ARTinvestment. XXI век. Аукцион 2

Справа внизу подпись и дата: AGROSKIN 2016

Работа происходит из собрания семьи художника

Незначительные нарушения красочного слоя

Цикл работ «Стена», к которому относится холст «Герои» (2016), посвящен советской монументальной пропаганде, в первую очередь скульптуре — образам революционеров и вождей и времени, в котором они жили.

От автора: Мне всегда казалось, что феномен революционеров изучен не полностью. В своих работах я стараюсь исследовать не историю, а энергетику этих людей. Мне интересна их живучесть, умение оставаться на плаву и их безусловная неординарность, источник этой энергии до конца не понят.

Мной он, конечно, тоже до конца не понят, я попытался взглянуть на них через призму советской монументальной пропаганды. Это богатый материал для художника, нам остался грандиозный пласт, который героизирует и превращает революционных деятелей в идолов.

Эти тиражные, часто ужасные скульптуры сохраняют в себе дух того времени. Кремль и его стены — это кодовые признаки места действия в сознании людей. Они закрепились в нашем сознании как признак советской власти.

Но одновременно это стена безликих монументов, которые отгораживают нас от большого мира

Моя цель — ощутить энергетику этих лидеров, понять как они «простояли» так долго и как они жили. К тому же это весьма актуальная, на мой взгляд, тема именно сейчас (Семён Агроскин, 2016, cultobzor.ru).

Агроскин изобразил бюсты героев советского «пантеона», не отталкиваясь от индивидуальных черт, а передавая скорее обобщенные типажи. Через характерные атрибуты внешнего облика в этих персонажах узнаются летчик, офицер и старый революционер, партийный деятель, напоминающий М. И. Калинина. Полотно отличает мастерство исполнения, внимание к передаче пластических объемов через светотеневую моделировку. Художник подчеркивает суровое и мужественное выражение лиц, характерное для большинства героических скульптур советской эпохи. Строгая монохромная палитра, строящаяся на вариациях серого оттенка, отсылает к гризайли и придает произведению торжественность. Агроскин погружается в историческое прошлое страны и в попытке его осмыслить воскрешает на полотне образы, призванные когда-то вдохновлять массы и служить для них примером. Сегодня художник трактует их как осколки ушедшей эпохи, которые он фрагментарно показывает зрителю, словно вместе с ним пытаясь разгадать их загадку (Мария Беликова).  

Герои

На обороте по центру авторская надпись и дата: Иван // Акимов // «Главный член // семьи» 1989 // х.м. 55 × 45

Незначительные осыпи красочного слоя по углам

Работа окантована деревянными рейками (52,9 × 62,7)

«Это тип художника, которому было интереснее создавать каждую следующую минуту свой мир, а не тусоваться. К тому же его собственного внутреннего мира ему было более чем достаточно» (Георгий Никич, куратор выставки Ивана Акимова в Малом Манеже, 2014. rg.ru).

«На выставках меня с трудом помещали в экспозицию, искали отдельную стенку. Я не уживался с любыми соседями», — писал Акимов, любимец музыкантов, анахорет, индивидуалист» (rg.ru).

Иван Акимов — советский и российский живописец, творчество которого не вписывалось ни в жесткие регламентированные рамки художественной жизни советской эпохи, ни в реалии постсоветской России. Обладая незаурядными творческими способностями и высоко ценя при этом личную свободу и независимость, художник уединенно жил и работал в своей московской квартире, не стремился следовать каким-то конкретным стилистическим направлениям и не искал публичного признания. В произведениях Акимова отражаются результаты целого ряда авторских модернистских экспериментов, и в них особенно ощутимы влияния народного и наивного искусства. Работы Акимова находятся в собраниях Музея современного искусства, Музея Н. Гоголя, в коллекции SWISS Bank, а также в частных собраниях в России, Аргентине, Великобритании, Германии, Израиле, США, Португалии, Финляндии, Франции и Японии.

«Главный член семьи» (1989) вызывает ассоциации с произведениями самого известного сюрреалиста ХХ века — Сальвадора Дали, художественно осмыслявшего различные ситуации (как реальные, так и воображаемые) с точки зрения фрейдизма. Акимов также идет по пути испанского живописца и создает причудливую композицию, в которой иронично обыгрывается понятие «главного члена семьи», закономерно интерпретированного с помощью фаллического символа. Традиционный глава семейства предстает в авторской интерпретации обезличенным антропоморфным существом с выраженными первичными половыми признаками. От него все чего-то хотят и требуют — женская фигура, олицетворяющая жену или дочку, захватила его в крепкие объятия, а маленький ребенок с кошкой и вовсе залезли на него. Глава семейства выглядит растерянным и беспомощным, словно его главенство лишь номинально. Его отклонившаяся назад фигура и вытянутые вперед руки, связанные тонкими веревками, явственно указывают на пребывание главного героя в фрустрированном состоянии. Все персонажи трактованы упрощенно и имеют обтекаемые гладкие формы. Лаконичная палитра произведения строится на сочетании серых, изумрудных и малиновых оттенков. Живописная поверхность полотна ритмизирована геометрическим орнаментом, состоящим из звездочек золотистого цвета, что усиливает ее декоративность. Так, Акимов, обращаясь к эстетике сюрреализма, с юмором и изрядной долей иронии осмысляет реалии семейной жизни, поэтому работа несомненно найдет понимание и сочувствие у многих зрителей (Мария Беликова).

Главный член семьи

На обороте и на подрамнике три штампа Aneliya Alipova gallery

Работа происходит из собрания семьи художника

От автора: Для меня простота, умение видеть необычное в самых простых вещах эксперимент, постоянный поиск, являются основой творчества. Я работаю в разных стилях и направлениях, иногда смешивая их (Анелия Алипова).

Все мы в далеком прошлом были частями одного целого. И о первобытной культуре можно судить как раз по тем остаткам племен, их обычаям, вере, образу жизни, которые до сих пор можно найти где-то в глубине Африки, Океании или Австралии.

Главный герой картины — бушмен, представитель одного из древних народов, чья численность сейчас составляет всего лишь около ста тысяч человек. Бушменами африканских людей называли колонисты, которые отвоевывали их земли. Эти племена были воинственны, но их оружие не могло противостоять оружию завоевателей.

Но изображаемый персонаж совершенно не похож на подобного представителя коренных племен, какими они представлялись европейским первооткрывателям новых африканских территорий. Это не конкретный человек, а скорее, собирательный образ или даже воплощенный дух народа охотников, истинных хозяев этих земель. Именно поэтому совершенно не важен возраст и половая принадлежность: все лишнее отсекается для того, чтобы подчеркнуть внутренние качества персонажа. Он — средоточие жизненной силы и энергии, олицетворение первобытного мира, до сих пор связанного с природой.

Лицо его, словно боевая маска, скрывает чувства.

Колористическое решение также максимально лаконично: черный и белый. Глухой однотонный фон словно огромная бездна времени за спиной персонажа. Асимметрия его боевой раскраски подчеркивает особенности строения черепа и выразительные черты лица. Естественным образом акцент ставится на больших глазах, которые направлены прямо на зрителя. Бушмен смотрит без тени страха, даже с вызовом. Наверное, именно так смотрели представители африканского народа на первых белых людей, вторгшихся на их территорию (Надежда Соколова, искусствовед, арт-критик, специалист по работе с современным искусством 11.12 GALLERY).

Бушмен. Работа из серии "Монохром"

Справа внизу процарапыванием подпись и дата: Н. Арендт // 2018 

Выставка: Геометрическая палитра. Персональная выставка. 17.11.2022–17.12.2022. Галерея ARTinvestment.RU «21-й век»

Утраты фрагментов справа по центру

Работа происходит из собрания семьи художника

От автора: 
О живопись! — Она неприхотлива.
Она и есть, а вроде бы и нет.
Ведь глаз устроен так искусно.
Закрыл-открыл — себе ты господин.
Ты можешь за секунду свежим глазом
Огромную картину охватить.
А можешь долго ею любоваться.
А можешь и совсем не посмотреть (Наталия Арендт).

«Органичным сплетением наследия русских неопримитивистов с собственными супрематистскими и конструктивистскими исканиями Наталия Арендт достигает яркости и оригинальности художественного высказывания. Она работает с разными техниками и необычными материалами: может задействовать старое, почти истлевшее дерево, семечки, рыбью чешую, старую деревянную мебель в сочетании со скульптурой» (из пресс-релиза выставки «Геометрическая палитра»).

Луна над морем

На обороте, слева вверху, авторская надпись и дата: Атаханова Светлана // «Матрица». 2015 // (х. акрил) 100 × 80

Работа происходит из собрания семьи художника

От автора: Меня вдохновляет красота мира — это для меня интересно и становится толчком к творчеству. Нечто увиденное трансформируется и превращается в образ, который с помощью средств живописи я стараюсь передать. Для меня важно очистить этот образ от всего лишнего, оставив только то, что помогает проявить красоту жизни и несет радость, тишину и покой (Светлана Атаханова).

Живопись и графика Светланы Атахановой — это сочетание восточного колорита с изящной техникой. Ее картины невольно вызывают ассоциации с искусством ковроткачества, отражающим тонкую душу Востока, его глубинную философию и древнее наследие. Восток прочно вплетен в ее судьбу и творчество, многоликий и обширный, как и география поездок самой Светланы, черпающей свое вдохновение в таких экзотических местах, как волшебный остров Цейлон и Китай. За красочными полотнами, однако, видна рука опытного мастера, имеющего в своем арсенале классическое художественное образование и годы преподавания в Строгановке.

Сочные фрукты, плавные изгибы кипарисов, смуглые лица источают животворящую силу земли, наполняют атмосферу солнечной энергией. Это не только пейзажи и натюрморты, великолепно вписывающиеся в современный интерьер, но и жанровые сцены, создающие особую праздничную ауру. Работы Атахановой — это глоток живительной влаги, оазис силы, способный трансформировать любое пространство в источник гармонизации.

Одной из излюбленных техник Светланы является многослойная акварель, которую она часто дополняет масляной пастелью. Акварель для художницы наполнена особой магией, могучим потенциалом, она считает ее недооцененной и воздает ей должное, именуя живописной техникой, а не графической. Светлане Атахановой удается придать своим графическим работам масштабность и живописный дух. Она постоянно исследует природу цвета, придавая ему большее значение, чем отражению реальности. Ее палитра включает и богатый фиолетовый спектр, от нежно-сиреневого до насыщенного пурпурного, и небесно-голубые, и нежно-бежевые оттенки.

За всем буйством красок и обжигающей красотой экзотических ландшафтов, несомненно, ощущается главный посыл автора: стремление к единению души и тела, гармонии на всех уровнях человеческого бытия, поиск всех оттенков радости, которые может даровать жизнь открытому сердцу (quartagallery.ru).

Матрица

Эксперименты по созданию новых методов печати фотографических изображений были начаты Юрием Бабичем ещё в 1996 году. От первых опытов до уникальной авторской технологии, позволяющей получить высококачественное дагероскопическое изображение, в полной мере воссоздающее пластику старинных дагерротипов, прошло почти 12 лет. 

С технической точки зрения дагероскоп — это многослойное изображение, полученное путём последовательного спекания образующих его слоёв. Основой дагероскопического изображения служит подложка из драгоценных металлов, на которую с помощью самых современных технологий, таких как технология масштабируемой печати, нанесено фотографическое изображение, покрытое ламинатом или нейтральными в химическом отношении лаками, обеспечивающими его сохранность до 250–300 лет. 

Существует три основных способа создания основы дагероскопического изображения: нанесение сусального золота (платины, серебра) непосредственно на поверхность носителя вручную, гальваника и огненное золочение. Наряду с сусальным золотом, изготавливаемым из чистого золота или золота, наложенного по серебру, в качестве одного из промежуточных слоев изображения используется поталь —  заменитель сусального золота, содержащий разные металлы, в основном медь с цинком, что позволяет путем их окисления достигать неповторимой цветовой гаммы и объемности изображения. Для создания отдельных фрагментов изображения могут использоваться и минеральные красители, которые кроме цвета ничего общего с металлами, входящими в состав подложки дагероскопа не имеют, но обогащают изображение колористически. Так каждое изображение обретает свой неповторимый цвет и фактуру.

Процесс создания многослойных изображений с использованием различных драгоценных металлов довольно трудоемок: соответствующий носитель сначала грунтуется, затем покрывается специальным лаком, после чего на нем монтируются разные по размеру листы трансферного или сусального золота, которые затем консервируются с помощью современных материалов, используемых в реставрационной и музейной практике. 

Неповторимость каждого отпечатка обеспечивает сложный микрорельеф поверхности изображения, создаваемый благодаря многослойной основе дагероскопа, ее качеству, размеру, теплоемкости используемых материалов, а также другим факторам.

Метод термовакуумной печати дагероскопических изображений не имеет аналогов в мировой художественной практике. Основные параметры технологического процесса задаются автором вручную и меняются в зависимости от творческой задачи, сложности и размеров изображения, а также количества спекаемых слоев. На подготовку к печати и изготовление одного дагероскопа может уходить до нескольких недель. На сегодняшний день это самый дорогостоящий способ производства фотографического изображения. 

Самурай

Справа внизу графитным карандашом подпись и дата: АВахненко 2021 г.

На обороте, слева вверху, графитным карандашом авторская надпись и дата: Вахненко Анастасия // «Весна близко» // (серия «Санкт-Петербург») // Бумага, карандаш // 55 × 72 см // 2021 год

Работа происходит из собрания семьи художника

Анастасия Вахненко — график, выпускница Астраханского художественного училища им. П. А. Власова, МГАХИ им. Сурикова, (графический факультет, мастерская «Искусство книги»), проходила стажировку в Творческих мастерских Российской Академии Художеств (2010–2014, мастерская графики под руководством А. Д. Шмаринова). Участница многочисленных отечественных и зарубежных книжных и художественных выставок. Занимается книжной графикой, автор цикла иллюстраций к произведениям Н. В. Гоголя, получившего высокую оценку в профессиональной среде. Работы Вахненко находятся в частных коллекциях в России и за рубежом.

Виды Петербурга неоднократно вдохновляли отечественных графиков прошлого и настоящего на создание циклов работ, посвященных его уникальной атмосфере. Не обошла стороной тему Петербурга и Анастасия Вахненко — в ее графической серии нашел отражение оригинальный авторский взгляд на Северную столицу. Лист «Весна близко» (2021) свидетельствует о свободном владении автором всеми пластическим элементами изображения, равно как и широким арсеналом графических средств. На листе запечатлен вид Санкт-Петербурга — панорама с рекой, уходящей вдаль и покрытой льдом, который начал уже постепенно трескаться и таять, возвещая скорый приход весны. Выверенная архитектоника композиции, акцентированная пространственная глубина и ритмичная организация элементов являются характерными чертами произведения. Работа отличается выраженным линеарным началом, основанным на четкости и ясности рисунка. 

Ритмизация элементов композиции наблюдается и в тенях, отбрасываемых чугунным забором, идущим вдоль реки, и в тенях домов, виднеющихся на льду, и в следах на снегу вдоль набережной, оставленных прохожими. Статичность городской панорамы противопоставляется драматичному небу, трактованному в более обобщенно-экспрессивной манере, освещенному светотеневыми контрастами, организованному силовыми диагональными линиями, овалами облаков (перекликающимися по форме с льдинами на реке) и концентрическими кругами. Все это усиливает выразительность изображаемой сцены и передает уникальный характер Петербурга (Мария Беликова).

Весна близко. Из серии «Санкт-Петербург»

Слева внизу подпись и дата: Газукин В. 92

На обороте, слева в центре, надпись и дата: Газукин // Валерий Васильевич // 1951 г. рождения // г. Оренбург // «Вечерний портрет» // 1992 г. ДВП 60 × 55 см

Валерий Газукин — советский и российский художник, большая часть творческой деятельности которого связана с Оренбургом. Он состоял в художественной группе «Академия Садки» — объединении оренбургских художников, возникшем в начале 1970-х годов. Его участники находились в идейной оппозиции официальному советскому искусству и разрабатывали, подобно московским андеграундным мастерам, собственные варианты художественного видения, аккумулируя достижения европейского и отечественного искусства. Газукин тяготел в своем творчестве к абстракционизму, вступая в диалог с произведениями К. Малевича, В. Кандинского. Центральное место в художественной системе Газукина занимала проблема реализации цвета. «Идея цвета не только точка отсчета, но и результат цветовых видения и мышления. Цветовые структуры призваны изобразить и выразить духовную субстанцию творчества, его личностные стилистику и мировоззрение», — был убежден художник.

«Вечерний портрет» (1992) Газукина содержит отсылки ко второму крестьянскому циклу Малевича конца 1920-х — начала 1930-х годов, в котором художник создал знаменитую серию отвлеченно-фигуративных изображений, воплощая идею «супрематизма в контуре человеческой фигуры» (k-malevich.ru). Газукин пытается решить, по сути, те же художественные задачи, что и Малевич, а именно: выразить содержание через очищенные форму и цвет. Художник создает обобщенный портрет, лишенный индивидуальных черт и сведенный к знаковому образу. Плоскостное наложение геометрических фигур, большая часть которых имеет неправильную форму, создает ощущение, что персонаж скроен из лоскутков ткани. Абстрактный декоративно-ритмизированный фон работы гармонично соотнесен с составными частями портретируемого. Вместо лица художник изображает маленький круг, поделенный на оранжевую и желтую секции. Автор использует локальный колорит и задействует обширную палитру, заполняя каждый блок соответствующим цветом. Несмотря на то, что персонаж полностью лишен индивидуального начала, его внешний облик за счет акцентированных непропорциональных форм — крошечной головы, тонкой длинной шеи и контрастно массивного торса — придает образу жизненно-эмоциональное наполнение и вызывает отклик зрителя (Мария Беликова). 

Вечерний портрет

На обороте: вверху, в центре, авторская надпись и дата: А. Горяинов // «Меланхолия» 35 × 50 см //2021  масло, картон 2020 // ХХХ руб.

Работа происходит из собрания семьи художника 

Анатолий Петрович Горяинов — известный российский фотограф, его работы неоднократно публиковались, выставлялись на многих отечественных и зарубежных площадках. 

По образованию Горяинов — профессиональный художник, график, выпускник Московского государственного художественного института им. Сурикова. Как живописец он развивает в своем творчестве достижения европейского модернизма первой трети ХХ века — Парижской школы, фовизма, экспрессионизма, а также наивного искусства.

Меланхолия

На обороте: слева вверху авторская надпись и дата: DaDim // Dasha Delone // 2021; справа вверху авторская надпись: Сфинкс и Минотавр // из серии // Частная жизнь героев // и чудовищь

Работа происходит из собрания семьи художника

Представитель Третьего авангарда, художник Даша Делоне — это сложная и длинная история, в которой Живописец, Поэт, Дизайнер, Издатель и Всадник попеременно выходят на сцену и творят жизнь, наполненную событиями, которые в свою очередь причудливыми рефлексами отражаются на холстах в виде цветов и драконов, бутылок и валькирий, пиратов, музыкантов и предков (Елизавета Плавинская, куратор, искусствовед, критик). 

В ее стиле живописи сочетаются такие эстетика и традиции, как наивное искусство, европейский сюрреализм, древнерусские фрески и русский авангард начала ХХ века. Пространство картин Делоне приглашает зрителя в мир личного воображения и культурных архетипов. Вселенная художника населена множеством странных и в тоже время легко узнаваемых существ: драконов, фей и фантастических животных. В работах Делоне наша повседневная реальность приобретает новое мистериальное измерение, а кажущаяся детская простота раскрывает философские глубины (Александр Панов).

Даша Делоне — живописец, график, иллюстратор. В ее творчестве получили развитие самые разнообразные модернистские стили и направления: экспрессионизм, сюрреализм, наивное искусство, а также живопись русского авангарда. 

Группа «ДаДим» (DaDim) организована в 2016 году Дашей Делоне и Дмитрием Горячкиным.

Сфинкс и Минотавр. Из серии «Частная жизнь героев и чудовищ»

На обороте, сверху по центру, авторская надпись и дата: М. ЕРМОЛОВ // «Лыжница» 2022 // 30 × 24 // холст, акрил

На подрамнике, вверху слева, надпись: Z, ниже штампы, указывающие формат и дату производства подрамника

Работа происходит из собрания семьи художника

Михаил Ермолов — автор большой серии оригинальных работ «Парк им. памяти культуры и отдыха». Автор воспроизводит в своих работах атрибуты ушедшей эпохи, которые в своей ретро-стилистике напоминают выцветшие полотна, созданные в середине прошлого века. Фактура этих маленьких холстов содержит потертости, царапины, пятна и разводы, подчеркивающие все следы, якобы оставленные на них временем.

«Мой Парк — особенный мир, где было всё: качели-карусели, фонтаны, каток, горячие бублики, беседки, чертово колесо, лимонад, клоуны, голуби, скамейки, пиво-шпикачки, лошадки, сахарная вата, самолетики, клумбы, вазоны, игрушки, сосиски в тесте, музыка, комната смеха, леденцы, тир, урны, кино, воздушные шары, скульптуры, зелёный театр и т.д., и т.д., и т.д.» (Михаил Ермолов, dotart.info).

«Это ностальгический проект о детстве, которое живет в нас до конца дней, о детстве без гаджетов, Интернета, мобильных телефонов, видеокамер, компьютерных игр и т.д., о детстве с играми во дворах — с утра и до вечера без надзора взрослых, о побегах в кино с любимыми героями, на которых так хотелось походить. А походы в цирк с клоуном Карандашом, воскресные гуляния с родителями в парках, катание на чертовом колесе, на качелях, наперегонки на великах, на картонках с ледяных горок, а деревянные кони и другие немногочисленные игрушки, часто самодельные, грубо раскрашенные, но такие любимые? Конечно, это память поколения дедов и немолодых отцов. <…> Сегодняшнее молодое поколение, напротив, будет вспоминать, как до самого совершеннолетия их за руку водили взрослые, куда, в какие страны ездили с родителями летом, как учили языки по обмену и т.д. а виртуальная реальность и реальная жизнь не разделимы, о дворовых играх в казаки-разбойники, 12 палочек, штандер и др. будут узнавать, если прочтут, из книг. Все проходит, как рассказал нам царь Соломон» (Ирина Филатова).

Лыжница

Справа внизу графитным карандашом подпись: Н. Жерновская

На обороте графитным карандашом: в правом верхнем углу надпись: 3; слева вверху фрагмент рисунка фигуры человека

Работа происходит из собрания семьи художника

Художественный путь Натальи Жерновской начался в 1991 году, когда она познакомилась с Тимуром Новиковым и поступила в его Новую Академию Изящных Искусств, которая появилась… на волне формирования нового имперского консерватизма в стране, интереса к большим стилям прошлого. Влившись в сообщество неоакадемистов, Жерновская начинает дружбу с Владиславом Мамышевым-Монро и Георгием Гурьяновым, оказавшим влияние на ее творчество, но своим «учителем» художница называет именно Тимура Новикова. В 1997 году в среде Новой Академии складывается движение «Новые серьезные», куда входят Георгий Гурьянов, Денис Егельский, Егор Остров, Константин Гончаров, сама Наталья Жерновская и другие. «Новые серьезные» противопоставляли себя «шуточному» постмодернизму, особенно популярному в те годы в современном искусстве, и обращались к изучению классической живописи и шедевров старых мастеров (vladey.net).

Поворот «ко всему классическому и античному» в годы распада Советского Союза был не просто удачным коммерческим ходом, позволившим Новикову и членам его Академии занять никому не нужную в то время неоклассическую нишу. Неоакадемический проект Тимура Новикова (наряду с национал-большевистской утопией Лимонова, Дугина, Летова и Курёхина) в середине 1990-х стал одним из первых опытов постиронических художественных практик в постсоветской России. Отличительная черта постиронии — использование возможностей иронии для реализации серьезного смысла. Как отмечает российский философ и публицист Кирилл Мартынов, «постирония — это состояние, в котором границы серьезности и иронии оказываются размытыми. Постироник намеренно допускает двусмысленность своей речи, его игра состоит в том, чтобы заставить вас сомневаться: он это серьезно или нет? <…> постирония может вести к “новой искренности”, то есть позволять иронику говорить о серьезных вещах. Последний аспект самый примечательный — постирония становится культурным механизмом разрыва с постмодернизмом» (nlobooks.ru).

В творчестве Натальи Жерновской преобладают характерные для художников круга Новой Академии сюжеты — сцены с участием рабочих, моряков, людей в форме, танцоров, написанные в лаконичной, почти монохромной манере. Художницу привлекает красивое в классическом понимании, она любуется видимым — телом, выражением лица, посадкой одежды. Вдохновение часто находит в фотографиях, особенно советского довоенного периода, поясняя: «Я рисую то, что хотела бы сфотографировать, и фотографирую то, что могла бы нарисовать». Выхватывая выразительный жест или красноречивую позу, Жерновская создает эффектные образы, которые хочется снова и снова рассматривать (vladey.net).

Живопись Натальи Жерновской продолжает и развивает эстетику её знаменитых фотосессий. Ее живописная манера отличается контрастностью и светоносностью, что делает её картины исключительно красивыми и очень глубокими по смыслу. Эстетика солнечной античности и интеллектуального неоклассицизма в современную эпоху имеет прекрасное воплощение в живописных произведениях Натальи Жерновской (Елизавета Плавинская, куратор, критик, искусствовед).

Из серии "Одиссей"

На обороте, слева вверху, авторская подпись и дата: Kasabov Sergey I. // 60 × 50 2002

Когда к Сергею Касабову обращаются с просьбой рассказать о своих удивительных, полных музыки и поэзии картинах, он отвечает: «Живопись не литература, ее не надо объяснять. Надо смотреть. Это визуальное искусство, и там сказано больше, чем скажешь словами».

Художник работает в абстрактной манере. Для этого направления характерен отказ от приближенного к действительности изображения форм. Главная цель абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определенных цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у зрителя разнообразные ассоциации.

Произведения Сергея Касабова — воплощения цветовых впечатлений и фантазий художника, поток его сознания, моментальный снимок его состояния, запечатленный в цвете (mosoblpress.ru).

Сергей Касабов родился в 1951 в Баку. Окончил Бакинское художественное училище. Занимался художественным литьем, книжной иллюстрацией. Живет в Москве. Участвовал в выставках в России, Канаде, Франции, Вьетнаме.

Абстракция № 2

Слева внизу подпись и дата: И. Комов 2020

На верхней планке подрамника справа дата: 2020; на правой планке подрамника вверху авторская надпись: Последние лучи солнца

Работа происходит из собрания семьи художника.

Последние лучи солнца

На обороте, справа, авторская надпись: Константин Кузнецов «Псалом. Истра» 2003

Работа происходит из собрания семьи художника

Московский живописец Константин Кузнецов — представитель круга художников второй волны авангарда. Исключительно важной для него была фигура Михаила Врубеля, вслед за тем — Александра Головина, Виктора Борисова-Мусатова, Александра Ива́нова.

Работает художник чаще всего циклами, темы которых отражают течение мирового времени или посвящены природно-культурным топосам, архитектурно-парковым ансамблям, изобилуя цитатами (преимущественно архитектуры и скульптуры): античность, европейское Средневековье, Ренессанс, русский классицизм.

В восприятии художника художественные объекты не только памятники искусства, но и окружены оболочкой, или аурой, семантических напластований и позволяют зрителю «включиться» в эпоху, раскрывая для себя целый веер смыслов и ассоциаций. Художник, а вслед за ним и зритель ощущает себя в пространстве всемирной культуры. Времена года и отдельные месяцы, части суток являются для него воплощением цикличности и вневременности; ведь когда ты совладал со временем, ты — вне его.

Его картины можно рассматривать как опыт духовного, то есть в своей основе религиозного искусства. Кузнецов понимает религиозную направленность искусства как возможность наслоения, «просвечивания» историософских размышлений, культурных образов-знаков и трактовки природы как божественного творения. В полифоническом пространстве мерцающей мозаичности живописи Кузнецова, изысканной текучести живописных ритмов угадывается бесконечная метаморфоза форм и состояний, грезы земли, воды и воздуха о реальности чудесного и иллюзорности внешнего, эмпирического. (Вера Родина, artinvestment.ru).

Псалом. Истра

Слева внизу подпись инициалами: А. М.; справа внизу дата: 2019

На обороте: по центру авторская надпись и подпись (частично скрыты подрамником): А. Медведев // «Поклонение» // <подпись>; слева вверху фломастером надпись: 12" (30 сm) × 42" (107 cm) // Worship

Незначительное коробление холста

Андрей Медведев (1960) родился в Москве. Окончил Московское художественное училище памяти 1905 года (1979). Работы художника отличаются выраженной театральностью образов, гротеском и наполнены цитатами из истории мирового искусства. Творческая манера автора окрашена влияниями разнообразных стилей и направлений прошлого — православной иконописи, наивного искусства, экспрессионизма. Сам автор характеризует свой стиль как «живописная гофманиада». Произведения Медведева регулярно продаются на отечественных и зарубежных аукционах (Мария Беликова).

«Пространство, которое он [Андрей Медведев] создает, кажется лишенным силы тяжести, и создается впечатление, что изображенные люди парят над землей. Его композиции, положения его фигур и очевидное отсутствие гравитации придают его работе особую загадочность. Несовершенства и странные сопоставления вызывают вопросы о нашем существовании и абсурдности жизни, но также и о красоте ярких контрастов XXI века» (искусствовед Питер Ван Рой, Германия, onlinegallery-duarte.com).

Поклонение

Слева внизу подпись и дата: ВМ // 22

На обороте, справа вверху, авторская надпись и дата: Валерий Мишин // «Шар» // х/м 130 × 100 // 2022

Работа происходит из собрания семьи художника

От автора: Хотя я рисую целенаправленно, зная, что делаю, я оставляю люфт для зрителя — понять так или по-другому, увидеть то или другое (Валерий Мишин, smotrim.ru). 

«Художник находит наиболее близким себе немецкое изобразительное искусство — многие его явления от Возрождения до ХХ в., соединяющие жесткость, сухость перечисления, кропотливость и одновременно странность, мистичность. Особо родственна Новая вещественность или Магический реализм, с их скрупулезной ирреальностью. У Мишина странность, “сдвиги” не только в наборе изображаемых вещей и в их соединении, но в самой манере: в сочетании иллюзионизма и условности, в соединении высокой техничности и некоторой примитивизации. “Вещественным” изображение делает объемность, усиленная светотеневая моделировка фигур, но вместо плоти вещей — упорядоченные, монотонные фактуры, заполняющие контуры. Наивное искусство, в частности, югославских примитивистов напоминают упрощенная линия и упрощенный ритм, усиленные повторы в пейзаже, аккуратность пышной растительности на головах и лицах персонажей. Все это служит эффекту. Эффектны также постоянные столкновения противоположностей — полета и тяжеловесности, движения и неподвижности, психологической выразительности лиц и их отвлеченности от изображенной ситуации. 

Отступление от реальности обычно рационально, обычно имеет прозрачную мотивацию… «Иная реальность» распознается как реальность художественного мышления с присущими ему операциями — отстранением, смешением, метафорами, аллегориями, парадоксами, каламбурами...

В любой его фантасмагории остается нечто реальное, точное. Реализм сам по себе как проблема занимает художника. В 1990-е гг. Мишин изобрел направление, названное “остаточным реализмом”, в русле которого создает композиции из отпечатков разных предметов — листьев, трав, тканей, даже рыб. Мишин также экслибрисист, медальер, автор манифестов, пишет стихи и прозу, составитель и издатель журнала “Акт”» (Любовь Гуревич, искусствовед, samizdat.wiki....pdf).

Шар

Справа внизу подпись: О. А.

На обороте: справа вверху авторская надпись и дата: г. Ялта Орлов А. // «Холмы Коктебеля» // Х. акр. 50 × 70 // 2021 г.; слева вверху авторская надпись и дата: Холмы Коктебеля // Х. акр. 50 × 70 // 2021

Работа происходит из собрания семьи художника

Андрей Орлов (1979) — крымский живописец, пейзажист, портретист, мастер натюрморта. Окончил Крымское художественное училище им. Н. С. Самокиша в 2002 году. Живет и работает в Ялте. Произведения художника находятся в частных коллекциях Украины, России и других стран.

«В ряду современных крымских живописцев имя Андрея Орлова прежде всего будет названо при разговоре о картине, которая определяется сутью осознания мира через цвет, а не исчерпывается названием темы или узнаваемостью сюжета, задушевностью мотива или поразительностью эффектов, вычурностью манеры или провокационностью формы. 

Образный строй его произведений балансирует между декоративной энергичностью дерзкой конфронтации самодостаточных красок и изящной игрой богатой палитры оттенков» (Павел Хлебовский, искусствовед, ot-ido.art).

Холмы Коктебеля

Справа внизу подпись.

На обороте, слева вверху, фломастером авторская надпись и дата: 130 × 97 2006 х. м. // *Движение видеовиса*

Незначительное нарушение красочного слоя слева вверху 

Работа происходит из собрания семьи художника

Работа оформлена в раму (130,5 × 99 см)

От автора: Современный художник, находясь под огромным давлением «атмосферного столба» различных направлений, школ, стилей, течений, эпох в искусстве, черпая из накопленной сокровищницы ценности знания, решает сложнейшие творческие задачи генерации собственной художественной системы. Чрезвычайно трудно отчетливо зазвучать, найти свою стилистику и, основываясь на знании предыдущих творческих опытов, избежать прямого цитирования, найти своего зрителя и разговаривать с ним на одном языке понимания и сочувствия.

Автор, поставив перед собой задачу уйти от унылых, искусственных правил целесообразной эстетики, экспериментирует, иногда связывая воедино абстракционизм и модерн, создавая изображение зачастую интуитивно. Иногда его охватывают настроения, подвигающие на высказывания языком символизма.

Всё это попытки смотреть на мир непредвзятым взглядом, очищенным от опыта рационального восприятия.

Постоянный поиск новой лексики выражения обогащает творчество автора различными приемами, позволяющими подобрать оригинальные пути и модели оживления восприятия. Иногда в этом процессе ясность формы сменяется бурным ниспровержением скучного перечисления деталей.

Избегая свойственного современности эгоцентризма, автор пытается перекинуть мостик между предметом выражения и зрителем. Путь к собеседнику без преград, не обремененный навязанными банальными идеями и равнодушием посредственного опыта.

Искреннюю попытку избежать шаблонности и линейного взгляда, порыв, возможно наивный, в стремлении общаться со зрителем можно расценить как приглашение к игре, где образ выводится из-под автоматизма восприятия, и предлагается на чувственном уровне получить ощущение «увиденного», а не узнавание знакомого образа (Александр Пучко).

Движение видеовиса

Справа внизу подпись-монограмма.

На обороте, сверху по центру, авторская надпись и дата: Ракова Ирина // «Букет в белом // кувшине» х.м. // 2021 г // 40 × 30 см

Работа происходит из собрания семьи художника.

Кажущаяся наивность, юмор, женственность, поэзия — персонажи ее картин, сказочные или реальные, живут полной жизнью в своем, созданном ею мире. Смотрят ли они на вас или мимо, они приглашают вас войти в этот мир или хотя бы попытаться понять его, задуматься о чем-то важном, касающемся лично вас. Мир воспоминаний, забытых впечатлений. Мир сказки.

Как она «выбирает» свои темы и сюжеты? При взгляде на ее работы возникает отчетливое и ясное впечатление, что выбирают ее они сами. Но будь то портрет, натюрморт, пейзаж или сюжетная сценка, одно в этих работах неизменно — желание художника разделить с нами яркий, радостный или грустный, но бесконечно чистый мир нашего нескончаемого детства! (Григорий Бессерман, inieberega.ru).

Живопись Ирины Раковой — это прогулка. Прогулка по миру в бесконечном движении, населенному удивительными созданиями, одновременно нежными и загадочными. По миру живому, где каждая частица пейзажа вибрирует и дышит. Приснившийся мир мечты? Наверное, сон для нас — единственный способ попасть в наше детство. Алиса, бросаясь вдогонку за белым кроликом, «падает» в страну-зеркало и пробирается через странные и в то же время знакомые ей места. Это сон? Она и сама не знает. 

Живопись Ирины Раковой дарит нам возможность отправиться в путешествие по этому миру. Он наш, мы находим себя в нем… до какого-то момента. Запах осенней листвы, полет белой птицы, золотая рыбка в целлофановом пакетике с водой, взгляд девочки-феи… Мы попали в сон Ирины или ее живопись уводит нас в наш? Продолжайте следовать за белым кроликом и просто мечтайте (maxime-and-co.com).

Букет в белом кувшине

Оборот скрыт.
На картоне, закрывающем оборот, слева вверху, авторская надпись: «Генералы 70-х» // С. Сонин // Е. Самородова 

Из серии «Генералы 70-х»

На донце постамента подпись и дата: <подпись> // 2014

Работа происходит из собрания семьи художника.

Выставка: Андрей Бисти. Металлические метафоры (2018, Галерея «Кино», Москва)

Публикация: Андрей Бисти. Металлические метафоры. Скульптура. М., 2017. С. 128–129 (воспр. в цвете)

Легендарных самураев характеризовало ледяное бесстрашие перед лицом смерти в сочетании с известной духовной утонченностью, это общеизвестно.

«Что победитель, что побежденный росы лишь капля, только росчерк молнии — вот должный взгляд на мир» (предсмертное хокку самурая Шиаку Ниюдо, 1333).

«Успех — это твое состояние, отношение к тебе в твоем профессиональном кругу. Рисующий человек становится умнее, потому что это — один из методов познания жизни.

Творчество — это в первую очередь размышление. Высказывание. Прогресс в искусстве основан на знании того, что было до тебя» (Андрей Бисти).

Андрей Бисти (1953) — живописец, график, скульптор, иллюстратор, дизайнер. Бисти предпочитает работать в жанре ready made, создает оригинальные композиции из подручных материалов, которые обнаруживают сходство с произведениями ведущих европейских скульпторов — М. Дюшана, Ж. Тэнгли, Армана. «Скульптор изобретательно и бережно перемещает из металлоломного небытия в сферу нашего внимания эти вещественные свидетельства безвозвратно канувшей в прошлое, многовековой, устойчивой, по-своему замечательной русской материальной культуры. Это, в сущности, вполне эстетически обоснованный, постмодернистский способ творческого поведения», — пишет о его произведениях его близкий друг, художник и писатель Константин Победин (openklub.ru). 

Работы Бисти находятся в собраниях Государственного музея изобразительных искусств им. А.С. Пушкина, Государственного Эрмитажа, Севастопольской художественной картинной галереи, а также в частных коллекциях в России, США, Греции, Франции, Швейцарии, Японии, Корее, Дании, Болгарии и Польше.

В «Самурае», как и в большинстве работ, Бисти использует широкий арсенал материально-изобразительных средств: дерево, железо, олово, медь, вощеный шнур, умелое сочетание которых рождает обобщенный образ японского воина. Скульптор отказывается и от передачи портретных черт героя, лицо которого заслонено шлемом с рогами, и от детальной проработки его фигуры и военного облачения. Тем не менее лаконичность художественного решения не мешает автору добиться достоверного и выразительного образа. Стилизованное традиционное боевое оружие в руках самурая напоминает канабо, из которого торчат разноцветные шнурки. Туловище самурая трактовано плоскостно и уподоблено неправильному треугольнику, перекличка форм шлема и нижней части фигуры гармонично замыкает композицию. Сложная игра света на материале дополнительно подчеркивает рельефную поверхность скульптуры (Мария Беликова). 

Константин Победин (из книги «Андрей Бисти. Металлические метафоры. Скульптура»): Творчество Андрея Бисти  в хорошем смысле провокативно: оно вызывает даже у искушенных ценителей изобразительного искусства освежающий чувства по-детски непосредственный интерес.

Благодаря духовной зоркости и неуемной фантазии этого удивительного художника буквально найденные на свалке истории и когда-то жизненно необходимые, ритуально значительные орудия труда наших предков, как по волшебству, перенеслись из ржавых груд вторчермета в мир возвышенных образов, обрели новую, небывалую метафизическую таинственность и почти мистическую силу. «Композиционная рецептура» такого рода действий внешне может показаться ошеломляюще простой: в самом деле, взял человек одну кованую железяку, приделал к другой, сочинил подходящее название и все дела…

 Но рассуждать так столь же наивно, как всерьез верить, будто каждый желающий утолить жажду может для начала вдохнуть обеими ноздрями водород, затем одной — кислород и терпеливо ждать, пока внутри его организма сама собой образуется H2O…

Андрей, имя которого тоже апостольское, но не столь суровое, как у небесного покровителя Венеции, поступает строго наоборот: он пускает в дело фактически «стертые с лица земли», отринутые за ненадобностью разрозненные свидетельства по-своему совершенной, одухотворенно значительной народной материальной культуры и дает им поистине чудотворный шанс «жизни после жизни» не в физическом, а в метафизическом пространстве, там, где высокое, низкое сосуществуют порою зримо, а порою призрачно, как ангелы, зодиакальные существа, мужчины и женщины, их сновидения, представления о счастье и надежды на очень вероятное бессмертие человеческой души.

Тираж 2 экземпляра. Экземпляр № 2

На обороте скульптуры слева процарапыванием подпись и надпись: Б // 2 // 2

Работа происходит из собрания семьи художника.

Сергей Борисов — скульптор из Санкт-Петербурга, член Союза художников СПб, доцент и профессор Санкт-Петербургского государственного университета промышленных технологий и дизайна, участник более 50 групповых и 12 персональных российских и международных выставок. 

Скульптуры Сергея Борисова установлены в городских пространствах Санкт-Петербурга, Зеленогорска, Никольска, Стрельны (Россия), Иматры и Лаппеенранты (Финляндия).

Работы находятся в музейных собраниях Государственного Русского музея, Государственного музея городской скульптуры (СПб), Центрального выставочного зала «Манеж» (СПб), Музея петербургского авангарда (Дом М. В. Матюшина), выставочного центра «Эрмитаж-Выборг», Псковского Государственного историко-архитектурного и художественного музея-заповедника, Imatra Art Museum (Финляндия), а также в частных коллекциях в России, США и Германии.

Скульптор использует как традиционные материалы — гранит, металл, стекло, так и новейшие — стеклопластик и композит. «Скульптурные объекты Сергея Борисова выстраивают самостоятельную линию структурализма в скульптуре и передают яркий индивидуальный стиль автора. Экспериментируя с формой и пластикой, скульптор оригинально выстраивает архитектонику произведения, обнаруживает новое пространство формы», — пишет о произведениях Борисова искусствовед Ю. Спиридонова (erm.vbgcity.ru).

Как и многие работы автора, камерная скульптура «Оратор» (2022) отличается лаконичностью художественного решения и абстрактной стилизацией форм. Фигура оратора трактована предельно обобщенно, лишена индивидуальных характеристик и сведена к знаку, что вызывает ассоциации с произведениями модернистских скульпторов, прибегавших к схожим пластическим решениям, основанным на редукции изобразительных средств: А. Джакоммети, Г. Мура, Ж. Миро, М. Эрнста. Тело героя трактовано плоскостно, его составные части представляют собой различные фигуры неправильной формы. При этом образ безусловно воспринимается как антропоморфный, он наделен эмоциональностью и излучает уверенность (Мария Беликова).

Оратор

Единственный экземпляр.

На донце авторская надпись и дата: Бычков Т.С. // «Первый загар» // 2017 // 40 × 32 × 25 // дерево, левкас

Работа происходит из собрания семьи художника.

Обладая классическими приемами пластики, молодой скульптор нарочито легко отходит от реалистически-иллюзорной лепки к обобщенным формам. Тимофей Бычков создает свой художественный мир, причудливый и многообразный. Его произведения несут принцип иронии и гротеска, они основаны на взаимосвязи реальности и причудливых фантазий. Все это позволяет посмотреть на обычные предметы и явления с совершенно неожиданной, необычной точки зрения. Обыденные вещи, одухотворены шутливо-эмоциональным авторским видением. В современное искусство вошел скульптор впечатляющего творческого потенциала (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).

Тимофей Бычков — московский скульптор, сын скульптора Сергея Бычкова. Окончил МГХПА им. С. Г. Строганова (2018). Один из трех победителей IV Конкурса молодых скульпторов-анималистов «Класс! Насекомые!» Государственного Дарвиновского музея (2019). Участник выставок с 2018.