1915 годом, послужил более ранний рисунок свинцовым карандашом «Париж в саду» («Парижане»), созданный Григорьевым в 1913 году во время пребывания во французской столице. Фигуры двух задремавших или занятых рукоделием нянек и сидящего от них слева мужчины почти в точности повторяются в большой гуаши. При этом к большой композиции добавлены персонажи идущей женщины и ребенка. 

Григорьев обращался к этому натурному впечатлению и позже. На большой живописной работе «Зоопарк» 1917 года, сегодня принадлежащей собранию Музея русского искусства в Ереване, в правом нижнем углу на лавочке мы узнаем всё тех же нянек из Булонского леса, склонивших головы в своих объемных шляпках.

Борис Григорьев впервые оказался в Париже весной 1913 года и задержался в городе на четыре месяца. Французская столица стала для художника неиссякаемым источником вдохновения, его второй духовной родиной. Григорьев исходил Париж вдоль и поперек, рисуя, по шуточному выражению А.Н. Бенуа, «что попало и как попало». Он создал здесь сотни рисунков, эскизов, набросков, а затем и законченных произведений на их основе. Водоворот столичной жизни затягивал Григорьева в балаганы и кабаре, цирки и зоопарки, кафе и рестораны, ночные карнавалы и тенистые парки. Его моделями становились абсолютно все слои парижского общества — консьержки, циркачи, гарсоны, обыватели, музыканты, дети и их няньки.

Эксперты по творчеству Григорьева полагают, что окончательно авторский почерк художника сложился именно в Париже, в эти четыре месяца. Воздух французской столицы будто расковал несколько условный, театрализированный мир образов более раннего Григорьева, внес в него дыхание повседневной жизни, научил руку беспрекословно подчиняться его чувственному ощущению, получаемому от натуры. На первый план вышла свободная, экспрессивная линия, бегущая по листу бумаги вслед за быстро схваченным глазом сюжетом. Эту линию повсюду сопровождает сплошь тонированный, «пушистый» штрих, получаемый от плоско положенного карандаша. В представленной на торгах работе карандашную растушевку заменяет такая же свободная, динамичная линия гуашью. 

Гуашь «Няньки в Булонском лесу» имеет солидную выставочную историю и провенанс. Работа принимала участие в «Выставке русского искусства в Нью-Йорке» в 1924 году, в первой в СССР ретроспективе Бориса Григорьева, проведенной в Псковском музее-заповеднике в 1989 году при содействии академика Дмитрия Лихачёва. 

Работа Бориса Григорьева «Няньки в Булонском лесу» происходит из легендарного собрания доктора Александра Леонидовича Мясникова (1899–1965), чьё имя сегодня носит Институт клинической кардиологии. Стоявший у истоков советской медицины Александр Мясников был не только выдающимся медиком, но и заядлым коллекционером. По свидетельствам современников, обладавший мягким и добросердечным нравом Мясников и в искусстве предпочитал произведения мягких тонов и радостные сюжеты. Это описание как нельзя лучше подходит к работе Григорьева — одной из немногих, чью принадлежность к коллекции Александра Мясникова удалось доподлинно установить. Как часть его собрания, гуашь «Няньки в Булонском лесу» была включена в 2021 году в экспозицию выставки «Охотники за искусством» в Музее русского импрессионизма (Мария Онучина, AI) 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Няньки в Булонском лесу

Слева внизу подпись и авторская надпись: Boris Grigoriev // N-Y

На подрамнике: слева вверху аукционная этикетка

На тыльной стороне рамы, внизу по центру, бумажная этикетка багетной мастерской Fanous Fine Art Frames (Лондон)

Выставки: 
• Paintings and Drawings by Boris Grigoriev (New Pictures and The New Gallery). 18 ноября — 15 декабря 1923, New Gallery, Нью-Йорк. Кат. № 14 — вторая персональная выставка Бориса Григорьева в Нью-Йорке в New Gallery;
• Борис Григорьев. «Первый мастер на свете». 22 сентября 2023 — 28 января 2024, Музей Фаберже, Санкт-Петербург

Провенанс:
• Sothebys, Лондон, 7 июня 2016. Лот № 87

Публикация:
• Галеева Т.А. Борис Дмитриевич Григорьев. — СПб.: Золотой век, Художник России, 2007. С. 207 (работа приведена в списке произведений Б.Д.Григорьева, экспонированных на второй персональной выставке в Нью-Йорке в New Gallery)

Работа оформлена в раму (88 × 58)

*** 
Борис Дмитриевич Григорьев — блестящий русский художник, обладавший великолепной техникой и неповторимой особенностью рисунка. Его жизнь — это бесконечная «перемена мест», череда странствий и скитаний, до предела заполненных работой. 

Детство и юность Бориса Григорьева прошли в Рыбинске, где его приемный отец служил в местном отделении Волжско-Камского банка. Затем последовали переезд в Москву и учеба, сначала — в Практической академии коммерческих наук (raruss.ru), потом — в Строгановском художественно-промышленном училище (1903–1907). В 1907 году Григорьев приехал в Петербург и до 1913 в качестве вольнослушателя занимался в петербургской Академии художеств у А. А. Киселева и Д. Н. Кардовского. Именно Д. Н. Кардовский поразил молодого человека виртуозным владением линией и воспитал в нем отношение к рисунку как основе любого произведения, как к самоценному жанру. В остальном взгляды и стремления Григорьева с академической школой расходились. Уже в 1909 он вошел в состав «Студии импрессионистов» — объединения молодых художников, творчески близких к футуристам. Познакомился с Д. Д. Бурлюком и В. В. Хлебниковым, посещал группу «Треугольник» под руководством Н. И. Кульбина. Академию Григорьев «не закончил, вовремя не представив, как того требовали правила, конкурсной картины на звание художника» (raruss.ru).

В 1909–1913 Григорьев много путешествовал и жил в Европе (в Париже, Австрии, Скандинавии). В 1913 вошел в объединение «Мир искусства», на выставках которого активно экспонировались его работы, в основном большая серия парижских рисунков «Интимность», темой которой стали типажи непарадного Парижа. Консьержки, клоунессы, гарсоны, обыватели вдохновили Григорьева на создание нескольких тысяч рисунков, отточили мастерство художника, научили его руку беспрекословно подчиняться его чувственному ощущению, получаемому от натуры. 

С 1911 публиковал свои рисунки в журналах «Сатирикон» и «Новый Сатирикон», оформлял русский фольклор. В 1915–1916 совместно с А. Е. Яковлевым и С. Ю. Судейкиным расписал интерьеры литературно-артистического кабаре «Приют комедиантов». К этому времени уже сформировались типические черты стиля художника — с изысканной, гибкой линией в качестве доминирующего начала формы. Характерны для Григорьева портреты, изображающие человека-в-роли, человека-лицедея.

Несмотря на близость с футуристами, он избегал крайних форм авангарда. Его образы стремились к натуроподобию, что естественно привело Григорьева к созданию одного из лучших и знаменитейших циклов «Расея», изданного в 1918 в виде альбома с текстами П. Е. Щеголева, Н. Э. Радлова и самого художника. 

В 1918 Григорьев вступил в члены 1-го профессионального союза художников в Петрограде и преподавал в Строгановском училище. В 1919 он тайно покинул Россию, переплыв с семьей в лодке Финский залив (raruss.ru). 

А дальше были годы эмиграции, работа, выставки, признание. Большую часть своей жизни Борис Дмитриевич Григорьев был знаменит, десятки его работ охотно покупали коллекционеры и музеи России, Франции, Америки, Чили, Чехии и других стран. Он имел за рубежом славу «артиста линии», «великого русского художника», благодаря своему колоссальному трудолюбию и работоспособности. В 1926 в эмиграции Григорьев писал о себе: «Сейчас я первый мастер на свете. Я не извиняюсь за эти фразы. Надо знать самому, кто ты, иначе не будешь знать, что и делать. Да и жизнь моя святая от труда сверх и чувства сверх, и 40 лет моих это доказывают. Я не боюсь любого конкурса, любого заказа, любой темы, любой величины и любой скорости» (из письма поэту В. В. Каменскому, raruss.ru). 

«Борис Григорьев впервые побывал в США по приглашению Кристиана Бринтона в октябре 1923 года. Ранее в том же году состоялась выставка его работ в Вустерском художественном музее, директором которого был Рэймонд Хеннике-Хитон. Настоящий портрет, должно быть, был написан в месяц между приездом Григорьева и открытием его выставки в The New Gallery, где выставлялось это произведение.

В архивах Frick Art Reference Library хранится фотография этого портрета, подаренная в 1940 году коллекционером и дилером Джорджем Сидни Хеллманом из Нью-Йорка» (sothebys.com).

Картина в экспозиции выставки «Борис Григорьев. “Первый мастер на свете”». Музей Фаберже, Санкт-Петербург

Портрет Рэймонда Хеннике-Хитона (Raymond Henniker-Heatton)

 Другие названия: Деревенский бобыль-гармонист (по А. Р. Киселевой, О. С. Темериной), Весельчак. 1880-е (по В. А. Петрову)

В правом нижнем углу подпись: ѲЖуравлевъ

На подрамнике, справа вверху, бумажная этикетка: ФГБУК «ВХНРЦ // им. ак. // И. Э. ГРАБАРЯ» // ЭК 291/22

Экспертное заключение ВХНРЦ имени академика И.Э. Грабаря № 7. ЭК-291-22 от 23 января 2023. Эксперт А.Р. Киселева, председатель экспертного совета О. С. Темерина

Экспертное заключение ВХНРЦ имени академика И.Э. Грабаря № 662. ЭК – 764-07 от 12 сентября 2007. Зав. отделом научной экспертизы А. Р. Киселева, эксперт Т. П. Горячева

[Результаты исследования представленной для проведения экспертизы работы] б/н от 17 декабря 2006, Москва. Искусствовед В. А. Петров

Незначительный кракелюр

Работа оформлена в раму со стеклом (59 × 48,7) 

Деревенский гуляка (Бобыль-гармонист)

Справа внизу подпись: АКиселевъ

На обороте, вверху справа, надпись: 56

На подрамнике: вверху слева старая бумажная этикетка: ГЦХНРМ им. И. Э. Грабаря // Отдел масл жив. // Музей Частн собр // худ Киселёв А // Название «У Терека // Реставратор Егоров В. Д.; в левом верхнем углу бумажная этикетка: ЦХЭ им. И. Е. Репина // Э-381/18_3

ГЦХНРМ им. И. Э. Грабаря — название ВХНРЦ имени академика И. Э. Грабаря до 1974 года

Экспертное заключение ЦХЭ им. И. Е. Репина Э-381/18_3, № 2037-1-21 от 21 августа 2021. Историк искусства, эксперт по культурным ценностям Т. П. Горячева

Холст дублирован

Работа оформлена в раму со стеклом (90,5 × 108)

*** 
Александр Александрович Киселёв — один из лучших русских пейзажистов второй половины XIX века.

Александр Киселёв родился в семье военного в Свеаборге. Учился во 2-м кадетском корпусе в Петербурге (1852–1858), курса не окончил, в Санкт-Петербургском университете на историко-филологическом факультете (1858–1861).

С 1862 занимался в ИАХ: сначала в качестве вольнослушающего, затем — постоянного ученика в пейзажном классе у С. М. Воробьева. Награжден малой (1862) и большой (1863) серебряными медалями. В 1864 получил звание классного художника 2-й степени. Регулярно участвовал в академических выставках.

В 1864–1875 жил в Харькове. Работал в адвокатуре, занимался иконописью, давал уроки рисования, писал заметки в местных газетах и журналах. 

В 1875 переехал в Москву. В том же году принял участие в выставке ТПХВ, в 1876 вошел в состав Товарищества, стал постоянным экспонентом выставок передвижников (до 1911). Был членом Московского общества любителей художеств. Неоднократно совершал творческие поездки на Кавказ. В 1882 путешествовал по Германии и Франции, в 1888 побывал в Италии и Франции, в 1908 снова посетил Францию. В 1893 был избран действительным членом ИАХ.

С 1891 публиковал статьи в журнале «Артист», в 1893–1894 заведовал художественным отделом журнала. Принимал активное участие в организации 1-го съезда русских художников и любителей художеств в Москве.

С 1895 жил в Петербурге. В 1895–1897 был инспектором классов Высшего художественного училища живописи, скульптуры и архитектуры при ИАХ. С 1897 руководил пейзажной мастерской Училища. В 1899 «за известность на художественном поприще» был удостоен звания академика. Экспонировал свои работы на Всемирной выставке 1900 в Париже.

Произведения Киселева находятся во многих музейных собраниях России, в том числе в Государственном Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, ГМИИ им. А. С. Пушкина и других. 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Вид р. Арагви, Вороньей башни и монастыря Св. Нины близ Мцхеты

Справа внизу подпись и дата: АКиселевъ 1893 г (инициалы переплетены, фрагмент буквы и утрачен)

На подрамнике, вверху слева, бумажная этикетка: ЦХЭ им. И. Е. Репина Э – 1/14_62

Экспертное заключение ЦХЭ им. И. Е. Репина Э – 1/14_62, № 0320-1-16 от 16 декабря 2016. Историк искусства, эксперт по культурным ценностям Т.П. Горячева

Кромки холста подведены

Работа оформлена в раму (136,4 × 110)

*** 
Александр Александрович Киселёв — один из лучших русских пейзажистов второй половины XIX века.

Александр Киселёв родился в семье военного в Свеаборге. Учился во 2-м кадетском корпусе в Петербурге (1852–1858), курса не окончил, в Санкт-Петербургском университете на историко-филологическом факультете (1858–1861).

С 1862 занимался в ИАХ: сначала в качестве вольнослушающего, затем — постоянного ученика в пейзажном классе у С. М. Воробьева. Награжден малой (1862) и большой (1863) серебряными медалями. В 1864 получил звание классного художника 2-й степени. Регулярно участвовал в академических выставках.

В 1864–1875 жил в Харькове. Работал в адвокатуре, занимался иконописью, давал уроки рисования, писал заметки в местных газетах и журналах. 

В 1875 переехал в Москву. В том же году принял участие в выставке ТПХВ, в 1876 вошел в состав Товарищества, стал постоянным экспонентом выставок передвижников (до 1911). Был членом Московского общества любителей художеств. Неоднократно совершал творческие поездки на Кавказ. В 1882 путешествовал по Германии и Франции, в 1888 побывал в Италии и Франции, в 1908 снова посетил Францию. В 1893 был избран действительным членом ИАХ.

С 1891 публиковал статьи в журнале «Артист», в 1893–1894 заведовал художественным отделом журнала. Принимал активное участие в организации 1-го съезда русских художников и любителей художеств в Москве.

С 1895 жил в Петербурге. В 1895–1897 был инспектором классов Высшего художественного училища живописи, скульптуры и архитектуры при ИАХ. С 1897 руководил пейзажной мастерской Училища. В 1899 «за известность на художественном поприще» был удостоен звания академика. Экспонировал свои работы на Всемирной выставке 1900 в Париже.

Произведения Киселева находятся во многих музейных собраниях России, в том числе в Государственном Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, ГМИИ им. А. С. Пушкина и других. 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

На берегу пруда. Пейзаж с рыбачком

Слева внизу подпись и дата: Юлiй Клеверъ. 1883.

На обороте холста разрозненные надписи графитным карандашом

На средней планке подрамника внизу бумажная этикетка: ФГБУК «ВХНРЦ // им. ак. // И. Э. Грабаря // ЭК 436/23

Экспертное заключение ВХНРЦ имени академика И. Э. Грабаря № 264. ЭК-436-23 от 30 ноября 2023. Эксперт А. Р. Киселева, председатель экспертного совета О. С. Темерина

Холст дублирован, деформация холста, обветшание холста по краям и углам, нарушения красочного слоя

Работа оформлена в раму (222 × 265) 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Лес

Другое название (по С. А. Соловейчик): Многоцветная супрематическая композиция «Треугольник в круге» (картон, гуашь)

Слева внизу подпись: И. КЛЮН.

Оборот скрыт

Экспертное заключение НИНЭ имени П. М. Третьякова ОГ 19849, № 12768-45 от 16 августа 2023. Эксперт, кандидат искусствоведения Е. М. Пономаренко

Экспертное заключение ИГЕМ РАН № 1, № 13104-02-10-222 от 3 июля 2023. Эксперт: ведущий научный сотрудник ИГЕМ РАН, кандидат геолого-минералогических наук, председатель Российской группы по глинам и глинистым минералам В. В. Крупская

Протокол испытаний ИГЕМ РАН № 14/23 от 29 июня 2023, № 13104-02-10-223 от 3 июля 2023. Ответственный исполнитель В. В. Крупская

Заключение б/н от 4 мая 2021, удостоверяющее происхождение работы из архива И. В. Клюна. Хранитель архива внучка И. Клюна Светлана А. Соловейчик

Работа оформлена в раму со стеклом (44,3 × 35,9) 

Супрематическая композиция

Справа внизу подпись: P. Kontchalovsky

На обороте надпись (частично скрыта подрамником): 293 // Kontchalovsky // 1918

На подрамнике, слева вверху, бумажная этикетка: НИНЭ имени П. М. Третьякова // № 19143

Экспертное заключение НИНЭ им. П.М.Третьякова ОЖ 19143, № 11943-35 от 05 декабря 2022. Эксперт Ю. В. Чайкина

Приложение № 1 к Экспертному заключению ОЖ 19143 б/д. Результаты исследования пигментного состава и связующего живописи. Эксперт, кандидат химических наук И. Н. Шибанова

Публикация (по Ю. В. Чайкиной): Кончаловский: художественное наследие / сост. К. В. Фролова. М.: Искусство, 1964. С. 165 (работа внесена в дополнительный список произведений П. П. Кончаловского)

Кромки холста подведены, незначительный кракелюр

Работа оформлена в раму (91,7 × 100)

*** 
Пётр Петрович Кончаловский (1876–1956) — выдающийся русский и советский живописец, один из лидеров раннего авангарда, глава объединения «Бубновый валет» и один из самых верных последователей идей Поля Сезанна в России. Пётр Кончаловский был одним из немногих авангардистов, кто после революции смог найти общий язык с новой властью и продолжать работать. Манера «бубновалетовца», безусловно, претерпела изменения, от сезаннизма пришлось отказаться в пользу реализма, однако это не помешало Кончаловскому построить еще 30 лет творческой карьеры и стать одним из классиков советского искусства, образцом для подражания будущим поколениям художников, включая как соцреалистов, так и нонконформистов. Для этого оказалось достаточно просто писать портреты близких, пейзажи и цветочные букеты. 

Начиная с ранних работ в духе Матисса и Сезанна, через кубистические опыты и далее, когда художник вернулся к реалистической манере письма в 1920–50-е годы, натурные зарисовки садовых цветов и домашние композиции с букетами были излюбленными мотивами в творчестве Петра Кончаловского на протяжении всей его творческой биографии. 

Как писал живописец, «Цветок нельзя писать „так себе”, простыми мазочками, его надо изучить так же глубоко, как и все другое. Цветы — великие учителя художников: для того чтобы постигнуть и разобрать строение розы, надо положить не меньше труда, чем при изучении человеческого лица… Я пишу их, как музыкант играет гаммы… Это грандиознейшее упражнение для каждого живописца».

В рамках аукциона «Первые имена» на торги выставляется солнечная картина Петра Петровича Кончаловского «Пейзаж. Огород», в которой свободная, яркая манера письма сочетается с точностью натурного впечатления. Пейзаж датируется 1918 годом. В этот период исследователи творчества Кончаловского отмечают возврат художника к своим ранним опытам в духе импрессионизма. «Как некогда в ранних вещах, перед Кончаловским вновь возникает проблема света и воздуха в пейзаже», — описывает этот период М. Л. Нейман. 

В этой работе Пётр Кончаловский стремится к импрессионистической непосредственности восприятия природы. В большом формате сохраняются черты живописного этюда, естественность пленэра. Художник пишет легко и свободно, размашистыми пастозными мазками. Фактура красочной поверхности в этот период особенно занимала Кончаловского. Начиная с 1916 года, по словам самого живописца, он «почти не мог отделаться от вопросов фактуры, что бы ни писал, — забота о поверхности стала одной из составных частей моей манеры».

Помимо фактуры и пленэрной непосредственности, в работе «Пейзаж. Огород» решающая роль отведена, конечно же, цвету. Пётр Кончаловский, который вслед за своим кумиром Сезанном признавал лишь чистый цвет, пишет сочно, ярко, контрастно. Головки подсолнухов горят золотом на фоне разнообразных зеленых оттенков листьев и насыщенного голубого цвета неба. Палитру дополняют алые головки других растущих в поле цветов. Тональные отношения в высшей степени гармоничны. Золотистая полоска засеянного поля вдалеке с растущей за ней полосой леса замыкает картину, придает завершенности композиции. 

Работа «Пейзаж. Огород» (1918) внесена в дополнительный список произведений, опубликованный в монографии К. Фроловой «Кончаловский. Художественное наследие» (М., 1964. С. 165). Как подлинное произведение классика русско-советской школы живописи, картина имеет высокое художественное, антикварно-коллекционное и музейное значение (Мария Онучина, AI).  

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Пейзаж. Огород

Левая часть:
200 × 150

На обороте, справа внизу, авторская надпись, частично скрытая подрамником: 1 (обведено в круг) // 200 × 150  // V. Koshlyakov // 002 // Старый Чикаго

На подрамнике: в левом верхнем углу круглая бумажная аукционная наклейка; в правом верхнем углу надпись (частично скрыта отворотом холста): # // 150 × 200; слева по центру разорванная этикетка арт-галереи Maya Polsky (Art Gallery Maya Polsky Gallery), Чикаго с указанием названия: The Loop («Петля»)

Правая часть:
200 × 150

На обороте, слева внизу, авторская надпись (частично скрыта подрамником): V. Koshlyakov // 002 // 2 (обведено в круг) //  // Чикаго (Стар. город)

На подрамнике: слева по центру бумажная этикетка арт-галереи Maya Polsky (Art Gallery Maya Polsky Gallery), Чикаго с указанием названия: The Loop («Петля»); справа по центру и в правом верхнем углу разрозненные бумажные аукционные наклейки 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.

Старый Чикаго. Диптих

Другие названия (по Sotheby’s, 2021; Weschler's, 2008): Still Life with Broken Flower Pot (Натюрморт с разбитым цветочным горшком); Still Life with Potted Plant and Pipe (Натюрморт с растением в горшке и трубой)

В левом нижнем углу подпись и дата: КРАСС-62

Оборот скрыт

Устное подтверждение Экспертного совета ARTinvestment.RU

Провенанс (по А. Г. Ушакову, базе аукционных результатов ARTinvestment.RU):
• собрание Стэнли Уэймана, фотокорреспондента журнала Life, работавшего в Москве в начале 1960-х;
• хранилась в семье С. Уэймана до 2008;
• продана на аукционе Weschler's, Washington D.C., США, 13.09.2008 (American & European Fine Art, Sale 1317), лот 524; работа была выставлена как произведение неизвестного русского автора ХХ века (A Russian Twentieth Century) с эстимейтом $500–700 и продана с результатом $75250 (с учетом BP);
• продана на аукционе Sotheby's, Лондон, 30.11.2021

«Натюрморт с водопроводной трубой» (1962) включен в готовящуюся к изданию книгу А. Г. Ушакова, составителя трехтомника «Дмитрий Краснопевцев. Дневники. Графика. Живопись» (М. : Бонфи, 2007)

Работа оформлена в раму (72,7 × 75,7)

*** 
Дмитрий Михайлович Краснопевцев (1925–1995) – один из главных художников-шестидесятников, мастер натюрморта, ключевая фигура «метафизического» направления в советском искусстве. Само понятие метафизической живописи отсылает к периоду в итальянской живописи 1920-х годов со свойственными ему отказом от видимой реальности и расширением границ изобразительности через обращение к глубинным, иррациональным уровням осмысления действительности. Искусство Краснопевцева созвучно поэтике итальянских метафизиков. Натюрморт для него, как и для этих художников-модернистов, выступил способом исследования внутренних задач искусства, в процессе решения которых его произведения приобретали вид облаченных в живописную форму философских размышлений над проблемами времени, преходящего характера бытия и других центральных онтологических категорий.

«Дмитрий Краснопевцев — вне групп и течений, это одинокий мастер, его невозможно поставить в ряд, назвав предшественников. Как человеку, Краснопевцеву в высшей степени присуще очень органичное чувство достоинства, художническая гордость, а если брать его в отношении к времени — ему свойственно стоическое противостояние без эффектных жестов, манифестов и деклараций. Как известно, он пишет натюрморты. Если признать, что натюрморт — это философия живописи, можно сказать, что художник осмысливает онтологические категории: жизнь, смерть, время, вечность. Его излюбленные образы — раковина, камень, засохший ствол, разбитый сосуд; они живые, но словно бы окаменевшие. Глядя на них, невольно вспомнишь: “На твой безумный мир один ответ — отказ“», — писала о творчестве Дмитрия Краснопевцева директор ГМИИ им. А.С. Пушкина И. А. Антонова (Искусство Краснопевцева // Дмитрий Краснопевцев. М.: Галерея «Дом Нащокина», 1995. С. 7 (б/п)). 

Выдающийся советский и российский музейный деятель Ирина Александровна Антонова была одним из главных почитателей искусства Краснопевцева и сделала немало для его продвижения. Именно она способствовала проведению в 1993 году персональной выставки художника в ГМИИ им. А. С. Пушкина и смогла организовать в Музее личных коллекций уникальный зал «Мастерская Дмитрия Краснопевцева». В экспозиции этого зала представлены рисунки, офорты, картины и артефакты из мастерской художника (всего около 700 предметов), переданные музею после смерти художника в 1995 году вдовой Лидией Павловной Краснопевцевой. 

Представленная на торгах живописная работа Дмитрия Краснопевцева «Натюрморт с водопроводной трубой» датируется 1962 годом. По мнению исследователей творчества художника, 1960-е годы стали ключевым периодом в становлении его творческой манеры. «Если 1950-е для Краснопевцева были еще временем ученичества, то в период с 1961 по 1964 год происходило активное формирование метода, а в 1964–1967 годы шла драматическая разработка взаимоотношения предметов в картине, их связей друг с другом и со зрителем», — пишет Ростислав Климов (Там же. С. 20).

 «В 60-х годах предметы натюрмортов Краснопевцева окончательно перестают играть самих себя. Срежиссированные волей художника, они выстраиваются в композиции-символы. Думается, что в этот отрезок времени картины Краснопевцева непосредственнее, чем когда-либо, передают его отношение к действительности», — пишет Инесса Меркурова (Там же. С. 25).

К слову, предметы, которые Дмитрий Краснопевцев использовал для составления своих метафизических натюрмортов, как правило, брались им из собственной коллекции. Многое досталось ему от деда — учителя и коллекционера редкостей. Впоследствии Краснопевцев постоянно расширял дедовскую коллекцию, дополняя её книгами, керамикой, камнями, древесными корнями, высушенными листьями, жуками необычных расцветок, раковинами, черепами животных и другими диковинками. 

В «Натюрморте с водопроводной трубой» (1962) Дмитрий Краснопевцев строит композицию из куска трубы, кирпичей и разбитого горшка. Автор в очередной раз поднимает одну из главных тем в своём творчестве — поломанных, «ненужных» вещей. Для Дмитрия Краснопевцева любая вещь — и целая, и несущая на себе отпечаток разрушения — по-своему прекрасна. Так, и в разбитом горшке есть своя поэтика и польза — он по-прежнему является сосудом, из которого произрастает живое растение. А старый кусок трубы или битые кирпичи несут в себе память о чём-то целом, частью чего они когда-то были. В «Натюрморте с водопроводной трубой» (1962) уже в полной мере проявлены характерные признаки авторской манеры Дмитрия Краснопевцева — жесткие контуры, обозначающие силуэты объектов, точно выверенная композиция, а также особое колористическое решение, построенное на сероватых и охристых тонах (Мария Онучина, AI). 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Натюрморт с водопроводной трубой

В левом нижнем углу подпись и дата: К. Крыжицк (iй — утрачены) // 93.

На подрамнике, слева вверху, бумажная этикетка: ЦХЭ им. И. Е. Репина // Э-593/21_179

Экспертное заключение ЦХЭ им. И. Е. Репина Э – 593/21_179, № 3136-1-23 от 18 ноября 2023. Историк искусства, эксперт по культурным ценностям Т. П. Горячева; заведующий отделом экспертизы В. А. Пятков

Холст дублирован, кракелюр

Работа оформлена в раму со стеклом (68,4 × 76,3) 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Взморье. Каменистый берег

Слева внизу подпись и дата: ЛАГоРIо 1899

На подрамнике: в нижней части левой вертикальной планки бумажная этикетка: Всероссийский худ. // научно-реставрационный // центр им. ак. И. Э. Грабаря // ЭК 2320-03; в левой части нижней планки бумажная этикетка: ФГБУК «ВХНРЦ // им. ак. // И. Э. ГРАБАРЯ» // ЭК 402/23

Экспертное заключение ВХНРЦ имени академика И. Э. Грабаря № 228. ЭК-402-23 от 23 октября 2023. Эксперт Н. С. Игнатова; председатель экспертного совета О. С. Темерина

Кромки холста подведены, кракелюр

Работа оформлена в раму (77 × 95)

*** 
Потомок аристократического генуэзского рода, сын вице-консула королевства Обеих Сицилий Лев Лагорио, впоследствии принявший русское подданство, появился на свет в крымской Феодосии. Учеба у Айвазовского (1839–1840), заграничное пенсионерство (1853–1860), Париж, Рим, многие годы проживания и работы в Петербурге, ежегодные поездки по России напитали восприимчивую душу художника огромным количеством впечатлений, отразившихся в его рисунках и полотнах, которые нравились публике, покупались в собрания Академии художеств, частные коллекции и картинные галереи. 

Художник неоднократно бывал на Кавказе. В частности, совершил очередную поездку в 1861 году: за созданные в путешествии картины «Дарьяльское ущелье», «Эльбрус» и «Гут-гора» был награжден орденом Св. Анны 3-й степени. В 1863 сопровождал великого князя Михаила Николаевича в поездке по Кавказу. 

Лагорио — один из крупнейших живописцев второй половины XIX века в России, представитель академизма. Для его произведений характерна простота избранного мотива, вместе с тем внутренняя значительность, монументальность. Его величественные морские и горные пейзажи, наполненные воздухом, поражают глубиной перспективы, широтой пространственных построений, мастерской передачей эффектов освещения. 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Морской пейзаж

Слева над плечом девочки подпись и дата: В. Маковскiй // 1880.

На обороте, по центру следы овального штампа: Магазинъ // Ю. ОСБЕРГЪ // ; такие же штампы стоят по центру верхней и нижней планок подрамника

Юлий Романович (Рейнгардович) Осберг (Jules Osberg) — владелец художественного магазина в Москве

На подрамнике: в верхней части левой планки бумажная этикетка выставки «Зеркало души. Портреты и образы в русском искусстве» (2023, галерейный центр «Артефакт», Москва); в левой части верхней планки бумажная этикетка: ЦХЭ им. И. Е. Репина // Э-593/21_50

Экспертное заключение ЦХЭ им. И. Е. Репина Э-593/21_50, № 2169-1-21 от 16 ноября 2021. Эксперт, искусствовед Н. С. Игнатова, зав. отделом экспертизы В. А. Пятков

Выставка: Зеркало души. Портреты и образы в русском искусстве. 22 марта — 9 июля 2023, галерейный центр «Артефакт», Москва

Следы реставрации; на обороте, в центральной части, ниже середины, прямоугольная холщовая заплата

Работа оформлена в раму (75 × 66,2) 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Портрет дочери художника Елены Владимировны Маковской (Стена) в малоросском костюме

Справа внизу подпись: В. Маковскiй

На подрамнике: вверху слева бумажная этикетка ММОМА: № 077. 2023; внизу справа бумажная этикетка: ФГБУК «ВХНРЦ // им. ак. И.Э.ГРАБАРЯ» // ЭК 184/23

Технологическая консультация научно-исследовательской лаборатории ГБУК города Москвы «Московский музей современного искусства» 2023.077 от 31.05.2023. Начальник научно-исследовательской лаборатории В. В. Семикин

Экспертное заключение ВХНРЦ имени академика И. Э. Грабаря № 136. ЭК-184-23 от 15 июня 2023. Эксперт Н С. Игнатова; председатель экспертного совета О. С. Темерина

«Известно, что В. Е. Маковский часто повторял и варьировал найденный сюжет. Исследуемая работа, с некоторыми отличиями в деталях, повторяет его картину “Разговор”, экспонировавшуюся на 23-й выставке ТПХВ в 1895 году» (Н. С. Игнатова)

Экспертное заключение Научно-исследовательского независимого центра экспертиз имени А. Н. Бенуа (Санкт-Петербург) № В 1020/12 от 13 декабря 2022. Заведующая сектором искусствоведческих исследований, доктор искусствоведения Е. В. Нестерова, эксперт-технолог Д. В. Русаков

[Консультация] Государственного Русского музея (Санкт-Петербург) № 1675/12 от 08 июля 2022. Научные консультанты: заведующий отделом живописи второй половины XIX начала XXI веков П. Ю. Климов, ведущий научный сотрудник второй половины XIX начала XXI веков В. Ф. Круглов, специалист по технологическим исследованиям А. Ю. Богданов

Кромки холста подведены, незначительный кракелюр

Работа оформлена в раму со стеклом (65,8 × 59,3) 

Разговор

Справа вверху подпись: C. Makowsky

На обороте, по центру, графитным карандашом надпись: N 22965 // 13 X 35; выше и ниже многочисленные, в том числе зачеркнутые, разрозненные надписи цифрами и латиницей

Экспертное заключение НИНЭ имени П. М. Третьякова ОЖ 21075, № 13046-35 от 15 ноября 2023. Эксперт, искусствовед А. Б. Дергачёва

Работа оформлена в раму со стеклом (53 × 48 см)

*** 
Константин Егорович Маковский (1839–1915) — выдающийся русский живописец второй половины XIX — начала ХХ века. Он виртуозно владел техникой живописи, навыками построения композиции. Его произведения отличаются артистизмом исполнения, обилием подробно выписанных аксессуаров, сочностью цветов, монументальностью даже в работах жанрового характера. Внимание, с которым Маковский относился к тенденциям в искусстве своего времени: академической традиции, передвижничеству, находкам импрессионистов, служило в его творчестве одной цели — запечатлеть красоту окружающего мира, красоту в своем понимании, исполненную изящества и декоративности.

Константин Егорович Маковский наиболее известен, как автор исторических полотен и портретов, однако с тем же высоким мастерством писал он и пейзажи. 

Блестящая классическая выучка позволяла Маковскому писать с натуры быстро и легко, широкой и размашистой кистью, всецело отдаваясь порыву вдохновения. Как вспоминал сын художника Сергей Маковский, «много портретов написано отцом alla prima: именно эти-то пожалуй — самые удачные, так же как этюды природы под открытым небом в один присест» (Сергей Маковский. Портреты современников. Нью-Йорк: Изд-во им. Чехова, 1955. С. 18–19, vtoraya-literatura.com).  

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Женская головка

Справа внизу подпись: C. Makowsky

На обороте: справа вверху дефект холста, зафиксированный тонкой бумагой

На подрамнике: справа вверху обрывок старой бумажной этикетки с печатным текстом: 847; в правом верхнем углу бумажная этикетка: ХХХХ // 2 422 // ГТГ экспертиза // Айдан // галерея; слева вверху бумажная этикетка: НИНЭ имени П. М. Третьякова // № 19260; правее графитным карандашом надпись: N 3566 P; по всему подрамнику следы разрозненных надписей графитным карандашом Экспертное заключение НИНЭ им. П. М. Третьякова ОЖ 19260, № 12105-36 от 27 января 2023. Эксперт Н. С. Игнатова, эксперт А. Б. Дергачева

Следы старой реставрации: холст дублирован

Работа оформлена в раму со стеклом (95 × 126,5)

*** 
Константин Егорович Маковский (1839–1915) — выдающийся русский живописец второй половины XIX — начала ХХ века. Он виртуозно владел техникой живописи, навыками построения композиции. Его произведения отличаются артистизмом исполнения, обилием подробно выписанных аксессуаров, сочностью цветов, монументальностью даже в работах жанрового характера. Внимание, с которым Маковский относился к тенденциям в искусстве своего времени: академической традиции, передвижничеству, находкам импрессионистов, служило в его творчестве одной цели — запечатлеть красоту окружающего мира, красоту в своем понимании, исполненную изящества и декоративности.

Константин Егорович Маковский наиболее известен, как автор исторических полотен и портретов, однако с тем же высоким мастерством писал он и пейзажи. Работы художника в жанре пейзажа достаточно редки. Именно поэтому представленное на торгах «Первые имена» полотно Константина Маковского «Цветущее поле» представляет особенный интерес для искусствоведов, коллекционеров и поклонников творчества художника. 

Пейзажи Константина Маковского отличает прекрасное владение академическим письмом, высокое мастерство в построении форм и пространства и в передаче солнечного освещения. Его любимыми сюжетами были виды летних парков — пышных зеленых аллей, залитых светом. Блестящая классическая выучка позволяла Маковскому писать с натуры быстро и легко, широкой и размашистой кистью, всецело отдаваясь порыву вдохновения. Как вспоминал сын художника Сергей Маковский, «много портретов написано отцом alla prima: именно эти-то пожалуй — самые удачные, так же как этюды природы под открытым небом в один присест» (Сергей Маковский. Портреты современников. Нью-Йорк: Изд-во им. Чехова, 1955. С. 18–19, vtoraya-literatura.com). 

Говоря о пейзажах Константина Маковского, стоит непременно упомянуть одно из любимых мест художника, где его таланту пейзажиста удалось развернуться в полную силу. Речь идет о Качановке — имении украинского общественного деятеля, мецената и коллекционера Василия Тарновского, расположенном на границе Полтавской и Черниговской губерний. Константин Маковский в период с 1878 по 1888 год вместе с семьёй летом регулярно гостил в Качановке. Здесь ему работалось «легко и радостно» — в имении он писал не только портреты и большие жанровые полотна, но и пейзажи. 

Этот период хорошо описывает его сын Сергей: «А сколько пейзажей! Каждое утро уходил отец в парк и маслом или акварелью писал какой-нибудь уголок его: каштановую аллею, где я, сестра Елена, Соня и младший ее брат Петя копались в песке под присмотром старой гувернантки Тарновских madame Leger в неизменном чепце с лиловым бантом; лужок, благоухающий клевером, с носящимися над ним пчелами и стрекозами; папоротниковые заросли поодаль у торфяного болота, кукурузные огороды, высокие мальвы вдоль плетней и обросшие плющем и диким виноградом развалины парка — не то остатки запорожской крепости, не то декоративные руины, сооруженные еще при графе Румянцеве, некогда владевшем Каченовкой» (Сергей Маковский. Там же. С. 50–51).

По словам Сергея Маковского, на колорит отца и на позднейшую манеру его письма, несомненно, повлияли импрессионисты: «Он уверял, что всё же у этих отщепенцев, смутьянов, отвергнутых блюстителями доброго вкуса, много интересной новизны: “Какие живые краски, сколько воздуха и света в их небрежно намалеванных полотнах!”  В своих наиболее удачных этюдах он как бы примыкает к ним, ищет солнечной прозрачности, хочет как можно дальше уйти от тяжелой несвободы академизма» (Сергей Маковский. Там же. С. 90). 

Эти слова как нельзя лучше подходят представленному на торгах пейзажу Константина Маковского «Цветущее поле», датируемому экспертами 1900-ми — началом 1910-х годов. В нём ощущается естественность натурного впечатления и радость жизни. Манера художника отмечена особой легкостью и мастерством: быстрое движение кисти, кладущей краску легкими полупрозрачными слоями, формирует объемы деревьев, пышных зарослей трав и распустившихся полевых цветов. Работа пронизана солнечным светом и словно наполнена ароматами летнего поля. Легкость красочных лессировок передает прозрачность воздуха.

Как редкое и значимое произведение Константина Егоровича Маковского в жанре пейзажа, картина «Цветущее поле» обладает несомненным музейным значением и представляет интерес для частных коллекций отечественной живописи (Мария Онучина, AI). 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Цветущее поле

Внизу, по центру, подпись, дата и надпись: Вл. Немухин — 2009 г. Супер слон.

Экспертное заключение № 53 от 29.01.2024. Эксперт В.С. Силаев

Работа оформлена в раму со стеклом (92 × 72) 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Супер слон

Справа внизу подпись и дата: Орловскiй // 1897

На подрамнике, вверху слева, бумажная этикетка: ФГБУК «ВХНРЦ // им. ак. // И. Э. ГРАБАРЯ» // ЭК 109/22

Экспертное заключение ВХНРЦ имени академика И.Э. Грабаря № 92. ЭК-109-22 от 09 июня 2022. Эксперт А.Р. Киселева, председатель экспертного совета О. С. Темерина

Следы реставрации, холст дублирован, на обороте холста и подрамнике следы, предположительно, от воды

Работа окантована деревянными рейками и оформлена в раму (101 × 140,5) 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Дорожка в березовой роще

На обороте: вверху по центру надпись и дата: Плавинский – 1991 г. // Шкура барана со стихами Хлебникова; в левом верхнем углу штамп: 5738 Museum ART4

Сертификат Museum ART4 б/н от 15 сентября 2021. Подпись: Игорь Маркин

Работа оформлена в раму (84,5 × 112) 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Шкура барана со стихами Хлебникова

Слева внизу подпись и дата: И. Рѣпинъ

На обороте, внизу слева, старая бумажная этикетка с печатным текстом: 1025

На подрамнике, вверху справа, бумажная этикетка: ЦХЭ им. И. Е. Репина // Э-1/14_363

Экспертное заключение ЦХЭ им. И. Е. Репина Э-1/14_363, № 2970-1-23 от 30 августа 2023. Эксперт, искусствовед Н. С. Игнатова, зав. отделом экспертизы В. А. Пятков

Работа оформлена в раму (94,5 × 81,4)

*** 
Илья Ефимович Репин (1844–1930) — крупнейший мастер второй половины XIX века, учитель и педагог, воспитавший несколько поколений художников, и, вероятно, один из наиболее влиятельных живописцев в русской культуре. В своем искусстве Репин стремился в первую очередь осмыслить окружавшую действительность, «олицетворить идеи в правде». Живо вовлеченный в общественную жизнь, он стремился последовательно запечатлеть в живописи образ русского народа, его историю и самосознание и в полной мере отразил художественные искания и духовные устремления, характерные для пореформенной России.

Особое место в творчестве Ильи Ефимовича Репина занимает жанр портрета. Живописец в совершенстве овладел способностью передавать не только внешнее сходство, но и яркий внутренний мир каждой своей модели. Портреты кисти Ильи Репина входят в золотой фонд отечественной живописи. Созданные им работы раз и навсегда сформировали в нашем сознании образы выдающихся людей эпохи. Именно репинские портреты первыми всплывают в памяти, когда мы пытаемся представить, как выглядели и какими людьми были Павел Третьяков, Лев Толстой, Модест Мусоргский и многие другие. Современники Репина высоко ценили портреты кисти художника, мечтали быть им написанными. Как вспоминал Иван Бунин, получив однажды приглашение от Ильи Ефимовича позировать для портрета, он «с радостью поспешил к нему: ведь какая это была честь — быть написанным Репиным!».

Портрет «Молодой человек в мастерской художника» (1914), который AI Аукцион с гордостью представляет в рамках торгов «Первые имена», является ярким и характерным примером портретной живописи Ильи Ефимовича Репина. Голова и плечи молодого человека откинуты на диван, лицо пересекает черная повязка. Черты лица его яркие, запоминающиеся: большие глаза, длинный нос с широкими ноздрями, полный рот и большие уши. Его сложно назвать красивым, и в то же время образ юноши невероятно одухотворенный и возвышенный, его внешность полна благородства. В его больших выразительных глазах, смотрящих в сторону, читается страдание, грусть — вероятно, от физической боли. Репин мастерски передает чувства мужчины, мы ощущаем охватившую его меланхолию. Вместе с тем его образ полон романтизма, создаваемого не только выражением его лица, но и позой, поднятой к лицу тонкой рукой, широким и небрежно распахнутым воротником рубашки. 

Мы не беремся утверждать наверняка, кем является изображенный на портрете. Однако считаем возможным отметить некоторое сходство, имеющееся между мужчиной на представленном портрете и темперным «Портретом Юрия Репина» (единственного сына Ильи Репина) 1905 года, входящим в собрание Государственного Русского музея. 

Как отмечают эксперты, поза юноши перекликается с известной и ныне утраченной работой того же года — портретом Фёдора Шаляпина и его бульдога Бульки. Сохранились фотографии, на которых легендарный оперный певец позирует Репину в его усадьбе «Пенаты» в 1914 году на точно таком же диване, на котором запечатлен наш неизвестный юноша. Шаляпин точно так же откидывается на спинку дивана, за которым мы видим обстановку, безусловно, перекликающуюся с фоном представленного на торгах портрета. 

Портрет «Молодой человек в мастерской художника» Ильи Ефимовича Репина имеет несомненное музейное значение и представляет интерес для частных коллекций отечественной живописи (Мария Онучина, AI). 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Молодой человек в мастерской художника

Псково-Печёрский монастырь

Справа внизу подпись: F Roubaud

На подрамнике: вверху по центру штамп мюнхенского магазина художественных материалов Ханса Кельнера (Hans Kellner); слева вверху бумажная этикетка: ЦХЭ им. И. Е. Репина // Э-6/14_128

Экспертное заключение ЦХЭ им. И. Е. Репина Э-6/14_128, № 2724-1-23 от 08 апреля 2023. Историк искусства, эксперт по культурным ценностям Т. П. Горячева 

Работа оформлена в раму (73,4 × 96) 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Вечерняя молитва

Справа внизу подпись и дата: Е Рухин 68

[Подтверждение подлинности и провенанса] б/н от 14 декабря 2010, подписанное вдовой художника Галиной Поповой и его сыном Львом Рухиным и заверенное нотариально (копия)

Провенанс:
• собрание семьи художника;
• частное собрание (Лондон)

Публикация: Евгений Рухин, 1943–1976 = Evgenii Rukhin, 1943–1976 : [альбом] / [авт.-сост. С. Дарсалия, И. Кушнир]. — [Санкт-Петербург : б. и., 2009]. С. 107 (воспр. в цвете под названием: Без названия (Коллаж из полотенца). 1968. Мешковина, см. техника, коллаж. 99 × 80)

Холст дублирован 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Две сестры

Справа внизу подпись: Н. Самокиш…

На подрамнике, вверху слева, бумажная этикетка: НИНЭ имени П. П. Третьякова // № 5225

Экспертное заключение НИНЭ им. П. М. Третьякова ОЖ 5225, № 2888-26 от 18 июля 2013. Эксперт, историк искусства Т. П. Горячева

Холст дублирован

Работа оформлена в раму (104 × 132,7) 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Охота с гончими

Справа внизу подпись и дата:  // 1923; справа внизу надпись на армянском языке в 2 строки 

На обороте: справа вверху красным карандашом надпись и дата: М. // Сарьян // 1923 // Персики; в средней части листа, справа и слева у краев, обрывки бумаги с неразборчивыми надписями на русском языке; в левом верхнем углу бумажная этикетка: НИНЭ имени П. М. Третьякова // № 12687

Экспертное заключение НИНЭ им. П. М. Третьякова ОЖ 12687, № 8113-35 от 18 февраля 2019. Эксперт Ю.В. Рыбакова

Экспертное заключение [НИНЭ им. П. М. Третьякова]. Приложение № 1 к Экспертному заключению ОЖ 12687 б/н, б/д. Эксперт, кандидат химических наук И. Н. Шибанова.

Провенанс (по Ю. В. Рыбаковой): собрание семьи известного искусствоведа и исследователя древнерусского искусства и искусства средневековой Армении Лидии Александровны Дурново (1885–1963), с 1937 года жившей и работавшей в Армении

Работа оформлена в раму со стеклом (65 × 53,5)

*** 
Мартирос Сергеевич Сарьян (1880–1972) — выдающийся живописец первой половины ХХ столетия, своим творчеством неразрывно связанный как с русской, так и с армянской историей искусства. Сарьяна считают родоначальником современной армянской живописи, творчество художника всегда тяготело к национальным истокам. Его картины отличаются необыкновенным богатством цвета. «Цвет — это истинное чудо! В сочетании с солнечным светом он создаёт внутреннее содержание формы, выражает суть вселенского бытия», — говорил Мартирос Сарьян. При этом мастер в своих работах всегда держался натуры, считая природу своим главным учителем.

В раннем творчестве Мартирос Сарьян был близок символизму, позднее его художественные воззрения изменились, тем не менее он всегда оставался в стороне от основного направления русского (советского) искусства. Живописи и графике Сарьяна, его творчеству, бережно и неизменно наполненному восточным духом, были одинаково чужды новейшие течения — кубизм, футуризм, супрематизм, неопримитивизм, соцреализм. Произведения Сарьяна отличает свободная манера письма, чрезвычайно яркие, выразительные сочетания цветов, подчеркивающие формы живой действительности, будь то бесплодные склоны гор, знойные улочки армянских городов и деревень или блестящая синева южного неба, кажущаяся «избыточность» колорита, что роднит искусство Сарьяна с творчеством французских фовистов. «Цвет у него столь прекрасен, что рядом с нашим Сезанном и Матиссом столетия должны отвести Сарьяну первостепенное место», — писал о Мартиросе Сарьяне французский поэт Луи Арагон, один из ведущих представителей сюрреалистического течения.

На торгах «Первые имена» представлено яркое и характерное произведение Мартироса Сарьяна «Персики» (1923). На фоне глубокого синего неба и сочной зелени художник изображает крепкое и высокое персиковое дерево. Мощный у основания ствол говорит о его почтенном возрасте, тонкие ветви сгибаются под тяжестью сочных, спелых плодов. Этот лаконичный и выразительный «портрет» одного дерева наполнен ощущением летнего южного изобилия с его солнцем и дарами природы.

Мартирос Сарьян пишет гимн красоте окружающего мира, сгущая и без того яркие краски армянского лета. Художник не стремится к полной достоверности, в картине заметна фовистская декоративность и условность. Колорит работы необычайно выразителен. К примеру, на красных плодах персиков мы видим ярко-синие блики, гармонирующие с цветом неба. Отдельные светлые мазки выделяют и наполняют объемом листву на верхних ветках персика и заставляют «блестеть» ствол дерева на фоне глубокой зелени фона.

Известно, что в начале 1920-х годов Мартирос Сарьян не раз обращался к мотиву с персиковыми деревьями. В списке работ художника за 1922–1923 годы, опубликованном в книге Р.Г. Дрампяна «М.С. Сарьян» (М., 1980), значатся несколько этюдов персиковых деревьев с аналогичной техникой создания (холст на картоне, масло).

Работа «Персики» (1923) происходит из собрания семьи известного искусствоведа и исследователя древнерусского искусства и искусства средневековой Армении Лидии Александровны Дурново (1885–1963), с 1937 года жившей и работавшей в Армении (Мария Онучина, AI). 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Персики

Справа внизу подпись: Н. Сверчковъ

На подрамнике: слева по центру обрывок бумажной наклейки; слева внизу бумажная этикетка: Всероссийский худ. // научно-реставрационный // центр им. ак. И. Э. Грабаря // ЭК 71-06; внизу по центру аукционная наклейка: Lot 440 25/11/08 LO8117 Day; внизу справа транспортная этикетка аукциона Hermitage Fine Art Monaco; внизу правой планки бумажная этикетка: НИНЭ имени П. М. Третьякова // № 15421

На тыльной стороне рамы: вверху по центру аукционная этикетка Sotheby’s; справа и слева внизу аукционные этикетки Sotheby’s и Hermitage Fine Art

Экспертное заключение ВХНРЦ имени академика И.Э. Грабаря № 904. ЭК – 71-06 от 20 июля 2006. Зав. отделом научной экспертизы А. Р. Киселева, эксперт Т. П. Горячева

Следы реставрации, холст дублирован, края холста закрыты бумажной лентой

Работа оформлена в раму (122 × 150) 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Дорожная сцена (Помещик на ямской станции)

Публикация:
• В. Дудаков, М. Кашуро = V. Dudakov, M. Kashuro : каталог / сост.: К. Дудаков-Кашуро, Г. Казарян. — Санкт-Петербург : Золотой век ; Москва : АртПриор, 2006 (Русское искусство. Частное собрание = Russian art. Private collection). С. 113. Кат. 75 (воспр. в цвете)

Провенанс:
• собрание Виктора Ивановича Шункова (1900–1967), доктора исторических наук, члена-корреспондента АН СССР;
• собрание семьи В. И. Шункова;
• собрание В. А. Дудакова и М. К. Кашуро

Работа оформлена в паспарту и раму со стеклом (66 × 51)

*** 
Валентин Александрович Серов (1865–1911) — один из наиболее любимых и известных русских художников рубежа XIX — XX веков, выдающийся живописец и рисовальщик, портретист. Серов синтезировал в своем творчестве лучшие традиции русской реалистической школы, уроки старых европейских мастеров, новаторство современных живописцев. Он не только определил развитие стиля модерн в России, но и стал предтечей авангарда. Для русского искусства Серов стал формообразующим художником. Универсализмом и парадоксальностью своего таланта он предвосхитил архетип творческой личности ХХ века.

Исключительная одаренность Серова позволяла ему одинаково ярко проявлять себя в разных сферах изобразительного искусства — в станковой и монументальной живописи, графике, театральном и декоративно-прикладном искусстве. Жанровый диапазон его работ разнообразен и включает исторические картины, пейзажи, бытовые зарисовки, иллюстрации. Но главное — Серов был выдающийся портретист, он создал обширную по количеству и редкую по качеству исполнения и глубине характеристик галерею образов современников, которая отражает всю противоречивость эпохи рубежа веков.

Представленный на аукционе «Первые имена» графический эскиз «Диана и Актеон» Валентина Серова тесно связан с историей Москвы и с последними страницами жизни художника. В начале 1910-х годов знаменитый московский купец Василий Дмитриевич Носов решил передать свой старый особняк на Малой Семёновской улице своему недавно женившемуся сыну Василию Васильевичу и его супруге Ефимии Павловне Рябушинской. Здание 1870-х годов постройки (ныне находится по адресу: Москва, Малая Семёновская улица, 1) было решено перестроить — переделать экстерьер и интерьеры дома. Архитектор А. Н. Агеенко в 1910 году пристроил к дому левое крыло, а архитектор И. В. Жолтовский выполнил парадный столовый зал. 

Росписи для этой парадной столовой были заказаны Валентину Серову. Художник подошел к заказу очень основательно. Серову пришлась по вкусу идея оформить столовую особняка сценами из греческой мифологии, в творчестве он и ранее не раз обращался к древнегреческим мифам. Два крупноформатных альбома, заполненных эскизами, и 15 больших проектов росписей, «изобилующих чудесными деталями и остроумными выдумками», как писал о них И. Э. Грабарь, оставшиеся в серовской мастерской, показывают масштаб задуманных росписей (my.tretyakov.ru). 

В столовой Носовых панно на одной из стен решено было посвятить мифу о гибели детей Ниобеи. На других стенах должны были быть изображены мифы об Аполлоне и Дафне, Эроте и Венере, Диане и Актеоне. Этот последний сюжет должен был занимать левую часть композиции (my.tretyakov.ru). Именно к этой серии эскизов относится представленный на торгах рисунок в смешанной технике.

Согласно мифу, юный охотник Актеон, преследуя оленя, оказался в пещере, где отдыхала богиня Диана со своими подругами. Рассерженная нескромностью смертного, увидевшего ее купающейся, Диана превратила юношу в оленя, и его растерзали собственные собаки. На серовском эскизе мы видим озаренную светом луны фигуру богини Дианы, а у её ног — двух оленей. Расположенные по краям фигуры атлантов наводят на мысль, что эта роспись предназначалась для некой ниши, которую могли обрамлять реальные, а не нарисованные скульптуры.

Довести до конца заказ в особняке Носова Серов, увы, не успел. 5 декабря 1911 года он внезапно умер от сердечного приступа в возрасте 46 лет. Эскиз «Диана и Актеон», представляемый сегодня на торгах, является, таким образом, одной из последних работ художника.

Работа Валентина Серова «Диана и Актеон» происходит из коллекции известного советского ученого, крупного специалиста по истории Сибири, библиографа и библиотечного деятеля Виктора Ивановича Шункова (1900–1967). Как вспоминал о нём коллега, историк Александр Преображенский, Виктор Шунков был превосходным знатоком искусства, отечественного и зарубежного, а в его домашней коллекции были, например, подлинники Рокотова (Виктор Иванович Шунков // Преображенский А.А. Историк об историках России ХХ столетия. М.: Русское слово, 2000. С. 272). 

Из коллекции семьи Шункова работа Серова перешла в не менее известное собрание В. А. Дудакова и М. К. Кашуро. Эскиз «Диана и Актеон» опубликован в каталоге этого частного собрания, изданном в 2006 году (Мария Онучина, AI). 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Диана и Актеон. Эскиз росписи для дома В.В. Носова

В правом нижнем углу подпись и дата: Sooster 63

Экспертное заключение № 317 от 27.01.2016. Эксперт В. С. Силаев

На обороте фотографии работы надпись рукой В. Н. Немухина, его подпись и дата: Подтверждаю работа // Юло Соостера 1963 года // Вл. Немухин 2016 г.

Провенанс (по В. С. Силаеву): собрание М. Таратуты, журналиста-международника, хроникера и писателя-публициста, у которого первое время после освобождения из лагеря в 1957 году жил художник

Работа оформлена в раму (56,3 × 76,5)

*** 
Юло Соостер — один из самых известных представителей «поколения шестидесятых», едва ли не самый европейский (в смысле «заграничный») из шестидесятников первого ряда, семь из десяти отмеренных ему лет отсидевший в лагерях, участник Манежной выставки, организатор знаменитых «вторников» на улице Красина, на которых выпивала и общалась подпольная Москва. Официально — график, иллюстратор научной фантастики. Неофициально — мастер экспериментальной живописи, чья персональная метафизика нашла свое отражение в своеобразном стиле, вобравшем в себя отголоски таких иноземных течений, как онейрический сюрреализм Рене Магритта и Макса Эрнста, информель и абстрактный экспрессионизм. 

В марте 1959 года Юло Соостер писал Андрею Соловьеву: «Знаешь, ташизм, или информизм есть искусство экзистенциализма — непосредственный прикосновение к действительности, без помощи рассуждений, понятий. Мы сами являемся кусками действительности и постигать действительность следует не при помощи толкований, а черес самые первичные инстинкты, не черес мышление, а черес бытие. Так что не “Logito, ergo sum”, а “Sum, ergo sum”» (в письмах, которые опубликовал Тэнно Пент Соостер, сын Юло, сохранены орфография и пунктуация оригинала, magazines.gorky.media).

Лучшими у Соостера считаются картины 1960-х годов, с изображением его любимых форм — помимо яиц, это рыбы, глаза и кусты можжевельника (последние — как непременная часть пейзажа родного острова Хийумаа, предстают в качестве элементов его бессознательного).

«Юло долго не мог найти материал для своих картин, они у него всегда были очень фактурными, а на холсте фактуру сохранить трудно. Наконец нашел картоны, которые держали многослойные фактуры.

Юло был родом с острова Хийумаа — там много можжевельника, и Юло любил его писать. Когда он в первый раз показал мне такую картину, я была поражена, не могла понять, что это. Но потом привыкла, картины уже не казались мне странными, они похожи на эстонские пейзажи. Истинно эстонское искусство, родившееся в России» (Лидия Соостер).

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Можжевельники

В правой нижней части листа подпись: С. Судейкинъ

На обороте: по центру синим карандашом надписи: № /3 // Ничего не закрывать // въ фальцъ // № 2158/3; вверху по центру обрывок бумажной этикетки с печатным текстом: Судейкин Сергей Юрьевич // 1882–1946 // Ф. Ф. Нотгафта); внизу по центру обрывок бумажной этикетки с печатным текстом: Натюрморт (Фарфоровые ф // ). 1909; вверху слева графитным карандашом надпись: Судейкин; в правом верхнем углу надпись: 35378; в левом верхнем углу Товарный ярлык № 35378 комиссионного магазина № 17 «Москуппромторга» от 14 декабря 1961 с описанием вещи, принятой на комиссию (рисунок темпера // Судейкин Натюр- // морт с фигурами // в раме 46 × 64) и продажной цены (75 семьд. пять) 

Экспертное заключение ЦХЭ им. И. Е. Репина Э-593/21_41, № 0301-2-21 от 21 августа 2021. Эксперт, искусствовед О. С. Глебова

Незначительные повреждения бумаги по краям листа

Работа оформлена в раму со стеклом (70 × 85,8) 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Натюрморт с фарфоровыми фигурками

Авторский вариант картины «Праздничный день» (1928, собрание Ульяновского областного художественного музея)

В правом нижнем углу подпись и дата: Ѳ. Сычковъ 1934.

На подрамнике: внизу справа надпись: Сычков; вверху по центру надпись: N 10476 ; вверху слева бумажная этикетка выставки «Зеркало души. Портреты и образы в русском искусстве» (2023, галерейный центр «Артефакт», Москва); вверху справа бумажная этикетка: ЦХЭ им. И. Е. Репина // Э-6/14_138; по всему подрамнику плохо читаемые разрозненные надписи графитным карандашом

На тыльной стороне рамы, слева, надпись: 3/5 104.5 × 75.5

Выставки: • Золотой век искусства России. 21 ноября — 9 декабря 2018. Калининградский областной художественный музей, Калининград;• Зеркало души. Портреты и образы в русском искусстве. 22 марта — 9 июля 2023, галерейный центр «Артефакт», Москва

Экспертное заключение ЦХЭ им. И. Е. Репина Э–6/14_138, № 3024-1-23 от 27 сентября 2023. Эксперт, искусствовед И.В. Геращенко, эксперт, искусствовед Е. В. Гордеева 

Экспертное заключение Русского центра искусства (Калининград) б/н и б/д (копия). Эксперт, член Ассоциации искусствоведов Н. Н. Василевская

Публикации (по Н. Н. Василевской):
• Русская живопись второй половины XIX — начала ХХ века. Из коллекции Рустама Алиева. Каталог / сост. Р. Алиев, авт. текста Т. Бородина, А. Кузнецов, Е. Нестерова. — Калининград : Пикториа Паблишинг. 2018. С. 90;
• Наш музей. 60 лет. Сычковские чтения : к 150-летию со дня рождения Ф. В. Сычкова / Мордовский республиканский музей изобразительных искусств им С. Д. Эрьзи ; редакторская группа: А. М. Лобанова, М. А. Танасейчук. — Саранск : Мордовский респ. музей изобразительных искусств им. С. Д. Эрьзи, 2020. С. 36

Работа оформлена в раму (102,5 × 132,7)

*** 
Федот Васильевич Сычков (1870–1958) — замечательный российский и советский художник, отразивший в своем творчестве яркую, праздничную сторону жизни русского и мордовского крестьянства. От картин Федота Сычкова, от его румяных крестьянок в цветастых платках, от зимних и летних сцен народных гуляний и катаний всегда веет искрящейся радостью и жизнелюбием. Качествами, которыми, по всей видимости, обладал и сам художник, несмотря на не всегда легкие жизненные обстоятельства. 

Федот Сычков родился в 1870 году в селе Кочелаево Пензенской губернии. Происходил из бедной крестьянской семьи. Отец умер, когда мальчику было 12 лет. Мать не в силах была прокормить семью, юному Федоту приходилось просить милостыню, а затем несколько лет работать батраком. Талант к рисованию проявился у мальчика рано, в местной земской школе его отметил учитель Петр Дюмаев. После школы Сычков пошел в иконописцы, подрабатывал написанием заказных портретов. 

Весть о талантливом художнике-самоучке дошла до петербургского генерала Ивана Андреевича Арапова, владельца имения неподалеку от Кочелаева. В 1892 году он заказал Сычкову большое многофигурное полотно «Закладка станции Арапово». Сам Сычков не присутствовал во время закладки этой железнодорожной станции. Картину он писал по фотографиям и рассказам очевидцев, старался изобразить всех основных действующих лиц, включая генерала Арапова, и даже добавил на полотно собственный автопортрет. Генерал был поражен качеством работы «кочелаевского Рафаэля», как он сам назвал Сычкова, и по приезду в Петербург показал картину директору Рисовальной школы Евгению Сабанееву. Так решилась судьба Федота Сычкова. Его пригласили в столицу учиться мастерству художника.

Рисовальную школу Сычков закончил за три года вместо шести, а затем поступил в Академию художеств. По совету своего кумира, Ильи Ефимовича Репина, Сычков записался в мастерскую батальной живописи к Николаю Дмитриевичу Кузнецову, которого затем сменил Павел Осипович Ковалевский. Сычков арендовал комнату на Васильевском острове, зарабатывал на жизнь написанием заказных портретов. Одна из его моделей — петербурженка Лидия Васильевна Анкудинова — стала его верной спутницей до конца жизни.

Молодые супруги Федот Сычков и Лидия Анкудинова в 1908 году отправились в увлекательное путешествие по Европе. Они посетили Германию, Австрию, Францию, задержались в Италии, где художник писал классические виды римских развалин. По возвращении Сычковы продолжили жить в Петербурге, приезжая в Кочелаево в летние месяцы. 

Федот Васильевич писал портреты, жанровые картины, пейзажи и натюрморты. Художнику сопутствовал успех. Он выставлял свои работы в Обществе поощрения художеств, в Обществе русских акварелистов, в Санкт-Петербургском обществе художников, на Весенних выставках Академии художеств, в экспозициях ТПХВ и так далее.

Еще живя в Петербурге, художник нашел тему, ставшую ведущей в его творчестве: Федот Сычков стремился раскрыть красоту и неповторимость деревенской жизни. «Я люблю изображать простых людей не только в труде, но и показывать их жизнерадостность, веселье, игры. Я думаю, что в этом неиссякаемом оптимизме простого русского человека сказывается его великая созидательная сила, твердая вера в счастливое будущее», — писал художник спустя годы.

Октябрьская революция стала серьезным испытанием для четы Сычковых. Петербургская мастерская художника была разграблена, большинство картин — уничтожены. Сбегая от царившего в Петербурге хаоса, Сычковы вернулись в Кочелаево, где первое время были заняты не творчеством, а выживанием — сами сеяли и огородничали и этим кормились. Вслед за Федотом Сычковым в Мордовию приехал и его друг по Академии Константин Вещилов. Вместе художники украшали город Наровчат к революционным праздникам, писали портреты Ленина, провели выставку местных художников и так далее. 

Однако заниматься собственным творчеством Сычкову было не всегда просто. Тема крестьянских праздников не находила отклика в обществе, проживавшем суровые, голодные времена. Местные сельские власти не понимали, чем таким художник заслуживает особенного отношения. Его, заслуженного и известного некогда в Петербурге живописца, в итоге посчитали кустарем-единоличником, кулаком. В 1930 году председатель кочелаевского сельсовета потребовал от Сычкова уплаты огромного налога в 400 рублей. В противном случае художнику грозила полная продажа имущества, включая все картины, и принудительная запись в колхоз. 

От раскулачивания и коллективизации спасло Федота Васильевича личное прошение, отправленное в областной центр Саранск. «За что мне такая напасть? Пожалуй, действительно я редкость в округе, других таких нет, но почему не хотят меня понять? Почему во мне видят ремесленника, который лишь зарабатывает деньги, и пользы, мол, от моей деятельности никакой? Лично я не нахожу это справедливым», — писал в этом обращении художник.

На фоне всего происходящего Сычков даже подумывал об эмиграции во Францию, куда его звал уже обосновавшийся там Константин Вещилов. Художники переписывались, Вещилов помогал другу продавать картины в Европе для дополнительного заработка. Но переехать уже немолодой Сычков так и не решился. 

А в 1937 году случилось событие, окончательно связавшее судьбу художника с Мордовией. На открытие местного Союза художников в город Саранск прибыл директор АХ Исаак Бродский. Он был поражен, что художник такого уровня, как Сычков, совершенно неизвестен местной публике. На проведенной тогда же республиканской выставке работы Федота Сычкова заняли центральное место в экспозиции. Художнику тут же дали звание заслуженного деятеля искусств Мордовской АССР, к которому впоследствии были добавлены звания заслуженного деятеля искусств РСФСР (в 1950) и народного художника Мордовской АССР (1955).

Федот Сычков продолжил писать свои радостные картины. Он никогда не изменял раз выбранной теме, оставаясь в стороне от излишне политизированных сюжетов. Федот Сычков прожил долгую жизнь и скончался в Саранске в 1958 году. 

Произведения Федота Сычкова хранятся во многих музейных собраниях, в том числе в Государственной Третьяковской галерее, Мордовском республиканском музее изобразительных искусств им. С. Д. Эрьзи в Саранске, Екатеринбургском музее изобразительных искусств и других.

Представленное на AI Аукционе полотно «Праздничный день» (1934) относится к излюбленным и самым узнаваемым сюжетам в творчестве Федота Сычкова. Зимний день, покрытые снегом домики, катающиеся на санках мальчишки, гуляющий с возлюбленной гармонист и идущие по заснеженной улице румяные, смеющиеся деревенские девушки. Федот Сычков умело вписывает своих героинь в окружающий пейзаж. Уходящая вдаль сельская улица задает глубину пространству. Художник мастерски передает световоздушную среду, дальние домики словно исчезают в легкой дымке. 

Сычков пишет мягкими, свободными корпусными мазками, пастозными насыщенными красками. Колорит полотна яркий, но в то же время не перенасыщенный. Он построен на сочетании сдержанной общей тональности и ярких декоративных цветовых пятен, акцентирующих детали изображения и «оживляющих» композицию. Роль таких цветовых пятен выполняют главным образом яркие платки, бусы, кофты и юбки подруг. К слову, красочные, цветастые наряды, в которых предстает большинство героинь полотен Сычкова, чаще всего были не собственной одеждой моделей, а костюмами, взятыми из «волшебного сундука», стоявшего в доме Сычковых. Большинство нарядов в нём были сделаны руками Лидии Васильевны Сычковой. На вопрос, почему художник не хочет писать своих крестьянок в современной одежде, в фуфайках и серых пиджаках, которые носили тогда советские крестьянки, Сычков отвечал: «Если хочешь представить в сюжете неиссякаемое жизнелюбие, счастливым улыбкам и добродушному прищуру должен сопутствовать яркий колорит. Чем наряднее будут героини, тем радостней получатся полотна».

Картина «Праздничный день» была написана в 1934 году. Существует несколько авторских вариантов этого сюжета: Сычков часто возвращался к своим удачным работам и продолжал творческий поиск — перестраивал композицию, добавлял или, наоборот, убирал героев с тем, чтобы достигнуть наибольшей выразительности образа. К примеру, в более раннем авторском варианте нашей работы — на картине «Праздничный день» (1928) из собрания Ульяновского художественного музея — героев больше: за спинами пяти подруг есть еще четыре фигуры, включая усатого гармониста. Вернувшись к этому сюжету спустя шесть лет, Сычков удалил крупные фигуры из-за спин подруг, тем самым придав композиции больше воздуха и акцентировав внимание зрителя на главных персонажах. При этом на представленной на торгах работе «Праздничный день» (1934) фигура гармониста осталась, но ушла на второй план, дополняя, но не перегружая композицию, поддерживая основную тему произведения — большого деревенского гуляния.

Полотно «Праздничный день», как подлинное и характерное произведение Федота Сычкова, имеет несомненное художественное, коллекционно-антикварное и музейное значение (Мария Онучина, AI). 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Праздничный день

В правом нижнем углу подпись: Ф

На обороте авторская живопись: Извержение Этны. 1910

Холст, масло. 50 × 78 (в свету)

Выставка:
• Константин Коровин и его круг. Москва — Париж. 6 декабря 2022 — 9 апреля 2023, Дом русского зарубежья им. А. Солженицына, Москва

Публикации:
• Сарабьянов, Д. В. Живопись Роберта Фалька. Полный каталог произведений : каталог-резоне живописных произведений с искусствоведческими комментариями / Д. В. Сарабьнов, Ю. В. Диденко ; основные даты жизни и творчества Р. Р. Фалька составитель А. В. Щекин-Кротова. — М. : Галерея Элизиум, 2006. С. 184. Кат. № 127 (воспр. в цвете)
• Константин Коровин и его круг. Москва — Париж : [каталог к одноименной выставке, состоявшейся в декабре 2022 г. в Доме русского зарубежья им. А. Солженицына] / автор-составитель Л. Агафонова. — М. : Дом русского зарубежья им. А. Солженицына, 2022. С. 102 (б/н, воспр. в цвете)

Незначительный кракелюр

Работа оформлена в двустороннюю раму (110 × 81,5)

*** 
Роберт Рафаилович Фальк (1886–1958) — один из ведущих художников первой половины XX века, выдающийся колорист, оставивший значительное живописное и графическое наследие. По биографии Роберта Фалька можно расставлять вехи истории русского искусства ХХ века. Начинал в студиях К. Ф. Юона и И. И. Машкова, продолжил образование в МУЖВЗ (1905–1910), в мастерской В. А. Серова и К. А. Коровина. В 1910-х — один из основателей «Бубнового валета» и действительный член «Мира искусства». В 1920-х — преподаватель ВХУТЕМАСа и театральный художник. В 1930-х — «русский парижанин». В 1940-х — неблагонадежный «формалист». А после войны, практически лишенный официальной работы и возможности выставляться, — один из легендарных «трех Ф» (Фальк, Фонвизин, Фаворский), авторитет для формирующегося молодого поколения нонконформистов, тихий идеолог послевоенного неофициального искусства.

В раннем творчестве Роберт Фальк испытал влияние импрессионизма. С середины 1900-х увлекся постимпрессионизмом, в особенности искусством П. Сезанна, идеи которого на долгие годы определили направление живописных поисков художника. В 1910-х в творчестве Фалька нашли отражение черты фовизма и кубизма. В 1920-х он обратился к приемам старых мастеров. Подчас резкие, контрастные цвета ранних работ уступили место сложной цветовой гармонии, построенной на тусклой коричневато-фиолетовой гамме, акцентированной красными, зелеными тонами, контуры стали размытыми, а экспрессивная манера, характерная для работ 1900-х — 1910-х, уступила место внутренней напряженности, передаваемой неустойчивостью позы, нервным штрихом.

Представленный на торгах «Первые имена» двусторонний холст Роберта Фалька создан во второй половине 1900-х годов. На одной из сторон — более ранний, 1906 (?) года, «Портрет женщины в шляпе». На обороте — пейзаж «Извержение Этны» (1910). В этих работах прослеживается творческая эволюция мастера — мы видим, как от плавных, импрессионистических форм и сдержанного колорита в женском портрете художник постепенно приходит к большей условности, геометризму и фовистски насыщенным цветам в более позднем пейзаже. Пейзаж «Извержение Этны» датируется 1910 годом — именно в этот год Роберт Фальк и другие радикально настроенные художники провели первую выставку «Бубнового валета» (Мария Онучина, AI). 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Портрет женщины в шляпе

Справа внизу подпись: N. Fechin

На обороте, справа вверху, старая бумажная этикетка с машинописным текстом: Nikolai Fechin // Taos, New Mexiсo. // «Mexican Pottery Pig» // (Still-life) // Price $1300.00

На подрамнике: вверху по центру и слева бумажные наклейки; справа по центру бумажная наклейка, частично скрытая кромкой холста:  // # 4059 G; внизу слева графитным карандашом надпись, частично скрытая кромкой холста: 5399 S

На монтировочном картоне: справа вверху, бумажная этикетка FENN galleries ltd. (Santa Fe, New Mexico) с указанием автора, названия, техники, размера работы и номера: Nicolai Fechin // 1881–1955 // Mexican // pottery pig // oil // 20 × 26 // COCE 4 ½ RR; в левом верхнем углу два бумажные наклейки; в левом нижнем углу аукционная этикетка; в правом верхнем углу бумажная этикетка: ЦХЭ им. И. Е. Репина // Э-1/14_278 

Экспертное заключение ЦХЭ им. И. Е. Репина Э-1/14_278, № 2093-1-21 от 25 сентября 2021. Эксперт, искусствовед Ю. В. Рыбакова

Публикации (по Ю. В. Рыбаковой):
• New Mexico magazine, Santa Fe, March 1982, vol. 60, p. [5] (илл.);• G. Tuluzakova, Nicolai Fechin, London, 2014, p. 264 (илл.)

Провенанс (по Christie’s):
• Fechin Estate, Taos, New Mexico (собрание семьи Николая Фешина);
• Fenn Galleries, Santa Fe, New Mexico, и Anderson Galleries, Locust Valley, New York (1981);
• собрание Gil Shelton;
• собрание Walter Stein (1924–1981);• Sotheby Parke Bernet, New York, 22 октября 1981, лот 166;• частное собрание, Вирджиния (США);
• Sotheby's, Лондон, 26 ноября 2013, лот 385;• частное собрание;
• Christies, Лондон, 7 июня 2021, лот 52;• частное собрание (Москва)

Кромки холста подведены, незначительный кракелюр

Работа оформлена в раму (82,5 × 97,5)

*** 
Николай Иванович Фешин (1881–1955) — замечательный живописец, график, скульптор и резчик, представитель импрессионизма и модерна. Художника в равной степени считают своим в России и в Америке: творческую биографию Николая Фешина разделил на две части 1923 год: он навсегда покинул Россию и переехал в США, где плодотворно работал еще три десятилетия. В Америке Николая Фешина считают национальным художником, его работы хранятся в десятках американских музеев, включая Национальную галерею искусства в Вашингтоне и Чикагский институт искусств. А в России заслуженная известность к Фешину начала приходить относительно недавно: во второй половине 2000-х масштабные выставки художника провели Русский музей, Третьяковская галерея и Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан в Казани. Работы Николая Фешина пользуются большой популярностью у коллекционеров. Его текущий аукционный рекорд составляет £6,9 млн ($10,8 млн), вырученные за полотно «Маленький ковбой» в 2010 году. 

Николай Фешин родился в 1881 году в Казани, в семье резчика деревянных иконостасов Ивана Александровича Фешина. Отец одним из первых заметил талант у сына и настоял на его поступлении в только что открывшуюся Казанскую художественную школу. Потом была петербургская Академия художеств, куда талантливый юноша поступил в 1900 году (с 1903 года Фешин был зачислен в мастерскую Ильи Репина). В годы учебы в академии Фешин занимался поисками собственного живописного стиля, и Репин поддерживал в нем эту тягу к оригинальности. Постепенно художественная манера Николая Фешина начала обретать более-менее ясные черты: широкий свободный мазок, характерный для импрессионизма, и реалистичное изображение отдельных элементов, особенно лиц на портретах.

После окончания Академии художеств в 1909 году Фешин предпочел карьере московского или петербургского художника скромное место преподавателя в Казанской художественной школе. Фешин был единственным действительным членом Академии художеств, проживавшим не в столице. Ни строгая красота Петербурга, ни южный колорит Италии (куда он ездил в пенсионерскую поездку) не вдохновляли его так, как природа и жители деревень по среднему течению Волги. К их жизни и быту он испытывал не только художественный, но и этнографический интерес. Еще во время учебы в Академии Фешин неоднократно совершал поездки в марийские деревни, где с натуры делал зарисовки местных обычаев.

В 1923 году при посредничестве Американской Армии Спасения и коллекционера У. С. Стиммела Фешин с женой Александрой (дочерью директора Казанской художественной школы) эмигрировал в Америку. Нельзя сказать, что художник не принял советскую власть. Напротив, поначалу он ее даже приветствовал. Но наступивший голод и разруха Гражданской войны сделали свое дело — и он захотел уехать. От тифа умер отец, вслед за ним ушла мать, в школе, где работал художник, не было отопления и нормальных условий; Фешин писал в письме в Америку, что постепенно и бесполезно теряет свою творческую энергию, поскольку все искусство использовалось тогда только для пропаганды. После отъезда имя Фешина в Союзе не вспоминали вплоть до хрущевской оттепели. А у самого художника началась совсем другая жизнь.

Поначалу семья Фешиных жила в Нью-Йорке, в богемном районе недалеко от Центрального парка. Там художник писал свои первые портреты негритянок, участвовал в выставках, завоевывал авторитет у местного арт-сообщества. Но слабое здоровье (у Фешина развился туберкулез) вынудило его покинуть шумный Нью-Йорк и переселиться в маленький городок Таос в штате Нью-Мексико, где климат был суше.

В Таосе Фешин обрел вторую родину, его вдохновляла природа и простота жизненного уклада местного населения. Он писал портреты индейцев, ковбоев, негритянок. Через несколько лет после переезда художник выстроил замечательный дом, в который вложил всю душу и все свободные средства — около двадцати тысяч долларов. Фешин был не только прекрасным живописцем, но и талантливым декоратором: дом он украсил резьбой собственного «неофольклорного» дизайна (сказались отцовские уроки).

Стоило только наладить быт на новом месте, как Фешину пришлось оставить его: в 1933 году жена попросила развода. В письме брату Фешин упомянул, что Александра увлеклась каким-то писателем и сама захотела стать писательницей. Двадцать лет брака, оказалось, прошли впустую, жизнь нужно было строить заново. Роскошный дом в Таосе Фешин оставил жене, а сам переехал сначала в Нью-Йорк, а потом в Санта-Монику в Калифорнии. Дочь Ия последовала за ним и во всем принимала его сторону, но с появлением у нее собственной семьи Фешин остался один. Грусть одиночества он пытался развеять напряженной работой, которой было предостаточно: его портреты были в моде, позировать ему хотели многие известные американцы. Тогда же художник начал путешествовать: он побывал в Мексике, на Яве и Бали. И везде продолжал писать то, что было ему интереснее всего, — человеческие лица.

Фешин подумывал о поездке на родину, однако до своей смерти в 1955 году так и не успел осуществить намеченного. Исполняя последнюю волю отца, дочь Ия впоследствии перевезла и перезахоронила его прах в Казани.

Представленный на торгах «Первые имена» натюрморт «Свинья-копилка в мексиканском стиле» относится к американскому периоду Николая Фешина. Работа предположительно была написана в Таосе, где художник жил до развода, с 1927 по 1933 год. 

Работа выполнена в узнаваемой авторской манере. Композиция натюрморта сочетает реалистически и гладко прописанные изображения предметов на столе (свинью-копилку, фонарь, графин и бокал с вином и фрукты) с фактурным и почти абстрактным фоном, выполненным динамичными и экспрессивными мазками с использованием жесткой кисти и сухих красочных паст. Типичным для Фешина является также включение в натюрморт народных мотивов — в данном случае, эту роль выполняет свинья-копилка в мексиканском стиле. К слову, эта же копилка встречается и на других работах художника. Особое внимание уделено колориту: для живописи Фешина характерно подобное высветление нижней части композиции с помощью светло-бежевых тонов с белилами и темный колорит фона с обязательным присутствием ярких цветовых акцентов. Художник не только «зажигает цветом» спелые плоды яблок, рубиновое вино в графине, синие бока свиньи-копилки, но и зажигает в буквальном смысле настольный фонарь. Его теплый желто-оранжевый свет придаёт особое настроение натюрморту, делает его не только декоративным, но и по-домашнему уютным (Мария Онучина, AI).  

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Свинья-копилка в мексиканском стиле

В правом нижнем углу подпись и дата: Г. Ч. 1839 г.

На обороте, по центру, надпись: Лодка путетешествующихъ // по Волгѣ Художниковъ. // Чернецовыхъ. Въ 1838 году // была на выставке въ Академiи // художествъ въ 1839 году // писалъ Г. Чернецовъ. 

На подрамнике: внизу слева шариковой ручкой надпись: Tchernetsoff; вверху слева бумажная этикетка: Ломбард // 1439 // ГТГ // Экспертиза // Чернецов; правее бумажная этикетка: НИНЭ имени П. М. Третьякова // № 21443

На тыльной стороне рамы, в левом верхнем углу, бумажная наклейка: 32

Экспертное заключение НИНЭ им. П. М. Третьякова ОЖ 21443, № 13330-35 от 29 января 2024. Эксперт, кандидат искусствоведения А.А. Махотина

Незначительный кракелюр, незначительные нарушения красочного слоя по краям холста; на обороте, слева вверху, старая холщовая заплата, установленная до появления авторского текста

Работа оформлена в раму со стеклом (48 × 57,5)  

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота. 

Лодка путешествующих по Волге художников Чернецовых

Справа внизу подпись и дата: Ив Чуйков 66

На обороте, вверху слева, надпись и дата: Ив. Чуйков // На берегу 1966 // 95 × 145

Экспертное заключение № 172 от 27 февраля 2024. Эксперт В. С. Силаев

Выставка: Жизнь плотская. 14 декабря 2023 — 11 февраля 2024, галерея pop/off/art, Москва

*** 
Иван Чуйков — один из классиков московского концептуализма, участник группы «Сретенского бульвара». Его произведения находятся в собраниях Базельского музея современного искусства, Кунст Хале (г. Киль), Гамбургском музее современного искусства, Центре Помпиду в Париже, Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Третьяковской галерее, Русском музее и т. д. Работа «На берегу», представленная на аукционе, относится к раннему периоду творчества художника, и для её понимания стоит обратиться к самым «корням». Иван Чуйков родился в семье художников, выпускников ВХУТЕМАСа. Его отец, Семён Афанасьевич Чуйков — классик соцреализма, народный художник СССР, лауреат двух Сталинских премий и автор картины «Дочь Советской Киргизии», репродуцированной многомиллионными тиражами на страницах журналов, газет, школьных хрестоматий, на открытках и марках. Мать художника, Евгения Алексеевна Малеина училась в мастерской Фалька и «немного у Малевича». Чуйков вспоминал, что у них в доме была работа основоположника супрематизма, но после войны она исчезла. А про отца говорил: «Он очень верил в мой талант, но талант живописный, и очень огорчался, что я держу его втуне и даже, по его мнению, гублю. Но все же, хотя он и обличал в своих статьях абстракционизм, на меня он не давил, потому что верил, что я работаю честно и искренне» (artguide.com).

Книги и каталоги по искусству были в большой семейной библиотеке родителей, поэтому молодой художник мог познакомиться с работами таких мастеров, как Пабло Пикассо, Амедео Модильяни и Поль Сезанн и др. Этот, казалось бы, незначительный факт сыграл заметную роль в воспитании вкуса и личности художника, погружая его в художественную среду авангардных поисков начала ХХ века. «Сезанна я открыл для себя довольно поздно, — говорил Чуйков, — хотя книга лежала на виду; на Модильяни я раньше обратил внимание. В этих книгах было что-то живое. Нигде в мире это уже не воспринималось как живое, а у нас действительно было откровением, тем более в юношеском возрасте было открытием глаз, и хотелось не то чтобы подражать или делать что-то в том же роде, важно было увидеть, что можно как-то иначе, а не единственно так, как нас учат. Вот тогда я, наверное, и начал становиться художником».

В ранний период творчества Чуйков «мог писать одну маленькую работу месяц, два. Я считал тогда себя абсолютно свободным в обращении с формой и цветом. Критерии были чисто эстетические: красота, выразительность. Поэтому я бесконечно долго варьировал цветовые и композиционные решения в маленьких работах — не мог успокоиться, пока не перепробовал все варианты». 

В ранней, 1966 года, работе «На берегу», представленной на торгах, «женские фигуры на берегу моря, вероятно, героини греческой драмы: их лица доведены до знаковой образности маски, а тела завернуты в драпировки. Не характерная для Чуйкова живописная стилистика, по-видимому навеянная впечатлениями от искусства Де Кирико, показывает художника совершенно с иной точки зрения» (popoffart.com).

В конце 1960-х годов Чуйков уничтожил большую часть своих ранних работ, живопись этого периода почти не сохранилась. Таким образом, появление на аукционе раннего полотна «На берегу» имеет как художественное, так и коллекционное значение. 

Картина в экспозиции выставки «Жизнь плотская» 

Источник: popoffart.com

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

На берегу

Справа внизу подпись и дата: M. Chemiakine // 1989 г.

На обороте, справа вверху, подпись и дата: M. Chemiakine. // 1989 г. 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Carnival at St. Petersburg (Карнавал в Санкт-Петербурге)

На обороте, по центру внизу, подпись: 1916. А. Шильдеръ

Экспертное заключение б/н от 20 ноября 2012, Москва (копия). Историк искусства, эксперт по культурным ценностям Т. П. Горячева

Кромки холста, подведены; на обороте, у левого края, над средней планкой подрамника, установлена овальная холщовая заплата; незначительный кракелюр и нарушения красочного слоя по краям холста

Работа оформлена в раму (144 × 175) 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Летний пейзаж с храмом (Вечерняя тишина (?))

На тыльной стороне скульптуры: две подписи: С. Эрьзя и дата: 1949

На основании постамента выставочная этикетка Музея испано-американского искусства Исаака Фернандеса Бланко с подписью куратора выставки Игнасио Гутьерроса Сальдивара

Провенанс:
• мастерская художника;
• коллекция Кормака Мак Мануса, хорошего знакомого художника (Буэнос-Айрес, Аргентина);
• коллекция Ренаты Мак Манус Сисьони (Буэнос-Айрес, Аргентина);
• частная коллекция (Москва)

Выставка: Ретроспективная выставка Степана Эрьзя. 15.04.2023‒15.06.2023. Музей испано-американского искусства Исаака Фернандеса Бланко, Буэнос-Айрес, Аргентина

Публикации:
• Ignacio Gutierrez Zaldivar . Erzia. - Buenos Aires : Zurbaran, 2003. C. 120 (работа указана под названием Cabeza de mujer, воспр. в цвете)• Папоров, Ю.Н. Великий Эрьзя. Признание и трагедия: повесть. Степан Эрьзя: биография в документах. [Саранск: Респ. тип. «Красный Октябрь»], 2006. С. 382 и 420 

*** 
С. Д. Нефёдов (Эрьзя — псевдоним, идущий от самоназвания одной из народностей, живущих в Мордовии) родился в селе Баеве Алатырского уезда Симбирской губернии (ныне Ардатовский район Республики Мордовия). В юности занимался иконописью, образование получил в 1902–1907 в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (мастерская С. М. Волнухина). В 1907–1914 жил и работал в Италии, Франции, принимал участие в 10 крупнейших международных выставках в Милане, Риме, Венеции и Париже.

В конце 1926 С. Д. Эрьзя был командирован с выставкой своих работ во Францию. Оттуда он по приглашению президента Аргентины Марсело Торкато де Альвеара уехал в эту страну, где жил и работал в Буэнос-Айресе в 1927–1950. Там появились сотни скульптур, выполненных из субтропических деревьев — кебрачо, альгарробо, урундай.

В 1950 Эрьзя возвратился на родину, привезя ей в дар более 250 своих произведений. В 1954 в Москве с большим успехом прошла его персональная выставка. Многолетняя деятельность С. Д. Эрзи в области изобразительного искусства была отмечена высокими государственными наградами.

Произведения Эрьзи всегда вызывали и продолжают вызывать пристальный интерес, любовь и неподдельное восхищение. В собрании Русского музея хранится самое большое и полное собрание произведений Эрьзи, переданных автором в дар государству. 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  

Голова женщины

В левом нижнем углу подпись: A. j.

На тыльной стороне рамы, слева и справа две одинаковые надписи: 3835

Выставка:
• Алексей Явленский, 23 октября — 23 декабря 2010, галерея «Школа», Москва

Публикации: 
• Maria Jawlensky, Lucia Pieroni-Jawlensky, Angelica Jawlensky. Alexej von Jawlensky. Catalogue Raisonne of the Oil Paintings. Vol. 1: 1890–1914. London-Munchen-Mainband-New York, 1991. No. 301, p. 255;• Алексей Явленский [каталог выставки] / Галерея «Школа». — [Москва] : Maier, [2010]. Б/п (воспр. в цвете на двух страницах)

Провенанс: 
• аукцион Hauswedell & Nolte, Гамбург, июнь 1976, лот 712;
• частное собрание (Швейцария);
• Leonard Hutton galleries, Нью-Йорк, США;
• частное собрание, Москва (июнь 2006 — наст. вр.)

Работа оформлена в раму (50 × 61) 

Фотографии работ в интерьерах — фантазийные. При наличии обрамления его вид и размер указаны в описании каждого лота.  